西方美术史(古典) 丁宁 6

第六章大师的华彩-文艺复兴时期美术掠影之二

今天的内容，是文艺复兴第二部分，也就是文艺复兴盛期时候的，最重要的大师，三位大师，一位是达·芬奇，一位是米开朗琪罗，最后一位是年轻的拉斐尔，他们三位构成了，文艺复兴星空当中，最灿烂的星座，所以是代表了所谓最高的成就，那么关于文艺复兴的，这些伟大的人物，到今天为止，依然是一个非常大的话题，我们并没有能够，因为有这么多的年数，比如说将近500年的时间，我们依然可能对达·芬奇，对于米开朗琪罗，对拉斐尔怀有敬意的同时，还有一份探究的心情，因为他们的伟大实在是，不是一般的伟大，而是异常的伟大，而且他们的伟大之处，不仅仅在于后人难以超越，而且他们的伟大，是因为什么而伟大，始终是我们探究的，一个重大的话题。

达·芬奇——无与伦比的素描大师

那么第一位是达·芬奇，那么达·芬奇在自己的这个，描绘自己的时候，也许有一份很特别的地方，假如说在这张素描里面，达·芬奇应该是说，他在素描和写实的技巧方面，无人能比，非常重要的一个素描的大师，只有到了后来，大概新古典主义时期的安格尔，似乎跟他还可以有一点比较，因为有新的发展，但是确实在素描的方面，他已经到了一个顶峰状态。

那么他给自己留下来一个画像，而这个画像，让我们今天，在看到这个画像的时候，

不免有一点点迷惑，这是67岁的达·芬奇，可是画得特别的苍老，是因为什么在67岁

的时候，让他会变得苍老，还是因为他心里感觉到苍老，这是一个不大不小的一个谜。

那么达·芬奇，有过很多的涉猎，他的涉猎的广泛程度，远远超出了作为一个艺术家，这样的一个范围，那么他设计过，比如说排水渠，他设计过军事上的攻击的武器，设计

过坦克，设计过非常精美的桥梁，而这个桥梁做的时候，还不是一般的材料，木头就可

以造型很美，坚固的程度也够，他也设计比如说飞行器，他解剖人体，而且解剖人体

解剖到，就是不同的性别不同的年龄，所有不同的类型的人，他都一一涉及。

甚至在这幅画，这幅画是，他是按照古罗马时候的，一个维特鲁威，关于人跟建筑

之间的关系，他画了一个素描，这张画后来，我知道因为丹尼·布朗的小说，《达·芬

奇密码》，因为开头的一部分就是，卢浮宫里面的一个老头，死的时候摆出的样子，就

是这么一个样子，让很多人对这幅画，重新燃起了极大的兴趣，就是这幅画本身，即

使在，没有丹尼·布朗的小说之前，也是一个巨大的谜，比如说整个的画面里面，出

现的那些文字，都不是正面写的，它是反写的不是正写，比如说他是一个左撇子，左

撇子而且把字体翻过来写，换句话说，你要看它这上面的文字的话，你翻过来来看，

要不然你是看不懂的，其实各位，大概能够把自己的名字反写，已经很了不起了，要通篇这么反写的话，是很困难的事情。

另外其实，在这个“人体的比例”里边，我们可以看到，就是古希腊的，一个非常重要的概念，在这个画面上得到了巨现，古希腊时候有一句，非常重要的一句名言，叫做“人是万物的尺度”，就是衡量所有别的东西，是要用人的尺度来衡量，人是中心，这也是文艺复兴时期的，一个非常伟大的概念，就不是以别的东西，而是以人自身的一个尺度，来衡量世界，那么在这个画里边，大概最典型的，体现了这样的一个意义，那么我们看到的是一个健康的，一个成年的一个男性，当他把双臂伸直的时候，这个双臂，因为两个辅助模型，一个是中间的正方形，一个是圆形的，那么你就可以判断出，一个人的身高其实是，双臂伸展开来的这个长度，对不对，因为这是等边的，正方形是等边的，这个宽度就是这个高度，这个高度，那么当手上举的时候，放到这个正方形的上边，那么脚分开，这个时候人的肚脐的地方，可能成为一个最中心的地方，所有这些，这个尺寸，其实有很多很多的

讲究。

我们来随便地看几个，比如说，在维特鲁威的，《建筑十章》这本书里面，他曾经谈到，就是人的肘部，到手中指尖的长度，是身高的五分之一，就是人的中指的指头到肘部，这个是整个身体的五分之一，就是说人的身体的比例，可以有很多的比例的关系，比例的关系，那么另外就是四指为一掌，四掌为一足，六掌为一个cubit，是指前臂的长度，另外还有，比如说你的双腿跨开，这个时候的高度，就减少了十四分之一，双臂伸出并抬高，直到你的中指的指尖，与你的头部最高处，处于同一水平线上，你就会发现，你伸展开的四肢的中心，就是你的肚脐，两腿之间，会形成一个等腰三角形，那么除了我们前面所看到的，关于对于人的比例的，一种阐释之外，其实作为一个画面，这个画很小，放在威尼斯美术学院的美术馆。

那么你们可以看到，即使是在素描里面，达·芬奇都会注意到，所谓的人的身体的真实的体量，而且甚至会有一些投影，专门研究达·芬奇的人会发现，这是一个非常典型的，左撇子的用笔，跟右撇子是不一样的，那这是他反写的文字，反写的文字，非常难懂，这边有他的签名。

那么类似的这个手稿，其实我举到最近的一个例子，大概90年代的时候，比尔·盖茨买过他的一些手稿，花了几千万，那么有关他的手稿，其实有一个非常重要的数字，一般的研究者会认为，达·芬奇整个的生涯当中，留下的手稿大概多达六万页，就类似这样的又画又写，大概有六万页，慢慢的散散到后来，大概就剩了三千到四千页，那么现在我们能看到的，这个数字都不到。

那么有人曾经提出过，一个概念说，达·芬奇如果，把他的手稿的一部分拿出来，比如说他的数学的手稿，他在数学方面富有天才，如果把数学的手稿发表的话，也许整个的数学的历史，要往前推进一百年，那么这个是，当然是我们后来的话，后来的评价，他其实没有发表，他其实也没有，把那个数学史改写，但是你可以知道，达·芬奇的才华，在每一个领域里边，都到了一个顶尖的状态，他的画画画到顶尖状态，他做数学，其实也到了一个顶尖状态，而且他的才华，不是一方面的才华，是全面的才华，所以他有一个当之无愧的，一个称号，就是All-round person，就是无所不能的人，全能的人全能的人。

那么这是在挪威，挪威是这样，在一个高速公路的地方，他们根据当年，达·芬奇画过的一个图，把它建成一个木结构的，一个桥梁，那个桥梁非常非常的吸引人，有很多人都想走一走，这个木头桥到底怎么样的感觉，那是在1502年时候，他曾经设计过一座长的桥，那么现在我们看到的这个桥，是1995年的时候造的，一直到去年2007年，我去挪威就看到了这座桥，可是是在晚上看到的，我拍了半天，留下的照片朦朦胧胧看不清，那么达·芬奇的这个桥梁，这个高速公路上面，木头全部都是木头结构，非常的简约。

哀伤的圣母

那么他在绘画的领域里面，他所表现的东西，在今天依然是一个，大家非常迷恋的一个谈话对象，就是在他的画面里面，怎么会出现一个，栩栩如生的形象，尤其是他的素描，他的最大的素描，是一幅巨幅的作品，到英

国国家美术馆，你去看的话就会发现，达·芬奇的素描变成了一个，用防弹玻璃保护起来的巨作，他的素描是无人能比。在那个时代，比如说拿这件作品来说，他似乎是非常随意，非常兴求画趣，但是形象的，这种栩栩如生的这种质感，甚至包括眼睛的晶体的透明感，都似乎能够出来，但是没有任何的颜色。

这幅画曾经到过北京，是他所画的那个哀伤的圣母，那么在北京的展出的时候，大概是整个的展览期间，是不可以超出一个月，所以一个月不到的时候，就有人提前来准备，把这个画再运回去，因为它的材料已经非常的脆弱，非常的脆弱，类似的这样的作品很多很多，那么他有很多的图，是实际上是一个局部在分析，一个局部一个局部的在分析，所以到他画面的时候，我们这个时候已经几乎看不到，中世纪里边所有留下来的，那种不自然的痕迹，到了达·芬奇的笔下，全部还原到了，我们真实生活当中，所能看见的东西的，画布上面再现。

《岩间圣母》法国卢浮宫版《岩间圣母》英国伦敦版《圣母和圣婴》拉斐尔那么有一幅画也许非常重要，就是在丹尼·布朗的小说里面，被渲染的最神秘的画之一，就是《岩间圣母》，这是在巴黎的卢浮宫，那么从那个形式来看，大家可以很明显地看到，这是一个类似祭坛画，现在把它放到博物馆里了，好在它整个的里面的这一部分，还是非常的完整，那么丹尼·布朗，为什么对于这幅画，会有很多的谈论呢，主要的原因在于什么呢，在于在这幅画里面，里边有两个人物的动作的姿态，似乎是颠倒过来的，大家看一下，这个重要的位置上面是圣母，这边的是天使这是圣婴，然后这是约翰。可是整个的情形，有一点点变化是什么呢，就是应该是，圣婴在这个位置上祝福，可是现在，是约翰做了一个祝福的手势，而圣婴成了接受祝福的人。这个原因是什么，这个是小说里边不断渲染的，就是说，它里边有很多神秘的涵义，什么什么啊，但是这个确实很少见的。在同时代的，比如说拉斐尔的绘画里面，我们没有看到过，是这样的一个顺序的颠倒，这个颠倒的原因是什么，而且它这个颠倒似乎，还有一种强调的意味在里面。大家可以看，在这个上面有一只手，是天使的手，天使的手的方向是，从这边往这边走，那么意味着这个祝福的方向，是从这里出发到了那个地方，那是一种强化，而且有人还提出，说圣母的手，为什么放在这个线上面，那似乎又是一个强调，当然有些人夸张地还说，这个圣母的手有点像鹰的爪，这个其实说得不对，因为关于圣母的手这种画法，其实有很多有很多，类似的很多不足为奇的。

唯一的是在这里这个方向，当然从整个的画面来看，确实有一种，非常非常有意义的改变，是什么呢，就是达·芬奇的《圣母像》，是放在一个非常可信的，一个背景上面，而且这个背景，跟达·芬奇，自己对于自然的探究，有很大的关系，因为达·芬奇，有一个很特别的爱好，特别奇特的地貌，特别奇特的山，他是非常非常感兴趣的，所以在他画的里面，经常会出现一些蛮怪的，形状的一些山，那么这个原因在于，他认为这样的一种，山的形态的变化，可能经历了非常漫长的时期，而这个整个的岁月留下的痕迹，本身就是一个过程，就是一个可以探索的一个过程。这是他表明的，一种对自然的兴趣。当然从人物本身来说，所有的人物都显得非常的真实，从色彩到形态，包括整个的构图，那么有机会，将来有同学去卢浮宫，你可以甚至可以仔细地看，这边的细节，水后面的水，山洞里面那个云雾弥漫的，这种效果，都有很好的刻画。我们把它稍微明显地显示出来，后面的这个山的形态，非常的奇怪，而这个奇怪的这些山的东西，最后还在我们另外一张，非常著名的绘画里面可以看

到，就是《蒙娜丽莎》。原因在于达·芬奇，对于这样的自然的风貌，有极其强烈的好奇心。

那么关于《岩间圣母》，或者《岩下圣母》，其实有两个版本。我们现在看到的，是巴黎卢浮宫的这个版本，另外还有一个版本，是放在英国的国家美术馆。通常研究者会认为，卢浮宫的这幅画，应该是达·芬奇所作的，没有疑问。但是英国版的这幅画，可能是他的弟子所画的。但是有意思的是，就这两幅画之间，看起来是一样的，其实有点点不一样。大家可以来看一下，这是还是卢浮宫版的，法国版的这个画面里面，出现的细节。

那么我们来比较一下拉斐尔，拉斐尔画的圣母和圣婴。我这只说明一个，就是圣婴，应该是做一个祝福的手势，约翰是合起手来接受这个祝福。在那个卢浮宫版的这个里面，是反过来了对吧，所以这是违背惯例的一个画法。那么在伦敦版的这个里面，我们可以会看到一个，非常有意思的变化，这个手不见了，就是所有的东西都差不多，然后头上加了，仔细看的话会知道有一个光环。可是在这里，在这个圣母的手和约翰的头，中间的这个位置，本来不是有一个手吗，这个手没有了。这个到现在，还是没有人有一个权威的解释，为什么这个手被拿回去了，这个地方，出现了一个很大的空当，其他的部分都很相似。唯一不同的地方，也许是头上的光环，头上的光环，但是扛着十字架的这个圣婴，依然是一个接受祝福的人。你们看到那个头上的光环，那么这里大概也可以看到，到了达·芬奇的画面当中，你可以看到风景的透视，已经非常的真切。

在艾尔米塔什宫，在这个圣彼得堡，也有一幅达·芬奇的画，达·芬奇的一个《圣母像》，这个因为，前面有那个玻璃的反光，所以照片有点不太好拍，整个的形象是这么一个形象。这个形象里面，大概也许最值得提一提的就是，圣婴跟圣母之间的这种关系，更加成为一种所谓人间的，这个母子之间的亲情。而且带有一些世俗的味道，不再是这么拘泥，把那个圣婴搞得很严肃，脸上的表情特别特别的老成。不是完全的婴儿，完全是调调皮皮的，捣蛋的这么一个小孩儿，而且脚很不安分乱踢乱蹬。那么远处，依然是达?芬奇非常擅长的一些，就是风景的透视。

那么我们知道的，最重要的一幅画，是在米兰的一个教堂的旁边，不在教堂里面，在教堂的旁边的这个地方，就是《最后的晚餐》的这个，看的地方，那么为这幅画，达?芬奇花了非常大的功夫，而且经历了很长时间。因此当时有一个管事的，教堂里边的一个人，经常会去监视达?芬奇，觉得他是一个偷懒的人，然后达?芬奇就警告他，你要再这么干的话，我就把你画上去，画得很难看，所以这个人就不敢了。达?芬奇是一个，前面我们知道，他是一个探索的欲望，非常强烈的一个人，因此他在作这幅画的时候。他有一个实验，这个实验就是颜料跟涂料，这个湿壁画的涂料之间，它的关系是什么样的，他不知道。所以画完之后，其实有一个比较大的一个问题，就是不到两年，就开始出现很明显的裂缝。所以这幅画，据说经过很多的修复。

那么最大的一个问题是在，战争期间，战争期间有一度，曾经被作为马窖。那么再糟糕的还有，在当时的教堂里面，这个教堂后面据说是一个厨房。这个厨房，到那个餐厅之间给挖了一个门，结果挖了以后，把这副画的这一大块给挖掉了。那么有关这个壁画，就有很多很多的修复和争论，到底是修还是不修。而且整个修的过程，又非常的神秘，曾经有一家日本公司，把拍摄的修复的过程买下来。就去拍摄独家拍摄的，现在大概已经收回了这些费用，因为他把拍摄的，那些东西一点点卖出去。这是在现场，看的实际的一个情况，这是修复以后的画面，这些照片不是特别好看。这就是当年开门的地方，对于画来说它非常窄了。

那么有关这幅画，实际上是，一个《圣经》里面描绘的，一个非常重要的一个事件。就是《最后的晚餐》，那么在这个晚餐的时候，基督就说出了有人出卖了我，那么说这个话的时候，他的门徒12个门徒，做出了不同

的反应。我们教材里边，有我们一个详细的一个表，是每一个人，那么有关这幅画，它的研究，几乎成为一门独立的学问。就是这幅画的修复，关于这幅画的构图，关于这幅画的宗教涵义等等，成为一个非常重要的，一个研究的对象。那么通常，我们在看这幅画的时候，我们经常会建议大家，去做一个小小的比较，也许就会很明确的感受到，达?芬奇在这幅画里边，所做的一切，几乎是不能更改的。

大家可以看看，这是一个16世纪时候的，一个临摹，这个临摹东西似乎什么都不缺，甚至还补上了，人们挖掉的那一块。可能是在这个门做之前，有一个东西，他可以根据这个东西来复原，所有的在画面上的这些东西，也都出现了。可是特别奇怪的在于什么呢，就是当这样的一幅画，似乎是一点都没有落下，很完整的一幅画。跟一个几乎是，破旧的残破的开裂的，这幅画放在一起的时候，差一点点的话，但差得很多。就是到了这幅画里面，忽然觉得好像有一种生机，有一种活的东西被抽掉了，只是一个个摆的道具似的，就是说会差很多。北大跟别的学校只差一点点，差了好多好多，那个大师的作品也是，很多人也可以画出，这么一个画面。但是你摆在那里就觉得不对，说不上是什么原因。

那么中间的这个基督的形象，是一个最重要的形象。按照透视来说，他是整个的透视点交叉的地方，最中间的地方，而且他的背后有一个窗，延伸到很远的地方，那么当然有很多的争议，就是在这个画面里面，就是基督跟这个女人的关系，丹尼?布朗的猜测是，所谓幸运人，我说看了半天没感觉，她是有什么问题，因为你要说女性化的话，这个人物也有女性化了，对不对，所以我觉得，不是太有根据的一个猜测。那衣服是相反的，他的里面的衣服是红的，她的外面（衣服）是红的，他的外面（衣服）是蓝的，她的衣服是里面是蓝的，是不是有一种呼应，然后这边就是犹大，这个脸就是犹大，基督的脸，那么非常有意思，各位其实，我现在给大家看的片子，实在是太简陋了。

现在有一个很好很好的，就去年开始，有一个160亿像素的图像，做出来，你大概你的电脑硬盘是不够的，太小了，然后他就把它放大，放大到1600倍，就是有一个，非常非常专用的相机，对着那个《最后的晚餐》，一寸一寸的拍过去，就每一寸都给它放大，结果就发现很多很多新的秘密，就原来美术史的研究，哪怕是一辈子研究，达?芬奇这幅画的，他就站在下边看，根本就看不到上面，那些东西对吧，现在把它放大1600倍，就里边有很多好玩儿的东西，就出现了，大家可以看看，我截了几张图，截得可能不太好，比如这是这个总的那幅画，他把它拍出来了，因为像素非常大，你在电脑上看的效果，要好得多得多，然后有些局部，比如说这个地方，桌子上的物品，其实很难看清楚，现在把它放大了以后，哇这个吃的什么东西，那个全部有了，而且那个裂缝，非常非常的清晰，然后很有意思，这是犹大，攥着那个钱的钱袋子，有一点挡着的，因为袖子那个地方有点挡住的，看不大清楚，把它放大出来看得很清楚，那个手是紧紧地攥住，他的那个钱袋子，就别人给了他钱，他就出卖了人就这个人，那个谁的刀，这个人拿的刀是在这个位置，把它放大，犹大的手，那么这是钱袋子的上面，然后很有意思，犹大的衣服的这个地方，这一块就是这个手啊，手的边上这一块先给它放大，放到这个程度，

你发现什么呢，上面有金线，有金线而且是真金，就是贴上去的，就粘上那个金，金钱的崇拜者，在他衣服上面有这么一个东西，就是放大以后才能看清楚，原来的是在这个地方，几乎看不清楚，那么还有，在边上的这些人物画，现在这个拍得非常清晰，你甚至可以看到它的条纹，就是台布的条纹，能够看清这个台布上面打的结，然后每个人的脚，看得很清楚，不同的人物的表情，那么这里有一个细节，是在放大1600倍的情况下，才看得到，就是在这个远处这个地方，这个地方有一个，非常精致的教堂，你看在这，现在画面有一点点讨厌，它网络上提供的，打的那个符号，这些都不是画面上的东西，你看那些字，那这个地方有教堂，教堂还有很好的尖顶，看见没有，原先一直都不知道，那个地方还有教堂，现在网上，大家可以有兴趣可以改天看看，在这个网址，在这，这是意大利的网站，还有一个网站是这个，就是

https://www.sodocs.net/doc/0615221864.html,/culture/art/multimedia/2007/10/gallery_lastsupper

可以找到，那么大家可能（找的）图，将来比我的可能还会多，因为它不断地去更新，不断地贴上去，不断地有一些画面，小的细节一下子给它放大了，让今天的研究者拥有了，以往的研究者所没有的条件，很有意思。

那么这里大概应该是，大家耳熟能详，所以在这个卢浮宫

里面，经常会有一个标志说，你往那边走，就是《蒙娜丽莎》

在的地方。那么有关这幅画其实，其实很容易找，人最多的地

方，大家都排着队似的，涌在那个地方，就是这个《蒙娜丽莎》。

大家可能会，如果到卢浮宫去，可能会感觉到，呀怎么那么

小，而且看得很不真切。因为它的前面，是有三道防弹玻璃，

这个防弹玻璃是日本人送的，是当年60年代的时候，曾经这

幅画从卢浮宫借走，因为日本把这幅画借过去去展，那么为了

防止出意外，就做了这样的一个，防弹玻璃的玻璃罩子，等到

这（幅画），展览（后）从日本回来的时候，这个罩子也运过

来，所以从此就有这么一个，然后这幅画在卢浮宫里面，位置

是不断不断地在换，就换的新的地方是越来越大，越来越大，

因为看的这幅画，去看的人是最多的，它是卢浮宫里面的大明

星。

不过有一个情况，很多时候有些人就，特别是，到卢浮宫

去看了这个画以后，他忽然之间自己怀疑起自己，他说我现在

看到的，是世界上最有名的一幅画，可是我看了以后，怎么没

觉得，它应该是这么好的，那也不好说，其实我想有很多的

因素，你需要了解，你需要去细细地去体会，而不是说，真的

是一幅画放到你面前，真的会觉得它好，法国人都没有，所有

人都觉得它好。

我举个例子，30年代上个世纪，这幅画突然之间被偷走了，大家就懵掉了。咦这个画上哪去了，是一个意大利的油漆匠，出于所谓的爱国主义的热情，他说明明这是，意大利的画家（画的画），凭什么要放在法国呢，那就把它偷走。当然他没有偷到意大利去，他偷到自己的家里藏着，放着就要卖掉。就这么一个油漆匠，但是偷走了之后才有意思，那法国人就有一点不舍，然后就排队到卢浮宫。去干嘛呢，去看卢浮宫里面，最有名的那幅画拿掉了以后，会是什么样子，后来还好这幅画回来了，回来了以后全国欢庆，就是把所有的商品打折卖，表示庆祝。那么这幅画在法国人的手里，其实是有道理的，因为它是卖给所谓的，法国的国王弗朗索瓦一世的。他是画家愿意的，而这幅画本身蛮奇特，就是达?芬奇从来不肯，把这幅画交出去，他说这个画没画完。这是人家嘱托他画的，但是他就是不交，他不交就是没完成，最后是卖给了法国，是这么一个过程。

那么回到这幅画面，为什么会有那么多的人，对它好奇，为什么会有那么多的人，对于这幅画充满了，就是经久不衰的，一种探究的兴趣。我想这个画本身，应该放到这个语境里面，就是在，一个漫长的中世纪结束之后，我们看到的是一个普通的，一个现实的可信的，这么一个人，这是一个可信的人。同时我们还可以，有更多的角度来了解它。其实应该提到的，一个事实是什么呢，就是达?芬奇，在做人的探索的时候，他是全方位的。他比如说，解剖了很多很多人的身体，甚至解剖了人的大脑和眼睛。

但是他，有一个巨大的疑问是什么呢，就是我把所有的人的部分，都了解清楚了，可是我有一个最大的问题，是什么呢。就是在这样的身体里面，灵魂在哪里。那么灵魂在哪里，这个问题，其实不可以用解剖学来解决，因此他其实，用艺术来解答这个东西。所以他有他描绘人的形象，那么恰好吉奥孔达夫人，他的那个画中人，是一个已经有，据说是已经有身孕的人。所以大家仔细看，她的手的摆法是那个左手，左手是搁在，一个椅子的扶手上面。然后另外一个手放在这个上面，那么据说有人在研究的时候，就发现那个手，稍稍有一点点浮肿。就换句话说，是有一点点像孕妇的那种手，而且这个放的位置，好像抚着一个什么东西，保护着一个什么东西。而这个地方就是，隆起来的婴儿所在，实际上这是一个对于生命，从另外一个生命当中诞生的，这么一个连续的过程的，一种解读。

而且在这个后面，其实也有很多，非常有意思的细节。大家可以再看，先把这个片断放过去，这是大明星看的人很多。其实我有一个建议，诸位到了卢浮宫，快要离开的关门的时候，你去看好了，没有什么人，就你一个人在那里很过瘾的。这就人太多了，旁边都是世界名画，大家都不看的，对不起都不看就看那边。就是这里，我们再回到那个画面，在这幅画面里边，你可以看到有几个蛮有意思的。就是一个我刚才说的那个手指，这个手指上面，似乎有点微微肿的，就是可能是一个孕妇。那么曾经有一个英国的，唯美主义的一个批评家，叫Walter Pater，Walter Pater，曾经说了一句（话）非常有名，就是在蒙娜丽莎的身上，有一种非常神秘的东西，她的笑容，是她在脸上慢慢地浮现出来，隐隐约约似地浮现出来。她不是笑得那么夸张，她是微笑微笑，而且充满了神秘感。而且他说，她的生命的迹象从画面当中的，每一根毛发上面都透露出来。就是画家在画的时候，人物的头发，这些部分画得非常非常的纤细，非常的逼真非常的逼真。那么我们可以看到，在这个画面里面，一会儿我们大家，可以做一个比较。

或者看看，你会发现少了一个东西，是什么，就是整个的脸上面，似乎这个眉毛的部分是没有的，那么这个现在，到现在为止也是有一点争议，就是说有些人说，没有眉毛是，当时意大利妇女的一种时尚，好像也有这个例子跟证明，可是也有当时的，一些所谓的画像里面，包括拉斐尔所画的画像里面，是有眉毛的，到底这个眉毛，是因为什么而没有，那么其中另外一个说法就是说，曾经做过一次清洗，把她的眉毛给擦掉了，但是这个没有确证，因为现在防弹玻璃弄在那里，已经没法做了。

但是有一点你可以肯定，这个画面里边，那个地平线是有高低的，右边的这个明显是高，左边的是明显是低，但是虽然这个地平线，是有高低的，后边的这个两个画面，分开的不同地平线的，那个画面里面充满了，同样充满了像《岩间圣母》，这幅画里面一样的，一些奇异的一些风景，这个据说是，现在有人考证，是达?芬奇出生的那个地方，叫芬奇村，芬奇村附近有这样的风景。换句话说是，家乡的一个风景，把它移植到这个上面，甚至这个桥，上面这里边还有个桥，很小的桥，一会儿我给它放大，你可以看到，那个桥现在还在。

那么为什么会有这样的高低，完全不在于能力的问题，就是达·芬奇，要把这地平线处理成一样的话，应该是轻而易举。那么现在有一个大胆的猜测，说达·芬奇在画，上面的这个风景的时候，他是有意做到了一高一低。为什么呢，因为如果说你要把这个地平线，调整过来的话，最佳的位置，可能看的位置，是偏左边的一个位置，就是你到偏左边，有一点点往上看的时候，这个地平线才会变成，一个正常地平线的一个状态，那么这个当然有人猜测了。这个猜测现在，哈佛大学有一个教授，专门研究脑生理，这方面的一个专家，他做了一个研究，他认为这个点其实是提示你。是看这个画面的，所谓的神秘的微笑的，最佳的地方，一会我再给大家演示。

大家仔细看，这边不有座桥吗。有一座桥，你们看看在这，后面的风景也是。从透视来讲是，非常非常真实的一个，由近到远的这么一个画面。然后这边也还出现一个，这样的蜿蜒的一个小路，这个画面放大了以后，会看得很清楚。但是我想，这里请大家看那个，眼睛的那个晶体，这个嘴唇的部分，是笑的时候才会有的，那个嘴唇的样子。后面可能放大你会看到，这个背景上的东西，有人甚至认为，这个有点像中国的山水画。手的部分仔

细看，这个地方有一个靠手。这个手放在这个上面，然后这个手再搭在这个上面。

《VISION AND ART》正视斜视更斜视观看角度那么这就是，哈佛的那个教授Livingstone，他写过一本书，叫《VISION AND ART》。它的封面，就是蒙娜丽莎的一个局部。他做了一个分析是什么呢，就是当我们的视觉，站在这画面正中间的时候，我们所看到的蒙娜丽莎，叫central vision。大概是这么一个样子，但是如果你在看的时候，用一种所谓的那个余光，就是不是正视的。而是余光看过去的话，这个时候，整个的画面就变的是这样子。如果再偏一点的话，就完全变成一个笑成盈盈的，一个面貌。所以各位可以到卢浮宫的时候，可以去试一试，你不要正视，正视看了以后，你还得用余光去看，我去试过几次，效果蛮明显的。那么这个也是，一个似乎是一个解释，就是为什么，在那个画面的这个地方，明显的地平线是这样的高低。那么似乎在提示，你应该从这个角度看上去，把这个地平线给调整过来，而那边一个角度斜视的话。就我们现在看到的，这个哈佛大学教授的一个提示，说你应该是这么看，用你的所谓的余光来看，而不要用这个central vision。所以各位大家去看一看，这是一个思路。

就是达·芬奇，也许是在做一个实验，不过我们蛮惊讶的是什么呢，就是达·芬奇在作画的时候，他不可以这么画对不对，他一定是这么画，他又怎么能够知道，这样的效果，实际上这么看才是最好的，奇怪了，那个

尺度是怎么拿捏的，一定是非常非常高超的人，才可以做到这一点。

那么还有一个例子，也许可能可以提供一些线索。就是对达·芬奇非常崇拜的，

有一个人叫拉斐尔，那个拉斐尔对达·芬奇的崇拜。是他去经常去，有机会他去临

摹他的画，那么这幅画，跟前面我们所看到的，《蒙娜丽莎》非常接近，那么手的位

置，衣服头发等等，但是唯一的区别，最最大的区别两个，一个是后面的背景，变

成了建筑物，这是不一样的，但是在画面的这个部分，大家看到没有，她是有眉毛的，

这个提示了我们一个，蛮有意思的一个情况就是，蒙娜丽莎如果有眉毛的话，将是一

个怎样的蒙娜丽莎，也有人说，你看现在经常会说美眉，这就是说是美丽的眉毛，

所以眉毛是很重要的。

有眉毛的蒙娜丽莎《Stealing the Mona Lisa》《蒙娜丽莎》在美国

那么最近还有一个例子，就是在保加利亚的，一个图书馆举办的，关于达?芬奇的那个抄写本。大概是16世纪的一个版本，当时的一个版本。这个版本里面，有那个《蒙娜丽莎》这个插图，而插图上面是有眉毛的。那么这个是在卢浮宫，这幅画被偷走了之后，很多人还会去看怎么回事。所以专门有人写了一本书叫做，《Stealing the Mona Lisa》。

那么这个照片也很有意思，1962年的时候，法国跟美国的关系交恶。就法国人自作主张做一些事情，美国人就很讨厌，又管不住他，然后就两家就闹翻了。闹翻了之后，法国的当时文化部部长，安德烈·马尔罗是个作家，他就去美国访问去。在访问美国的时候从第一夫人，肯尼迪夫人那知道，她对《蒙娜丽莎》着迷得很，就表

达了一个心愿，如果卢浮宫的这幅画，能够到美国来展览等等等等。然后心领神会的马尔罗，就是带着这个口信，给当时的法国总统。说怎么样，我们要不要，派《蒙娜丽莎》去一趟，消息传出去以后舆论哗然，卢浮宫的人据说以集体辞职的，口吻来抗议。说太离谱了，怎么可以派一个，将近500岁的一个老太太，去当外交官。万一比如说，有闪失的话怎么办。但是最后这个抗议无效，还是把她派走了，用了一架专机，用了专门的，一个合金做了一个箱子，把它运到了那个大西洋的对面。然后肯尼迪总统亲自到，这个展览的开幕式来剪彩，然后在剪彩的当天，你可以看到，这幅画挂在那个地方，陆军海军陆战队的士兵，荷枪实弹的站那里。出了一点小小的事故，就卢浮宫跟过去的一个工作人员，他发现那天晚上的开幕式，盛况空前太多的人。所以他担心这个湿度和温度，可能会影响这幅画。所以他就去看这个画，角落那个地方摆的一个仪器，他就没注意旁边是人家站岗的，人家也没搞清楚，这个人是干嘛的，然后他就一探头去看的时候，那旁边两个当兵的，就把刺刀捅过去了。就阻止他过来，结果后面有一个美国的特工，把卢浮宫的那个工作人员，一把给抱住。但是衣服已经被割破了，这是当时的，这么一个照片留下来了。

但是这个画面上的，这个外交大使500多岁，很厉害。就卢浮宫的这张画去一下，到华盛顿纽约，两个城市展一下，后来美国跟法国的，所有的前面的那些纠纷，都不存在了好好谈吧。就是因为法国人太慷慨了，把一幅最重要的画借到了美国，而美国人认为，我们已经展过一幅，世界上最有名的画，是西方文化的一个icon，就是一个符号性的一个东西，所以这是当年的一段佳话。

那么现在蒙娜丽莎的形象，无所不在。这是在，我有一年去日本的大剧院，东京的大剧院。走出门一看，哇这个好像冰激淋店，有没有懂日语的同学，看看那家店是吃什么的，我感觉好像是吃冰激淋似的。然后那个《达·芬奇的密码》，这电影就不要说了，不过我对电影有点失望，就那个汤姆·汉克斯，演得好像差了一点。然后很多很多的复制品，仿佛到处都是那个他的书，卢浮宫里面一排排的那个地方。然后这是在巴黎的，一个艺术之桥。

这些跑车的广告，你会发现你稍微给她一点点，现代化的味道，蒙娜丽莎真的蛮疯狂。各位有兴趣的可以看

看，叫Mega Monalisa，大蒙娜丽莎。然后蒙娜丽莎，就变成了万般风

情，她的形象是非常多。这是一个非常著名的一个，西红柿的品牌。然

后这是乌克兰的一个大油轮，叫“蒙娜丽莎号”，蒙娜丽莎形象赫然在

这个上面。

那个Google，有一天在达·芬奇诞辰那一天，做得蛮有创意的，达·芬

奇设计的飞行器，达·芬奇的那张《人体比例图》，达·芬奇的《蒙娜

丽莎》。

那么达·芬奇绘画有很多很多，其中有一幅画，曾经让那个精神分析的大师，佛洛伊德无比地着迷。他就在那就分析了半天，就是达·芬奇的童年，一定是有恋母情节，因为他认为，他是有一个自己的真实母亲，后来又跟继母生活在一起，他的一生当中有两个女性，对他很重要，所以他同时得到了两个母亲。然后在宗教的绘画里面，这是表现的是圣母和圣婴，然后后面是圣母的母亲。然后弗洛伊德，就在那提出一个巨大的问题，说为什么在这幅画里面，一个是母亲一个是外婆。这是婴儿母亲，然后这是外婆，然后这两位女性，似乎年龄上几乎没有差别，同样的年轻同样的美丽。然后他说这个不是达·芬奇，画不好一个，比较年纪大的一个女性，而是说他要同时得到，两个母亲。这样的一种恋母情节，在这幅画上面表现。背景依然是奇异的风景，这永远是《蒙娜丽莎》，或者这个达·芬奇，非常喜欢的一个风景。

那么让我非常感兴趣的，其实我个人觉得是什么呢，就是那些，这样的绘画其实蛮难画的，就一个大人，坐在另外一个大人的膝盖上面。说这个是很别扭的动作，可是你为什么就看到，达·芬奇画的这幅画的时候，你一点都没觉得，好像不对头，好的画家就有这个水平。你看其实是，她是膝盖上面，坐着她自己的女儿，然后两个人，同时深情地注视着婴儿，这么一个构图。

那么我刚才提到的那个，很大的那个素描，一米四十一这个高度，非常非常大的一个素描，现在是在英国的国家美术馆，这个素描很大，大家可以看到有一个变化，就是本来的这个构图，是这样的构图，现在变成这样了，就是去掉了一个人物，就纯粹的三角关系，就变得更加明显了，所以那个弗洛伊德，就对这个大作文章，你看他原来不是这么画，现在画成这个样子，肯定是有用意的，怎么怎么样。那么有很多人，做所谓的比例上的分析，这些就是示意图。

那么他的最后的去世，据说是在法国国王，弗朗索瓦的怀抱里死去的。那么法国国王，给了他最高的礼遇，所以他把《蒙娜丽莎》这幅画，卖给了弗朗索瓦。

米开朗琪罗

那么文艺复兴时期的，第二位非常重要的人物，是米开朗琪罗。米开朗琪罗，

说过一句蛮有意思的话，他说他的雕塑是很坚固的，如果从山上滚到山下的话，

大概都不会损坏。就鼻子那个地方磕破一点点，其他都没问题，大概有一点点说

过头了。一语成谶，就有人跟他打架，把他的鼻子给打歪了。后来还有一件事情，

他做的成名之作，23岁24岁之间，做的《pieta》，《圣母哀悼基督》这个东西，

有个人脑子不太正常，想一夜之间成拜伦，就冲上去敲，怎么也敲不掉，忽然想起，米开朗琪罗说的一句话，我的雕塑从山上滚下来，会坏的只是鼻子，他就拿榔头，去敲那个圣母的鼻子，真的给敲坏了，所以有时候不能随便讲啊，

那么同样，米开朗琪罗也是一个天才。他在十几岁的时候，教他的老

师，不是老师教他是他教老师。说应该怎么画怎么画，是个很有天才的

人，那么米开朗琪罗，其实很多人不太了解。像那个对《蒙娜丽莎》的作

者，达·芬奇那么了解。其实他有多方面的才华，他写非常非常抒情的诗

歌，他会做建筑师，他会做裁缝。这个裁缝的裁剪的，这个东西非常古怪。

各位如果去梵蒂冈的话，梵蒂冈卫兵是好像从瑞典，还是瑞士选过来的。

是穿着，瑞士对，穿的衣服都是条状的，一条一共大概是要有130多条。

那个裁缝师就不知道，这个衣服该怎么裁，先是勉强的给他们做出来。但是当年米开朗琪罗设计的，这个图已经不见了。

酒神《pieta》（圣母哀悼基督）

当然最伟大的成就，是他的雕塑方面的成就。那么在雕塑方面的成就，我们可以看他的早年，其实在很小的年纪的时候，他做的这些雕塑，表现的人体的雕塑。当然让那个米开朗琪罗后来，声誉鹊起的不是这个雕塑，虽然已经有很高的才华，这是他表现的酒神的雕塑。

当然最有才华的是这一件，就是《pieta》。那么通常我们会知道，就是一个下十字架的基督。是一个成年的男子，而一个成年的男子，把他放在一个女性的膝盖上面，其实是比较难处理的。但是米开朗琪罗，做了一个非常巧妙的改变，就是把圣母的衣服上的下摆，给它放大，做了一个很大的支座似的。然后让基督的身体，变得软绵绵的没有力量，有很多弯曲的地方。比如说这个弯曲，身体的这个部分的弯曲，那么这样的话呢，就缩短了他的长度，因此在比例上，显得不是那么不自然。另外在年龄上来说，这个时候的圣母，不应该是这么年轻的圣母，但他把她变成了一个，美丽的圣母，同时也是一个年轻的圣母。当时这个作品做出来的时候，轰动是很多人去看。就是从来没有一个人，把圣母哀悼基督，这样的一个传统题材，做到如此动人的地步。而且所有的比例关系，处理得那么好。

但是让米开朗琪罗，特别气馁的是什么呢，就是大家在看这个作品的时候，看这座作品的时候，谈论的却不是他的名字，是别人的名字。他说这是大概是什么什么地方，谁谁谁做的。年少气盛的米开朗琪罗，听了以后很不爽，然后他晚上就拿起那个工具，跑到那个雕像上面，在那个圣母的这个位置上面，这本来是个sash。那个地方他就写上，来自什么什么地方的，米开朗琪罗。把自己的签名，就留在这个不太合适的位置上，而且这个也是，米开朗琪罗雕塑里边，大概是唯一的留有他的签名的，这么一个作品。

那么同样的道理，我们来看《pieta》，以前是怎么表现的。以前是怎么表现的，这个人体这个大小的比例，男性和女性的这个人的体魄，不太一样。这个人太大了都要掉下来了。这个是比较近（期）的，就是21世纪的人，一个专业的雕塑系的教授做的。我不能说他的名字，要不然他肯定跟我急，他做的你看也是一个，不太自然的一个组合。

贝利尼作品19世纪的法国画家作品甚至绘画里面，绘画里面都觉得很难把握，绘画比雕塑要做得自由一点。但是也觉得，这是大画家不是小画家。贝利尼是文艺复兴时期，非常厉害的一个画家，他画一个这样的题材，那觉得（比例）摆不好。你看看这是19世纪的，19世纪的法国画家，在画的这个时候，他也觉得很难把握。

那么现在我们看到的这个，米开朗琪罗的这个《pieta》，确实是到了一种，非常出神入化的一个地步。那么

我们这里会看到，就是前面的一块防弹玻璃，是

因为就是有一个，脑子有点不太正常的人上去，

照着那个头去砸，砸不掉然后就敲那个鼻子，把

那个鼻子真给敲掉了。然后现在就把它隔起来，

隔起来以后，拍照就显得很困难了，玻璃有反光。

那么我们推算一下，耶稣在《圣经》里面的记

录。他受难的年龄大概是三十多岁，那么这个时

候按理说，《圣经》里面的圣母，应该是五十岁

上下。可是她现在是一个少女的形象，所以这个

有改造的成分，有艺术家自己的，表达上的那些

独特的处理。

大家可以看，这个地方你可以看到，Michelangelo，来自什么什么地方的，米开朗琪罗，就写在这里，这是有人示意，做的一个这么一个示意，他是这个地方来的，佛罗伦萨来的，这是他的全名，Michelangelo Buonarroti。

这里我想提到一位，蛮有意思的一位人物，叫Robert Hupka。那么这位

摄影师非常特别，他曾经在无意当中，比如说专门去拍一个指挥家，就是指

挥排练情景。然后就出了一本，这个指挥家的摄影集，成为最好的一个摄影

集。最能全面地看出，这个指挥家的指挥风采的，就是他后面其他的跟着他

拍的，都比不过他。那么这位他很有意思，他是在这个《pieta》，被借到美

国去展的时候，他一共拍了5000张照片。然后自己就建了一个网站，叫

https://www.sodocs.net/doc/0615221864.html,。各位有兴趣的话你会看到，整个的这个全方位，是俯视地拍侧面地拍，正面地拍仰拍等等，一共有5000幅照片。成为大概现在到目前为止，拍米开朗琪罗的这一件雕塑，拍得最全，可以说最具有经典意义。因为平时你要去拍，你现在说我要拍6000张，对不起没有人给你拍，没法给你拍。可是他是在一个，非常特殊的情况下，找到一个机会去拍。然后1964年的时候，在纽约的世界博览会上，《pieta》被借过去，那么被借过去以后，他就利用这个机会，展出的机会就开始拍。他拍得非常非常详尽，让我们看到，在一般的画面上看不到的。

比如说在基督的那个脚上面，是有圣痕在这，然后它的那个细绳上的签名，然后这手上的圣痕的点，这个从头上拍下来的，这个俯视的角度拍下来的，圣母的脸，这是整个雕塑，整个雕塑从顶上拍下来，会让我们很讶地看到，原来是这么一个结构，所以这个角度大概是，也是第一次记录下来，因为从来没有人有机会这么拍，因为正好在举行那个，World<单引号>s Fair的这个地方，有一个就是转播电影拍摄的，有这么一个设备，然后这个老头就在这个上面，用这个设备各个角度来拍，拍了5000张照片，各位有兴趣的话，可以在网站上看到，有些角度从来没有人拍过，这是从基督的那个头后面，这个角度拍过去的，从来没有提供过这样的照片，那么这个就是，当年被破坏了以后的，那个鼻子的那部分，现在是把它修回去了。

那么米开朗琪罗，还有一件非常重要的作品，是放在那个美术学院的美术馆，就是《大卫》像需要排队，那么这就是这个作品，这件作品，是一个非常难得的一个材料，就是因为我们知道，其实要做这样的一件雕塑的话，整个的大理石，高度要在六到七米，然后整个的一个方块的话，从山上开采下来运到下面，本身就是一个非常艰难的事情，那么这块石头有很多人看到，其中有两个人，看到这块石头的时候，非常地动心想做，可是后来发现，在这个石头上面虽然很大，但是有一个致命的瑕疵，就在这个上面有一条裂缝，那么所有的人看到裂缝，就望而却步，为什么呢容易做坏，所以这块石头就搁置了很多年，估计搁置了二十多年，然后让米开朗琪罗发现了，米开朗琪罗就做，而且米开朗琪罗很聪明地，回避了这个裂缝，所以让他大腿分开的地方，就作为裂缝取的位置，然后把那个裂缝去掉，就变成一个，人体的这个分叉的这个部分，但是现在有人做了一个实验，就是把这块石头取下来，然后把它打造成一个雕塑，然后雕塑做完了以后，这个雕塑不是放在，现在这个位置，是放在一个广场，然后把它运到那个广场，用以前所能有的，那个运输的工具，发现这件事情做下来以后，累得不行，而且做得还不好，那个复制品远远不到这个水平，所以这件作品，实际上是米开朗琪罗一个，无法超越的一个作品，而且他的个人的才华，个人的那种个性的抒发，其实有很多的例子，譬如说这个，我们在《圣经》里面，所看到的这个大卫，其实是一个14岁的小孩，他很小一个14岁的小孩，不会长得这么高吧，那么等于说，米开朗琪罗把他想象成了一个，成年的一个健美的男子，当然现在放在，美术馆的这个画廊里边，感觉好像是一个人体美的欣赏，其实它意义不仅仅在于此，因为当它放在一个广场，而且市政厅前面的时候，它会有另外一种涵义，就是一个共和国的成员，他应该以他自己的，身体青春力量，为这个共和国服务，应该尽到所谓公民的美德，这是文艺复兴时期里边，才会有的概念，而这个概念，多多少少会让人忘记，其实这个人物是一个宗教人物，是他用智慧，击败一个巨人歌利亚，这样的一个故事，而可能忘记掉了，以为是一个人体的雕塑，那么这样的一个雕塑，其实也会让人非常自然地想到，在古希腊罗马时代的那些雕塑，就把人的形象做到一个，非常自如蓬松优美的程度，那么这个这么高的雕像，就没法破坏它了，还是被破坏，这鼻子是敲不到了，就敲他哪里

敲他那里，敲他的脚趾头最痛的地方，敲下了大概半个鸡蛋那么大，这么一敲以后，前面就加了防护栏，那么人物你仔细看，是一个非常复杂的构成，头是侧转的一个手是举起来，一个手是自然地下垂，一个腿是微微地抬起来，然后肩膀是一高一低的，是一个非常复杂的，那么曾经有人，专门做医学的解剖学的，就分析这个雕像上的，每一块肌肉，发现每一块肌肉的位置，都是对的，就是换句话说，米开朗琪罗对人体的把握，已经到了无懈可击的地步，他同样也是跟达芬奇差不多，解剖过人体，那么有意思的是，虽然这个整个的表现的东西，确实跟《圣经》有关系，他是拿那个飞石器，击败这个巨人歌利亚，那么在这个位置上，我们看到一个巨大无比的手，那么很多人都愿意认为，这个手不是大卫的手，而是米开朗琪罗自己的手，特别大的手，那么现在据说，就这件东西已经是被动过一次，就是原先它应该是放在广场，现在又把它放到这个，美术学院的这个展览馆里面，然后现在是什么呢，就意大利政府很有意思，前一段时间就有一个争论，就是说因为到佛罗伦萨去，大家都会到这个地方去参观，因此引起了这个地方的，交通拥堵，所以现在说，应该把米开朗琪罗请走，请到哪里去，请到一个郊区的音乐中心，就是出这个佛罗伦萨，外面城外，然后这样的一个提议让大概，本来对佛罗伦萨非常骄傲的，拥有了米开朗琪罗，最伟大作品之一的，佛罗伦萨市民来说，觉得不可思议，它已经搬过一次家，搬到这个地方以后，所有的这个设备，包括这个保卫的设备，包括这个，控制湿度和温度的设备，包括很多相关的这个设施，全部是为这个雕像而设计的，包括这个展览的地方，都是专门选定的，那么现在要搬到，另外一个新的地方，意味着就是说它再次要离开，人们熟悉的这么一个展览环境，不知道现在最后的结论是什么，现在的一个争议就是说要把它，搬到一个偏远的地方去，那么其实，我们可以看到一个什么现象呢，就是对于伟大的艺术作品，像米开朗琪罗这样的一个作品，任何的一些变动，大概都会引起轩然的大波，如果是以一个，很普通的作品的话，也许就没有这样的效果，但是米开朗琪罗这样一件作品，太重要，所以任何它的改动，都会引起全意大利，甚至全世界的共同的反响，那么曾经有一度，米开朗琪罗的这样的一个雕像，有人就提议应该给它做清洗，因为它有好几百年没洗澡，应该洗澡了，那么洗澡的时候用什么材料，到底是有害于，雕像的大理石的石质，还是将来没有任何的影响，有很大的争议，最后还是洗了，那么大家可以看看，在大理石开采的地方，如果要做米开朗琪罗的，这个雕塑的话，大概是个什么概念呢，起码是像这样，一般是一个高度吧，它是应该是两个高度，再加一点点才可以做，所以在开采的时候，要得到这么大的一块石头，其实是一件非常非常难的事情，而且在当时的条件下，把它从山上把它搬下来，而不碎不裂，也是一个很困难的事情，那么当然把它再做出来，这个做出来，那么现在的做雕塑的人，其实有感觉的，如果你做这个雕塑的话，很容易是立不住的，为什么呢，在最薄的地方是腰的部分，腰的地方是很薄的，这么大的一个体量，大概加起来将近五米，加上底座的话是五米多，这样的一个高度一个雕像，很难处理的话，这个地方就会断裂，其实是很难的，那么原来的位置应该是在，广场的这个位置，后面是市政厅，这个实际上就意味着公民这种，（与）政府之间的关系，当然这个是个复制品，现在的原作是放在，这个刚才看到的展厅里面，不过我这边想提到一个，蛮有趣的一件事情，就是2006年的时候，中国跟意大利是文化年，然后意大利，就送给中国的一个城市—宁波，有一个青铜的《大卫》像，然后宁波人就举行全民公决，说这个东西应该放在哪里，很当回事，后来把它放在江边的，一个大剧院的广场前面，我去看了一下，我觉得那个地方，还是稍微小了一点应该更大，因为那个雕像太高了，然后宁波这个市政府要回礼，就送他们两个石雕，一个是文官一个是武官，现在蛮尴尬的，各位可以去搜索一下，意大利又觉得这两个东西，放哪里好，他们有点点不太喜欢，怎么放也不行，市中心也不行郊区也不行，然后很尴尬，人家是把你《大卫》的像，放在一个很重要的位置，可是中国的礼物你又不喜欢，又不知道放哪里去好，我现在不知道他们怎么解决，很尴尬的又有很多的报道，那么这就是曾经一度，发生过很大争议的，就是给这座雕像做一次清洗，那么清洗的主要理由，觉得据说是这个耳朵，说这个耳朵有点脏了，可是反对的人说，有谁会站在这么高的雕像前面，能够看得清楚，它的耳朵到底脏还是没有脏，确实是看不见的，但是还是有人清洗，这是在清洗时候照的，在那清洗，那个我另外又说，就是他的鼻子是太高了敲不到，然后他的脚，脚趾头这个地方被敲下来，大概是半个鸡蛋那么大的，一块石头，这是在佛罗伦萨的，那个米开朗琪罗广场，把不同的作品给它放在一起，《大卫》的雕像变成了青铜，然后还有一些美第奇家族的，那个（墓园）上的那个形象，那么我刚才说的这个雕像，同样大小的雕像送给了中国，在中意文化年的时候，就这个，这当时赠送时候的情景，这是揭幕揭幕以后，后面是大剧院，再前面是一条江，这是2006年的时候，给的一个东西，现在麻烦就是，宁波给了两个文官和武官，人家不知道该放到哪里去，不喜欢，前面就是江，当然我去看了以后，（感觉）这个位置，就是小了一点，另外这个东西是画蛇添足，做得很差，这个因为咱中国人，平常喜欢用的讲台似的，放雕塑不太合适，那么米开朗琪罗，做了很多的东西，非常的经典，他的坟墓前的那个雕塑，每一件大概都是杰作，尤其是中间这部分，《摩西》的造像，

那么在这里，我们想提到的是什么呢，就是他给这个教皇，做这个墓的时候，它是个整体的工程，而整个的工程中间有变更，所以让米开朗琪罗，心里觉得非常不舒服，但他一旦接手的话，他所做的东西，留下来的依然是，非常非常伟大的作品，这是一个所谓的先知，是个先知，那么这个先知（的）形象，让那个弗洛伊德非常地有共鸣，因为弗洛伊德认为，自己就是当代的摩西，他知道人类社会，最重要的东西是什么，文明当中最重要的东西是什么，然后大家都不理解他，所以他觉得，他的情形跟摩西有点相像，当然还有人研究认为，说《摩西》的像，实在是太像米开朗琪罗了，他的面相实在是，有点像米开朗琪罗的形象的，一个移植，当然这个是一个猜测而已，但是我们感兴趣的是什么呢，就摩西在发现，人们对偶像崇拜的时候，他当时那种反应，震惊愤怒，这个反应在这个地方，表现得非常的（到位），这里面有一个细节，也许可以提一提，就是摩西头上是长角的，你看到没有，那么据说这个是，不是艺术家的错误，也不是别人的错误，是当时翻译《圣经》的时候，把它翻译错了，翻译错的结果，好像感觉这个头发上，应该长这么两个东西，这是外语系没读好的原因，那么他的形象里面，我们可以看到，他在拿的那个石板，“十诫”的石板，他的另外一个手指，在拨弄自己的长长的胡须，脸上有非常震惊的表情，发现人们在崇拜偶像，那么米开朗琪罗，还有一件作品非常有意思，就是叫《垂死挣扎的奴隶》，很多人其实看不懂，说就没有感觉，这是一个在死亡之前，在拼命挣扎的一个人，为什么他的脸上那么安祥，好像没有任何的痛苦，你看这哪是垂死挣扎，这好像是很享受的感觉，大家可能不理解，其实我想不理解在于，你对米开朗琪罗不了解，因为米开朗琪罗其实不是说，真的去要表现一个，是垂死挣扎的，在濒临死亡的时候的，人的一个实际的状态，其实他在想探索什么呢，就是一个人，当他是具有生命的时候，他应该是身躯，和灵魂的合二为一，当死亡降临到他的头上的时候，他的灵魂就要跟他的肉体分离

，他探索的其实是这样的一个，所谓灵魂跟肉体，即将分离时候的，一个特殊的瞬间，所以你会看到，似乎是灵魂出窍，这个时候的那种感（觉），所以你不要说垂死挣扎，真的以为是一个人死了，我就不想死拼命挣扎，其实也做不到，你要死的时候还是要死，但是米开朗琪罗，重点不在于垂死挣扎，死亡之前的那个挣扎，他其实在探索人的灵魂，和人的身体之间的关系，而这种关系的探究，同样是文艺复兴时候的艺术家，才会关心的一个重大的问题，这里我给大家看个稍微怪异的，所以这是有人，把米开朗琪罗那个，《垂死挣扎的奴隶》，把它放到一个建筑物的上面去，那么这个建筑物，各位（一定）猜不到，这个楼是干嘛用的，那是巴黎的一个警察局，位置在哪里呢，位置在法国有一个，那个巴黎有一个里昂火车站，里昂火车站旁边那条街，很主要的一条街，街上就能看到这个，这是1990年的时候做的，那个大街叫做，Daumesnil avenue，这个建筑师是一个犹太人，但其实有一点不一样，就是它是这边还有一个，敞开的口，那米开朗琪罗在建筑方面，有很高的成就，其实他在绘画上面，其实也有非常高的造诣，当然他在绘画上面的造诣，跟他那个雕塑有关系，就他的绘画，充满了强烈的雕塑感，就他的绘画，甚至是可以做成雕塑的，你把绘画里面的形象，给它搬出来，就可以成为一个，非常成功的雕塑，就换句话说，画面的雕塑感特别的强，不过也是一个大师的手笔，大家可以看其实一个人，要做这么一个姿态的话，会非常别扭，你接小孩是这么去接，接那个婴儿很难，但是在米开朗琪罗的这个处理，从他的那个，《圣母哀悼基督》开始，他对形体的处理出人意料，非常特别的处理，但是效果是，虽然你仔细看会很别扭，不应该会在现实当中会有人，真的是做这么一个Pose，但是实际上你会感觉到，整体的效果来说，看不出任何的破绽，那个圣婴还有约瑟夫，还有这个圣母，那么大家看到的这个房子，是梵蒂冈的一个小礼拜堂，外表看一点没什么，可是里面有特别重要的杰作，就是米开朗琪罗贡献的一个，现在是西斯廷的，礼拜堂的“天顶画”，这是在外面，几乎成为一个艺术朝圣的地方，那个进去以后有一种幻觉，就是特别眩目的幻觉，就是你真的不能相信，在那么普通的一个房子里面，从这么普通的一个外观，看到的或者进去以后，打开的是这么一个艺术的宫殿，而且是一个人完成的，“天顶画”，还有一个《最后的审判》，那么各位知道，其实画这幅画的时候，不是说弄一张画布，画完了以后贴上去，再画一张贴上去，不是的，它是所谓的Fresco，就是那个湿壁画，底涂上一层特殊的灰泥，这个灰泥还没干的时候，他就在那画，要等那个（灰泥）没有干之前，要把画做完，然后再一块块做，有两个英国的艺术家，就模仿这个条件，模拟这个条件，在一个比这个地方小一点的，一个新的教堂里面去画，画到最后全部住院，为什么呢，那脖子几乎坏掉了，那米开朗琪罗是一个人在那画，他的结果是什么呢，他不是特别喜欢写诗吗，喜欢读诗也喜欢给人通信，每当接到一封信的时候，就出现一个奇观，有个头就是这么看信的人，在那到处乱晃，他的脖子低不下来，很艰难的一个工程，是一个人来做的，当然他也有烦恼的时候，为什么呢，当那个教皇来看的时候，他很烦教皇他是大牌，他有时候会把教皇给赶走，你别管我出去，然后他要不干了，说我要回家看看，那教皇说这怎么可以，东西还没完成，那你找别人画好了，教皇又没办法了，所以拿他一点办法都没有，因为唯此一人，仅有他这个人，能够完成一个巨作，把《圣经》变成了一

个，辉煌的画卷，那么如果有兴趣的同学，可以仔细地去一块块地去研究，每一块的内容其实是不一样的，不同的颜色，是不同的内容，我们来看其中的，这是《最后的审判》，那么大概的整个的画面，是这么一个画面，主要就是这个关于《圣经》，《创世记》这一部分的内容，那么通常是有这么几块，这个是关于这个耶稣的祖先，这些颜色，这一块的颜色，浅蓝色的这块颜色，是诺亚的故事，那么这个是，就是创造亚当和夏娃，以及亚当和夏娃，在一点点地堕落，这个中间一块最重要的部分，通常这3块是最重要的，然后这是，这块是上帝在7天里边，创造世界（那部分），后面的这些颜色，就是这些颜色，都是所谓的先知，先知的形象，那么即使是，就是我们最耳熟能详的形象，就上帝《创造亚当》，其实很多人认为，在这个形象里边，依然有很多米开朗琪罗，自己的东西，举个例子，米开朗琪罗把上帝的，旁边的这些人物画得很集中，那么谁也搞不清楚，那个上帝的胳肢窝，底下那个女性是谁，搞不清楚，就在这个位置，那么这些人如果说是天使，这些是天使这些是天使，那么她是谁搞不清楚，那么在《最后的审判》里面，我们会看到非常有意思的情景，就是在做最后审判的时候，我们知道通常会有上帝，天使把人引到这个天堂，和那些把这些歹人打到地狱，那么据说这个米开朗琪罗，把自己最不要看的一个人，就画成一个地狱里边，长着驴耳朵的人，来充分地抒发自己对现实当中，这个歹人的不满，然后他把自己也画（进去），画到哪里了画到这个地方，会被剥皮，然后会获得新生的那种感觉，你看看，我给大家看个细节，这是在天上有个天使，那个是十字架伸到天堂去，这是基督曾经被鞭笞的，那个柱子，那么这是基督的形象，旁边是圣母，大家可以看到这个地方，（圣）巴塞罗缪，拿了一把刀割驴皮，这个上面的驴，是米开朗琪罗自己的脸，那么这个是所谓的，那个虔诚的凯瑟琳，这凯瑟琳是怎么回事呢，就是非常锋利的这个车轮，从她的身上滚过一点儿没事，她没事这轮子断掉了，表示虔诚的力量，就这个意思，在地狱，这已经是，被怪物咬到那个腿伤了，大家可以注意到，其实原来这个画全部是裸体，然后你会发现一个，人的私处，就会有一些模糊的处理，这是后来人加的，后来那个画家，谁也记不住他的名字，但是给他一个绰号，叫“裤衩画家”，把米开朗琪罗那些画都改过了，那么这也是非常，让人惊讶的一个画面，就这么大的一个画面，里面出现的人物全是裸体的，这是长着驴耳朵的人，这是在冥河上面摆渡的人，把他们带到那个地狱，就长得是很怪，怪物的那样，很愚蠢的标志驴耳朵，那这是那个米开朗琪罗，最不要看的一个人米诺斯王，然后把他画成，他知道的现实当中这个，被巨莽缠身长着驴耳朵，在地狱里边鬼混，米开朗琪罗的墓他的墓，在佛罗伦萨。

拉斐尔

那么第三位是拉斐尔，拉斐尔非常可惜，就是他仅仅只有38岁，有些人说是37岁，如果假以天年，他应该是会有更多的创造，但是仅仅37年或者38年的，这个短短的生命里面，他已经奉献了无与伦比的艺术，我们来看一下，这是他的《自画像》，这个《自画像》很重要，大家要记住，它后面还会出现，他曾经画过一幅，特别有意思的画，就是《圣母玛利亚的订婚》，如果我们知道乔托画的画里面，我们会知道，他们有一个非常特别的祈祷，祈祷的时候会出现一个奇迹，其中某一个人放的那个木棒，会开出一朵玫瑰花，那么这也是这个故事的延续，就是约瑟夫的这个，拿的那个木棒上面开了一朵，盛开的玫瑰花，他就得到了玛利亚，他就把戒指戴到玛利亚的手上，后边是她的同伴，玛利亚的同伴，这些是同时来求婚的人，比较郁闷，你看这些人的脸上，表情有点点不太开心，而这个小伙子把那个木棒，把它折断在膝盖上，有意思的是什么，在这个神圣的构图里边，圆形的非常适合于，有点像类似于光环的联想，出现了一个，拉斐尔自己设计的一个建筑，这个建筑非常的古典，但是从没有过，从来没人这么造过，因为你可以看到很奇怪，从这个台阶上去，通过这个建筑的中间部分，一直可以走到远方，从来没有这样的建筑，更有意思的是什么呢，这个拉斐尔把自己的名字，写在这个上面，我什么什么时候，画的这张画，那么这个也是一个，非常重要的神圣的时刻，是历史上的一个片段，他就把自己的名字，写在画面的最中间的部分，大家看看，就在这拉斐尔，能看清楚吗，这是年份，然后这个是拉斐尔的签名，然后他画过一幅很小的，很精彩的一幅画叫《寓言》，一个特别小的小骑士，靠在马鞍上面在休息，大概是在他的梦中里面，出现了两个这样的人物，那个人是拿出的是一本书，表示知识，拿出一把剑表示力量，那边还有（人），拿一朵非常非常特别的花，叫桃金娘，桃金娘是什么意思呢，是爱情是享受，然后让这个年纪很小的人说，To be or not to be，然后很有意思，这个完全不一定是，选一或选二的结果，他可能是知识我也要，力量我也要，爱情享受我也要，那是什么，那就是文艺复兴时期的，人的一个主题，然后拉斐尔画的最迷人的部分，是《圣母和圣婴》，画得极其的唯美极其的抒情，在维也纳的这幅画，是最典型的圣母像，最美的一个圣母像，那么在圣母的形象上面，实际上是据说是当时的，这个意大利妇女的服装，让那个圣母穿上了，然后这两个婴儿似乎

是在，不是在完成一个宗教的祝福，或者接受祝福这样的，而是在玩耍，当然还有一些象征性的东西，远处的岩石跟教堂的联系，这个红的罂粟花，是后来的耶稣，在受难时候流的鲜血等等，同时你会看到非常逼真，非常优美的风景的陪衬背景上的，这就是拉斐尔做的，这个叫《阿尔巴圣母》，这画的那个《圣凯瑟琳》，刚才就是那个车轮碾过去，车轮现在在这，那么他的最大的一个作品，是在梵蒂冈，画的是所谓的《雅典学院》，那么《雅典学院》里面，我想大家注意的一个细节，蛮有意思的细节是在这，拉斐尔在这，这是柏拉图亚里士多德，什么亚历山大，很多很多的古希腊时代的人，那么整个的画面其实是，一个对于古典的畅想，就古典应该是什么样子的，我们可以看到，我们一个个来分析，大概是这么几个，中间的这两个最重要的是，一个是亚里士多德，一个是柏拉图他的老师，后面的一个是雅典娜，一个是阿波罗，然后还有一些人的这个，非常重要的一些历史的人物，我们一个一个来看，这是阿波罗拿着那个里拉琴，然后我们会看到，亚里士多德和这个柏拉图，但是蛮奇怪的是，拉斐尔画的这个柏拉图，恰恰就是达?芬奇的，年迈的样子，他其实有两个原因，也许一个是根本就不知道，柏拉图，那么久远的年代里边的，那个哲人长得什么样子，那么他崇拜的，自己崇拜的是这个达?芬奇，所以他把达?芬奇老年时候，67岁的时候的那个像，就放到这个地方，然后很有意思，他拿着这个《哲学》，手指的是天上，讨论的是最高的原则，而他拿的是什么呢，是《伦理学》，伦理学的自然（经验），那么他的手是往下，就是让哲学站在，一个现实的基础上，显然是不一样，那么前面还有一个，特别有意思的人物叫第欧根尼，是一个所谓“犬儒派”哲学家，那么这个人非常的不拘小节，但是活得非常具有人的尊严，据说亚历山大，亚历山大在后面这个位置，在外面画面这个位置，曾经去向他讨教，讨教的时候，第欧根尼就非常的不客气地说，对不起你先让开，你不要把阳光给我挡住了，你给我让开然后再谈，是一位这么样的一位哲学家，然后这个地方据说是一个，古希腊的另外一个哲学家，原子论的一个哲学家，但是他的脸你仔细看，其实是米开朗琪罗的脸，这就有意思了，历史上的人物，一个一个地被置换，换上了同时代的人，还包括他自己，所以与其说这是一个纯粹的，对于古典的一种想象，还不如说是有一种，现实生活当中的，人物的一种先先知的排列，就把那些英雄他认为的英雄，这就是所谓，他平时跟狗在一起叫“犬儒”，那旁边还有一些非常重要的，（普罗提诺）Plotinus，我们会看到欧几里德，在教人家的这个数学，然后这是个刚才说的，像米开朗琪罗的赫拉克利特，所以文艺复兴时期的那种，个人的张扬，其实是在很多细节里边，会非常鲜明地表达出来，米开朗琪罗会，在圣母的像上面留个签名，他会在《雅典学院》里边，把自己提前了上千年的历史，走到一个历史的行列当中，毫无愧色，这毕达哥拉斯，这是快乐的哲学家的代表，亚历山大在这里亚历山大，苏格拉底，那么他还画过一个，所谓《街上之火》，这也是一个宗教的故事，就是当火起来的时候，主教在这个地方，举起一个手指头，然后火就灭了，反正就这么一个（意思），但是他不是去表达，这个主要的东西，而是当火灾起的时候，那么多人去救火，然后同时又把这个画面，变成了一个具有雕塑感的一种，他对米开朗琪罗也很崇拜，所以对人物的雕塑感很强，你看这个人物，这个救火的东西蛮精致的，是古典的那种，很有古典音韵的那种用具，你看，这救火万一打破了非常可惜，这是教皇，在这竖一根指头手指头，他最著名的就是《椅中圣母》，其中有一幅《椅中圣母》，就是把一个画面，变成了一个圆盘，那么有人猜测，他会把圣母画得如此的美丽，是跟他的一个恋人有关系，是当时的猜测

相关文学影视、作品

罗马文化：电影《在托斯卡纳的艳阳下》、《罗马假日》、《角斗士》

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《巴黎圣母院》

《外国美术史》必考点精选笔记学习资料

《外国美术史》必考点精选笔记

《外国美术史》笔记 （1）贝利尼: A.威尼斯画派的创始人:注重风景的描绘，把自然景色诗意化，作品充满宁静和淡雅的情调。 B.成功之处在于将风景的氛围与画中人物的精神状态紧密结合在一起。 C.色彩和素描的表现力成为首要的因素，这也是威尼斯画派的共性: a.《有小树的圣母》:用刺眼的色彩安排揭示人物内心壮丽感受和精神状态。 b.《神的欢宴》《湖的圣母》:大胆采用外光，色彩明朗鲜艳，流畅的线条富 于音乐性.D.这种和谐优美的基调促进了威尼斯画派的形成和发展。 (3)提香: A.作品显得壮丽，热情，富于想像，色彩强烈，用笔奔放。 B.人物更为粗旷，更加意气风发，也更完整: a.《天上人间的爱》:牧歌式的情调，反映出当时在人文学者中流行的新柏拉图主义思想。 b.《乌尔宾诺的维纳斯》:追求光与色的波澜壮阔，形象逼真，生动，情节的风俗化处理，加强对世俗欢乐的认同感，反映他的现实主义艺术观。 C.晚年内心充满不安的情绪，笔触显得凝重，色彩更加单纯:《丹伊娜》。 D.艺术的优点在于笔触的运用方法为造型的表现提高了更多可能性。 1)乔托: A.佛罗伦萨画派的创始人，他的艺术是中世纪与文艺复兴的分水岭:不仅表现了卓越的绘画技巧，也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。

B.主要创作形式是壁画，用人文主义精神来理解圣经题材，塑造的是典型的人的形象，渗透着崇高的道德内容:壁画《逃往埃及》。 C.为了表现真实的生活场面，开始探索写实的技巧，这是现实主义艺术在技法和理论上的重要课题，作为一种全新的艺术观念对文艺复兴艺术的发展产生了巨大的影响。 三·15世纪罗马画派的代表人物及其艺术特色（意大利文艺复兴盛期美术）（P-72） 15世纪末到16世纪中叶，是意大利文艺复兴的全盛时期在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派 1)达·芬奇: <1>是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，伟大的现实主义画家: <2>A.《岩间圣母》: a.使用明确的几何结构来安排人物，为当时盛行的金字塔构图奠定了基 础,使整个画面在复杂的动态中取得平衡。 b.柔和的光线不仅使形的塑造得以深入，也使整个形象具有诗意的光辉。 B.《最后的晚餐》: a.为圣母玛利亚食堂所作，挑选关键的时刻进行描绘。 b.所有人的性格都从行动与手势中表达出来。 c.通过象征真理的耶酥和象征邪恶的犹大之间的戏剧性对比表达了自己对 人生的看法。

外国建筑史复习提纲

西方古典建筑。 古埃及金字塔、吉萨金字塔群 （1）金字塔的演变 “马斯塔巴”（建于第三王朝）---昭赛尔金字塔（建于第三王朝）---麦登金字塔（建于第三王朝末期）---达舒尔金字塔（建于公元前2723年）---吉萨金字塔群（公元前三千纪中叶约公园前2723—前2563年） （2）吉萨金字塔群（公元前三千纪中叶约公园前2723—前2563年） 由胡夫金字塔（Khufu）、哈夫拉金字塔(Khafra)、门卡拉金字塔(Menkaura)及大斯芬克斯组成 .雅典卫城 其是是希腊最杰出的古建筑群，是综合行的公共建筑，为宗教政治的中心地。 卫城：原意是奴隶主统治者的驻地，后来转变为守护神的圣地。 雅典卫城位于雅典城的西面。 建设卫城的目的： 1.赞美雅典，纪念反侵略战争的胜利。 2.建成希腊的宗教文化中心，繁荣雅典。 3.增加各行业的就业机会， 4.感谢守护神雅典娜。 雅典卫城的布局特点： 1.突破小小城邦国家和地域的局限性，综合了多立克艺术和爱奥尼艺术。 2.建筑布局自由，顺应地势，高低错落，照顾山上及山下的观赏。 3.胜利神庙点明了卫城真正的世俗主题。 4.主次分明，突出体量最大、造型庄重的帕提农神庙，体现对立统一的构图规律。 5.卫城在西方建筑史上被誉为建筑群体组合艺术中极为成功的实例，特别是在巧妙利用地形方面。 西方古典柱式。 2.古希腊柱式、柱式构成 （1）多立克柱式,柱子比例粗壮，高度约为底径的4～6倍。柱身有凹园槽，槽背呈尖形，没有柱础，直接立在三级台阶上，檐部高度约为整个柱式高度的1/4，柱距约为柱径的1.2～1.5倍。 （2）爱奥尼克柱式,柱子比例修长，高度约为底径的9～10倍。柱身有凹园槽，槽背呈带状，檐部高度约为整个柱式高度的1/5，柱距约为柱径的2倍。 （3）科林斯柱式,除了柱头如盛满卷草的花篮外，其他各部分与爱奥尼克柱式相同。

西方艺术简史(笔记,部分)

西方艺术简史 刘宗何 一：史前到近东艺术 史料： 一．现代智人在约3.5万年间从非洲侵入欧洲，取代了原驻在欧洲的尼德安人；欧洲史前艺术形成。 二．石器时代的欧洲史前艺术体现于法国南部及西班牙北部90多处洞穴的壁画以及小型的石制以及象牙雕刻物。 1.原始艺术 一：洞穴壁画 1.表现类型：各种各样的动物，如野牛，马，山羊，鹿，熊，野猪，鱼类和鸟等。多以写实的，自然风格画成。 2.特点：线条简单，但形态生动，造型准确。从画中可看出粗略的“透视前缩法”和明暗表现法。 3.人类文化史上第一个时代被称为石器时代（paleolith age） 旧石器时代的欧洲艺术，具体时间：（约前4万年至1万年）史前时代的欧洲艺术产生于旧石器时代的中末期和晚期。 （1）：穆斯托瑞时期（mousterian）约公元前4万年。 （2）奥瑞纳时期（aurignac）约前4万年—前3.5万年。代表：法国拉科斯洞的鹿，马，牛和人壁画 （3）索鲁特时期（solutrean）约前3.5万年—2.5万年。代表：美术遗迹，鲁塞尔洞的壮马和野猪浮雕。 （4）玛格特林时期（magdalenian）约前2.5万年—1.5万年。美术遗迹颇多，著名的有瓦?弗里尔洞的化装为牛和鹿的人物画。法国罗尔狄洞在鹿角上的驯鹿和鲑鱼图。西班牙阿尔塔米拉洞的野牛壁画。马格林特时期的西班牙岩画描绘了部落之间的战争和猎人围猎鹿群的场面。 二：壁画雕刻 1.出现时间：前3.5万年—前3万年间。 2.5万年前创造出表现整个人体美的雕刻品。 2.类型：主要是女性裸体小雕像，通常作为饰物携带。 3.出土物品：奥地利维纶多夫出土的《维纶多夫的维纳斯》距今约3万年。特点是与真人比例夸张，是最早的的人体雕像。（存于奥地利自然历史博物馆）。罗塞尔发现的浮雕《持牛角

西方音乐史 复习提纲

2009-2010第二学期《西方音乐史》复习提纲 一、填空题知识点 ●韦伯的歌剧反映出了德国的民族气质，他创作的歌剧《自由射手》 （《魔弹射手》）标志着德国浪漫主义歌剧的诞生。 ●《幻想》交响曲不仅有大标題，每一个乐章还都冠以小标题和详 细的文字解说，其中用“固定乐思”来代表女主人公的形象，在乐曲每个乐章中多次变化重复出现，由法国作曲家柏辽兹 （H.Berlioz）创作。 ●泛指19世纪包含对白的法国歌剧形式又称之为喜歌剧。 ●门德尔松(Mendelssohn) 致力于德国传统音乐的复兴，他先后 指挥演出了Bach、Handel、Lasso、Beethoven以及Schubert的作品，并创建了莱比锡音乐学院。 ●作曲家G..Verdi（威尔第）一生的创作，代表了意大利19世纪下 半叶歌剧发展的历史，其代表性的歌剧作品有《茶花女》、《黎戈莱托》（《弄臣》）、《游吟诗人》以及具有大歌剧特质的《阿伊达》。 ●脍炙人口的两套管弦乐组曲《培尔·金特》是挪威作曲家格里 格（E·Grieg）的作品。 ●从乐剧《特里斯坦与伊索尔德》开始，瓦格纳打破了通向调性瓦 解的大门，预示了20世纪音乐文化发展的方向。 ●普契尼在他的歌剧《图兰多》中直接采用了中国民歌“茉莉花”。

●捷克作曲家斯美塔那在耳聋之后住到农村，仍然顽强地创作，完 成了著名的交响诗套曲《我的祖国》。 ●Liszt（李斯特）对西方音乐最重要的贡献是首创单乐章标题音乐 Symphony poem （交响诗）。 ●柴科夫斯基的三部舞剧是《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃 夹子》，他一生中最后的一部作品是《b小调第六交响曲“悲怆”》。 ●门德尔松突破古典协奏曲传统格式，将协奏曲的第一乐章取消了 双呈示部，乐章之间连续演奏，使音乐贯穿发展。 ●19世纪民族乐派著名的代表作曲家有捷克的斯美塔那和德沃夏 克，挪威的格里格，芬兰的西贝柳斯以及俄罗斯的“强力集团”巴拉基列夫、居伊、鲍罗丁、穆索尔斯基、里姆斯基—科萨科夫等。 ●德彪西的管弦乐前奏曲《牧神午后》是印象主义管弦乐的奠基之 作。 ●前苏联20世纪伟大的交响曲作曲家萧斯塔科维奇，创作的15部 交响曲贯穿他的整个艺术生涯，其中创作于卫国战争时期的《第七交响曲》在国内外广泛演出，向全世界表明了苏联人民在反法西斯战争中的大无畏气概。(P.441) ●20 世纪初，法国青年作曲家小组“六人组”体现了反浪漫主义、 反印象主义、主张客观冷静的音乐见解，主要代表人物是米约、奥涅格以及奥里克与普朗克。(P.340)

艺术概论笔记整理

[一位叫丽水千里的朋友贴出的 艺术概论笔记整理 艺术概论笔记整理 1、艺术的本质特征等一般规律性问题 2、艺术的发生与发展 3、艺术与其它相关领域文化形态的相互关系及它的地位与作用。 4、围绕艺术活动四要素讨论艺术的核心问题 创作者（艺术家）、鉴赏者、作品、世界 5、艺术门类 用材质和技法来划分比较科学的划分方法 艺术本质论 科学和美学划分在19世纪末。艺术和美学既有交叉有不一样。1750年，美学。 美学研究艺术美+自然美 1、艺术产生的理论 艺术生产，艺术传播，艺术消费（生产-消费） 艺术传播在教材中最为薄弱的部分。艺术传播是艺术产业化最重要的环节，（艺术社会学，经济学，教育学，心理学知识系，广告学，传播学）（广告及市场）（展览馆，出版社）===>现代传媒对艺术传播的影响？

生产分为精神生产和物质生产两种，艺术被看作一种精神生产形态揭示了艺术的起源，性质，特点。艺术是主观与客观，心与物的结合与统一。马克思：“本质力量的对象化”“自然的人化”揭示了物质、精神生产的不平衡关系。 为什么说精神生产具有不平衡关系？ 精神物质生产的不平衡关系：精神受物质制约，但又具有相对独立性。从人的需要（马斯洛的人的“需要多层次说”）和生产的目的来说第一，精神生产满足精神审美认知需求。第二，物质生产——使用、交换、价值属性、商品属性；精神生产——审美属性。第三，从生产过程和结果来看独立于物质生产的特征，艺术精神，构思，技巧投入和一般工艺品不一样。 揭示艺术系统的奥秘 创造性被扭曲，淹没与根本原理违背片面追求票房收视率 艺术把握世界方式 形象性特征：不单是具象，可视可听都包括。借助艺术通感。音到形，诗到画。和科学性概念理性把握世界不同 特征的美——运用形象进行创造性的想象的重要。“艺术既表现人们的感悟，又表现思想” 艺术形象性： 1、主观客观的统一，有意味的形式 主观因素消失在客观的因素中——建筑 客观因素消失在主观因素中——音乐

西方美术史知识点

1、希腊艺术古典盛期美学特征： 髙贵的单纯和静穆的伟大”是古典盛期希腊艺术的本质特征。古典时期希腊美术崇尚理想主义与写实作风相结合的艺术原则，这时的建筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺 术理想。经典建筑散发着和谐、明朗、端庄的气息；经典雕塑洋溢着庄重、优美、和谐、生动的气息，带有浓郁的理想主义色彩。 2、唐代美术成就：唐代是中国封建社会的黄金时代，唐代的美术，在六朝美术的优良传统- 的基础上，由于技术的进步和数量众多的画家的努力，创造了形象更为完美，主题更为 明确，反映现实生活更为有力的艺术。中国古典美术的发展大致可以说到了唐代，才真正摆脱了实用功利性的束缚，才真正完成了审美性的革命，成为纯粹审美的对象。无论是- 雕塑、绘画,还是工艺美术，都取得了超越前代的成就：一是宗教画出现了一代宗师吴道子二是世俗人物画取得突破性进展；三是金碧山水画突现异彩；四是水墨山水画异军突起。唐代以后中国美术基本上没有脱离唐代美术的规范，继续沿着唐代审美性的道路发展。 唐代的美术美学有着不可替代的成就，其对于隋代既有继承的一面，又有超越的一面?吴道子的画体现了盛唐求丰满厚重的审美理想；而王维作为山水南宗之祖，形成了真正的文人画；李思训父子则创造了北宋的金碧山水?盛唐鞍马画，张萱、周窻的仕女画均有很高成就?陶瓷、"唐三彩”、石窟造像、敦煌彩塑壁画等均在中国美术美学史上享有崇高的地位?唐代美术中，宗教美术与密切现实生活结合，杰出的美术作品具体地反映了唐代的现实生活。例如菩萨像肉体丰满健康，而表情平静甚至是淡漠的。描写贵族，特别是贵族妇女的绘画着重其寂寞无聊贫乏空虚的生活。某些陶俑富有倾向性地发掘了一些人 物的可厌的社会本质。这些都是唐代美术的现实主义的重要成就。唐代社会各方面的蓬勃发展及激烈的变化，需要并且可能发展人们更多的才能与力量。杰出的美术家有高度的创造性，强烈的创作热情和丰富的艺术想象力。例如他们创造了极端繁华欢乐的净土 和极端悲惨恐怖的地狱；创造了维摩与文殊紧张的争辩的场面，也创造了劳度差和舍利佛的激烈斗法的你死我活的景象；还创造了园林中高人逸士的闲适，深宫里贵族仕女的寂寥，创造了无数生活的形象和庄严的与优美的典型，这些意境和形象是美术史上重要成就。唐代美术中，艺术技巧有巨大的进步。人物的各种面型和表情的类型的创造，姿势动态表现更丰富自由。发掘并开始表现了自然事物：山水和花鸟的美的特点。唐以后的绘画善于选择生活中一部分富有诗意及戏剧性的场面，不是平板的描写生活。在构图上，远近透视和比例大小的趋于正确，在表现一定的内容及思想方面也更有力，人物关系不复是平列或接近平列的形式，也不复是以大小来分别主次，而是处理得更自然真实而且富于艺术效果。道具和环境在表达题材内容时也逐渐起了较大的作用。艺术技巧在盛唐以后完全脱离了幼稚的状态。唐代的代表性美术，主要是盛唐的美术，形象丰腴而又典丽，结构豪华而又紧凑，色彩绚丽而又调和，总之正如盛唐所代表的唐代的经济力量、政治力量、人们的创造力量的雄厚优裕，风格雄浑而又优美，是中国的、同时也是世界的最杰出的古典艺术。 3、唐代艺术家如何认识和表现现实生活的？作为唐代最杰出的人物画艺术家之一，不得不提 到吴道子，他对于生活的认识和表现，完全是抒发个人的情感意兴，他的创作主题总是尽情地表现自己，他的画也正如他的生活态度，奔放豪迈、无所羁绊，喜欢打破传 统，不甘于受规则束缚的那份洒脱，从他的画面中，不以精工见长，而是众皆密于盼际，我则离披点画。人皆谨于相似，我则脱落其凡俗”。他作画的线条粗细变 化，不可穷诘，以表现高侧深远，卷褶飘带之势。”再说到王维，这个山水诗人兼画家，他所提倡的是一种文人的艺术理想，一种高雅的超然境界。由于出任过叛军手下官职，他的仕途一直比较坎坷，这也看破红尘，在长安郊外的蓝田过起隐逸的生活，这也导致了他对生活的认识发生了巨大的变化。王维总是用清新隽永的自然启示来达到宁静 致远的境界，从他开始，绘画的功能在逐渐改变，从面对公共服务政教，转向面对自我, 服务个

西方美术史笔记(简化)

背诵 古希腊雕刻发达的原因：（1）农业和手工业之间、体力劳动和脑力劳动之间有了明的分工。有专门从事于美术有关的艺术创作活动.艺术匠师受到重视。(2)不只是艺术活动，也是生活的一部分。（3）体育活动以雕刻为奖励。 巨石建筑（新时期时代）主要有石柱、石台、石栏等“斯通亨治”巨石栏：巨石建筑是原始人类对天地山川自然物的畏惧和无知，对其加以崇拜的结果，是人类原始的具有宗教意识的崇拜。 原始美术的基本特征： （一）幻想的实用性创造动机与激情流露的创造过程有机联系。（二）直觉感受的记忆与夸张特征的写实高度统一。(三)从造型风格上看，属于稚拙、简朴的审美类型。 古埃及美术基本特征： （1）强化皇权的等级观念与服务于灵魂的宗教精神互相渗透，构成古埃及美术创造的动因。（2）理智因素与固定程式结合的造型法则。（3）强调几何形式规整，追求装饰风味的表现手法。（4）刚劲、宏伟、庄严、明晰而简练的艺术风格。 浪漫主义美术 浪漫主义一词源于中世纪，意为“传奇”、“抒情”或“幻想”。作为一场艺术运动出现在18世纪末到19世纪中页。表现在当时欧洲艺术的各个领域。浪漫主义作为一种美学思想，强调主观、个性、感情和非理性。作为艺术发展历史概念，它是对古典主义所持的常情常理和冷漠的说教，是对严谨、规范和自觉的否定和破坏。 新古典主义美术 “新古典主义”指：18世纪末19世纪前半期欧洲流行的一种崇尚庄重典雅、带有复古意趣的艺术风格。核心是回到罗马去。 原因：一方面，反对罗可可艺术的过分雕琢，另一方面，人们对重新创建古希腊罗马艺术普遍要求 雅克·路易斯·大卫：《布鲁斯特》《贺加斯兄弟宣誓》. 多米尼克·安格尔：《泉》、《大宫女》、 现实主义： 是19世纪西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮。以现实为基础，坚持表现现实生活。如大自然、劳动者、普通人的生活都是其表现的题材。现实主义画家以写实的表现手法客观真实的表现社会生活。由于现实主义艺术家作品大多对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又称批判的现实主义。 1、库尔贝：《石工》《奥尔南的葬礼》 2、米勒：《播种者》、《拾穗》、《晚钟》 【巴洛克】 巴洛克盛于17世纪。它的名称由来，说法不一，一说来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子；又一说它来自意大利语，有奇特、古怪或推论上错误的含义。总的来说这个名称在当时含有贬意，是18世纪古典主义艺术理论家对于上一个世纪一种艺术风格的称呼。 巴洛克风格的特点①具有华丽的色彩。②是一种激情的艺术，打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩③极力强调运动④关注作品的空间感和立体感⑤综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段⑥浓重的宗教色彩⑦远离生活和时代的倾向 1、绘画鲁本斯：《劫夺吕希普斯的女儿们》 2、雕塑乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼：《普拉东劫夺》《阿波罗和达芙尼》 3、建筑乔凡尼·贝尼尼：圣彼得大教堂前广场和柱廊 哥特式艺术 名词解释：“哥特式”一词最初用于文艺复兴时代，是意大利画家拉斐尔河美术史家瓦萨里首先提出。出现在12-15世纪的欧洲。以新型的建筑艺术为主要表现形式，也包括绘画、雕塑和工业美术。建筑一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门造型，厚重的穹顶被线条轻快的尖拱券，飞扶壁取代。色彩丰富的玻璃镶嵌花窗为重要室内装饰手段，造成一种向上升华、天国无限的神秘幻觉 1、建筑：夏特尔主教堂、米兰大教堂 2、雕塑：夏特尔大教堂南门雕塑 洛可可： 意为岩石或贝壳装饰物，后来指以岩石和蚌壳装饰为特色的艺术风格。这个名词最早出现于19世纪初，是一些古典主义艺术家用来形容18世纪流行于欧洲各国的装饰样式。 【印象主义】 特点⑴“不要失掉你所感觉到的第一印象” ⑵注重绘画的光、色、形、意,美的融合。主张户外写生。 ⑶采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。 ⑷提出应自然而随意地表现生活与客观物象而不是再现；注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景进行直觉式的描绘。 ⑸主张绘画应表现色与光，冷暖变化，补色的对比、颜色的厚涂与并置、笔法的精炼与简略等。印派的画大多生动、明快，有一种光色颤动之感。影响⑴使艺术表现题材的空间得到了拓展。⑵绘画艺术的表现功能大大发展。⑶确立了新的独立性的美学观念、艺术观念和审美价值。⑷对油画的发展及光学、音乐、影视设计等艺术的发展做出了杰出的贡献。⑸印象派绘画开始了一个艺术的新纪元。⑹已经显露出现代主义的端倪。 识记 一、原始美术 原始艺术的内容包括洞穴壁画、岩画、雕塑以及建筑等。 2.雕塑（旧石器时代）最具代表性的是“女性小雕像” ,便于携带,夸大了女性的生理特点,反映出母系社会对生命和繁殖的崇拜。作品：《威伦多夫的维纳斯》（最早的雕塑）、《持角杯的女像》 （1）建筑：《胡夫金字塔》：高146.6米，基座四边长233米，正对东西南北四方，坡面呈52度角，致使塔高与塔底周长比等于圆周率，由230万块2.5吨重的石灰岩垒成， ▲古埃及艺术的特点：风格稳定、等级分明，在写实风格的基础上进行理想化的表现，其风格壮丽、宏伟、明确。有着严格的规范，如正面律：人物头部以正侧面表现，眼睛、肩为正面、腰部以下为正侧面 （2）雕塑：直立姿势，双臂紧靠躯体，正面直对观众；着重刻画人物头部，其它部位刻画得较为简略；面部轮廓写实，表情庄严；根据人物地位的高低确定比例的大小；雕像着色，眼睛中往往镶嵌水晶、石英等物。 《狮身人面像》、《拉霍特普王子与其妻》、《门考拉及其妻》 3.新王国艺术这段时间的艺术风格被称为“阿玛尔纳风格”（1）建筑：太阳神阿蒙神庙、卢克索神庙 （2）雕塑：《埃赫那顿像》（3）浮雕、壁画：《崇拜阿顿神的埃赫那顿与其妻》《女乐师》 ▲一、古希腊艺术 古希腊艺术的遗存主要是建筑和雕刻 建筑：出现了石质神庙建筑作品：希腊神殿 柱式：（1）多立克柱式2）爱奥尼柱式3）科林斯柱式 雕塑：《荷犊的男子》、《泰尼亚的阿波罗》 绘画：瓶画《阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子》、《阿喀琉斯杀死阿玛逊女王》、《战士合唱队》、《出征的战士》 3.古典时期的艺术：建筑与雕塑都趋于完美 建筑：最突出的建筑代表作是雅典卫城建筑群 《帕特农神庙》：设计者是伊科迪努有着丰富的韵律感和节奏感 ▲第三讲中世纪艺术 从公元476年西罗马帝国灭亡至15世纪之间的一千年时间 ▲中世纪重要特点就是政教合一的教权统治，，（神权统治）。上帝是最高存在，是最完美最神圣的。中世纪美术具有明显的宗教性质。 一、早期基督教艺术1、绘画：主要是墓室壁画罗马的普里斯拉地下墓室，《好牧人》、《三个在火窑中的人》 2、雕刻：《尤纽斯·巴苏斯石棺》3、建筑：《圣彼得教堂》 二、拜占庭艺术 特点：拜占庭的艺术保留了很多希腊罗马的传统，另外拜占庭艺术也带有古代东方艺术宏伟性、庄严性，有着严格的程式。喜欢颜色不喜欢造型，喜欢装饰不喜欢真实表现。 1、建筑：早期采用圆形或者多边形平面结构，后期采用希腊十字形作品：《圣索菲亚教堂》 2、绘画：主要是镶嵌画 作品：圣维塔尔教堂的《荣耀基督》、《查士丁尼大帝及廷臣》

西方美术史课后题

1 旧石器时代晚期美术的风格及主要作品旧石器时代美术旧石器时代晚期之前，虽然缺乏人类对于形象的模仿表现的证据，但实用的工具制作和改进，已经显示了许多审美因素。如手斧的几何化造型、对称感，刃口的细小修饰以及刻痕，都不无初级的装饰价值，而且制造工具的过程也为创作艺术作品准备了造型的技巧。世界上最著名的原始洞窟壁画是西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画和法国西南部的拉斯科洞窟壁画，所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。发现最早的雕像是奥地利维林多夫的《母神》和法国鲁塞尔岩廊石壁浮雕《手持角杯的裸女》。 3古代两河流域美术的主要成果是什么古代两河流域生活着很多民族，以农业生活为基础的苏美尔人最先在这里建立城邦国家。他们创造了楔形文字，书写在泥板上，这就是著名的泥板书。随后，阿卡德人建立闪米特王国。公元前18 世纪，阿莫莱特人统一两河流域建立了巴比伦王国，制定了世界上第一部成文法典汉谟拉比法典。巴比伦人首先开始使用釉料、玻璃和琉璃，在伊拉克西维埃出土的绿花釉小罐被认为是釉料和玻璃的最早标本。在巴比伦王尼布甲尼萨建造新巴比伦城的时候还使用琉璃砖砌成城门，成为建筑史上的创举。其间还建造了著名的世界七大奇迹之 一——空中花园。波斯王朝吞并两河流域之后延续了这种设计方法，公元 3 世纪时贾普尔一世的宫殿中还出现了马赛克壁画。 由于长期的战乱，两河流域的军事设计非常发达，尤其是和骑兵相关的部分更加完备。武器、护具、马具一般都配有精美的装饰纹样，不但是作战利器，也是不可多得的工艺品。 4试比较克里特美术与迈锡尼美术的差异爱琴美术主要有克里特美术、基克拉泽斯美术和迈锡尼美术。 克里特美术克里特是一个狭长多山的岛屿，传说中，国王米诺斯是创建克里特古王国的君主，因此，克里特文化又以他的名字而称为米诺斯文化。 克诺索斯王宫是克里特建筑的代表，约建于公元前22? 前15 世纪间，曾多次被毁又重新 改建。这是一个庞大而复杂的建筑群，整个建筑的中心是一个长方形的庭院，其特色在于内部结构奇特多变，因此人们认为这里是神话中的米诺斯迷宫。 克里特绘画主要是克诺索斯王宫残留的壁画片断。这些壁画内容多样，均以线条为主的装饰手法绘成。克里特雕塑现存一些陶制小型雕像，最典型的是持蛇女神像，也有精美的动物雕塑作品。在工艺品方面，克里特人在陶器、金银工艺方面也表现了相当高的技艺。 基克拉泽斯美术基克拉泽斯是克里特以北爱琴海中一群岛屿的泛称。他们的文化与克里特和迈锡尼有一定的联系，但留下的遗迹甚少，主要是一些石制的墓穴和陪葬品，其中以石雕人像最具特色。 迈锡尼美术迈锡尼是希腊南部伯罗奔尼撒东侧的一个古城，迈锡尼文化与克里特有明显的相承关系。迈锡尼最重要的文化遗迹是狮子门。迈锡尼绘画可从残留在建筑遗址上的壁画片断略见一斑。有许多反映当时生活的画面。 5黑绘风格与红会风格的瓶画各有什么特点黑绘风格指在红色或黄褐色的泥胎上，用一种特殊黑漆描绘人物和装饰纹样的陶器。 红绘风格与黑绘风格相反，即陶器上所画的人物、动物和各种纹样皆用红色，而底子则用黑。故又称红彩风格。流行于公元前 6 世纪末到公元前 4 世纪末。这种风格优越处在于灵

艺术概论专题讲解笔记总结

艺术概论专题讲解笔记总结 1，什么是学科？——学科应符合的基本条件：1，有一批基本概念 2，这些概念的定义是明确的，逻辑是一贯的 3，按照逻辑形成一个完整的体系 4，它的理论是普遍有效的 相关链接：学科的定义（百度定义）：学术的分类。指一定科学领域或一门科 学的分支。如自然科学中的化学、生物学、物理学；社会科学中的法学、社会学等。学科是与知识相联系的一个学术概念，是自然科学、社会科学两大知识系统（也有自然、社会、人文之三分说）内知识子系统的集合概念，学科是分化的科学领域，是自然科学、社会科学概念的下位概念。 我国目前普通高校的研究生教育和本科教育的学科划分均为13大门类（哲学、经济学、法学、教育学、文学、历史学、理学、工学、农学、医学、军事学、管理学、艺术学）。 在2011年4月召开的国务院学位委员会新年会议一致通过，将艺术学科独立成为艺术学门类，原属文学门类的艺术学科从文学所属的中国语言文学、外国语言文学、新闻传播学、艺术学四个并列一级学科中独立出来，成为新的第13个学科门类，即艺术学门类。艺术学门类下设五个一级学科：艺术学理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学、美术学和设计学。 ···················································2，注意区分概念——什么什么是某某&某某是怎样的 例如：什么是艺术概论（定义判断）&艺术概 论是怎样的（特征描述） 3，艺术与美术的历史与理论表述

历史与理论是两种表述方式（即史、论结合） 什么是作为概念的艺术？——“艺术”一词来源于古罗 马，原义指“人工技艺”（包含面较 广，相对于“自然造化”）；中国古代 也有“百工技艺”的说法，与西方古 代类似 “术”本身就反映出其原始意义是指 功用性；最早的审美意识是人出自于 满足自我需求的需要 在我国它作为专有名词是在新文化 运动之后。···················································4，艺术的形态和特征是怎样被描述的（分类） 对事物形态和特性的描述，是理论表述的最主要方面 相关链接：形态是指事物在一定条件下的表现形式 特性是某一事物所特有的性质。 意识形态（英文：Ideology）是指一种观念的集合。可以被理解为一种具有理解性的想像、一种观看事物的方法。英文Ideology这个词是德国的崔希伯爵在1796年所创造的，被用来界定一种“观念的科学”。广义的意识形态概念其可追溯至柏拉图《理想国》中的“高贵谎言”的思想。意识形态的三个特征：第一是群体性，即不是个别人的思想观念，而是已经被某个群体（阶级或社会集团）所接受的思想观念，代表这个群体的利益并指导其行动；第二是系统性，即不是支离破碎的想法和观念，而是形成了体系；第三是历史性，即是在一定的社会经济基础上形成的 最基本的理论意识形态包括分类的思维形态（分类是

西方美术史复习

西方美术史复习资料 受伤的野牛（西班牙）：在阿尔塔米拉洞穴壁画中，有一只“受伤的野牛”可谓是经典之作，他先是用富有变化的线条勾勒出受伤野牛的轮廓，再用红褐色做渲染使之具有明暗效果，同时还巧妙地利用岩壁自然的起伏凹凸来强调野牛厚重的体积感，这种表现是那只受伤倒地后仍在挣扎的野牛获得了一种野性的张力。 维伦道夫的维拉斯（奥地利）：出土在奥地利维也纳附近，它由石灰石雕刻而成，高11厘米，宽5厘米，一般这类雕塑的尺寸都较小，目的是使于人们携带，它以极度夸张的手法强调女性的生理特征，肥大的臀部和丰隆的乳房，它是一种多产的象征，体现了史前人类对母性生殖的崇拜。 古埃及建筑形式：金字塔，方尖碑，陵墓雕塑。 正面律：人物头部以正侧面表现，眼睛，肩为正面，腰部以下为正侧面。 命运三女神：是古希腊美术古典时期的头部虽然已被毁坏，帕特侬神庙东山墙的雕刻作品，其视觉效果就让人惊叹，但优美，恬静的姿态，丰满结实的躯体，纤细，繁复的衣褶，以及简约的轮廓却完整的表达了人生的智慧和理性，并展示了作者对人体结构的精确理解。 古罗马建筑形式：罗马万神殿，科洛西姆圆形竞技场，图拉真记功柱。 欧洲中世纪美术和文艺复兴时期对比？ 答：从本质上来说：欧洲中世纪美术是基督教艺术，这是因为在当时基督教文化占有绝对的统治地位，一切造型艺术的最终目的都必须服务于宗教，基督教美术不注重客观世界的真实描绘，强调所谓的精神世界的表现；文艺复兴时期美术实质上是把学习古典文化作为途径而创造出一种新的文化，它的精髓所在就是人文主义；从内容和形式上说：欧洲中世纪美术以宣传基督教的教义和讲解《圣经》

的故事为宗旨，以一种非写实的，平面化的象征风格竭力营造宗教情绪和气氛；文艺复兴时期的画家们在处理宗教题材时，尽量淡化或减弱宗教的意义，充分肯定人性的真善美和崇高。 罗马式美术：公元10世纪以后，西欧建筑普遍采用类似古罗马时代的劵拱和梁柱结构体系，并大量用希腊罗马时代的“纪念碑式”雕刻装饰教堂。因此，史学家们把这个时代以建筑为主体的艺术统称为“罗马式艺术”。 威尼斯画派:15~16世纪意大利文艺复兴时期的重要画派之一，该画派受人文主义影响，题材愈益走向世俗化，其突出特征是对色彩的崇尚，对人体美的赞颂和对自然风景的生动描绘。乔凡尼~贝利尼被公认为是威尼斯画派的创始人，代表作《草地上的圣母》，色彩明亮鲜艳，和谐优美。他的弟子有乔尔乔纳（他是第一位采用光亮效果的艺术家）和提香。 尼德兰美术（14世纪末到15世纪初）：尼德兰绘画主要是细密画和祭坛画。画派的奠基人是凡·艾克兄弟，代表作有《根特祭坛画》。扬·凡·艾克是欧洲第一代肖像画大师，他对解剖，透视和光学作了深入的研究，其代表作有《教堂中的圣母》，他处理油画的技巧是卓越的，改进了油画技术，采用了含树脂的稀释剂油料和颜料，增强了油画的表现力，长久以来，人们将油画的发明归功于他。 丢勒：16世纪德国划时代意义的画家，他在油画和版画等领域留下了丰厚的成果，他的作品体现着鲜明的德意志民族的特点：坚实，严谨，缜密，不仅气势宏大，而且富有哲理，画风严谨，素描精确，线条流畅有节奏感。代表作《四使徒》，即约翰，彼得，保罗，马可，表达自己对祖国命运的深切关注和要求伸张正义，谴责邪恶的思想，体现了鲜明的人文主义思想，四使徒被安排在两块长方形的木板上作对称式构图，画面左边的是约翰和彼得，代表仁爱；右边的是保罗和马可，

《外国美术史》复习笔记

《外国美术史》复习笔记 1、法国的拉斯科洞窟： 1）画家用粗壮简练的黑线勾画出轮廊。 2）用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。 3）气势雄壮，富有动感，充满粗犷的原始气息和野性的生命力。 2、西班牙的阿尔塔米拉洞窟： 1）壁画轮廓线比较细，有明暗、粗细浓淡变化。 2）与色彩渲染结合紧密，表现动物身体的结构。 3）明暗起伏更为丰富，富有感情色彩。 3、拉文特岩画： 1）表现人类狩猎活动的情节性绘画。 2）以人物、动物的运动和速度为特点，把运动中的形象加以拉长和夸张动作，强调动势。 3）狩猎场面紧张活力。构图具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯。 4、巴比伦美术： 著名的汉漠拉比法典：法典刻在黑色的玄岩石碑上，上部为浮雕，下部为文字。 5、古代埃及美术特色： 1）埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，歌颂王权，强调国家的政权和等级制度。 2）宗教对埃及艺术产生影响，艺术是为死者服务的，埃及艺术称为“来世的艺术”。 3）埃及艺术的形式，是壮丽、宏伟、明确、稳定，有严格的规范，又具有写实基础上的美化。 6、金字塔建筑艺术特色： 1）金字塔是古王国法老的陵墓。 2）金字塔具有庞大的体积和重量，给人以精神上的压力。 3）金字塔外观匀称、稳定。它象征了法老的威严和地位，说明了埃及人顽强的意志力。 7、古埃及雕刻程式有： 1）姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众： 2）根据人物地位的尊卑军定比例的大小： 3）人物这种刻画头部，其部位非常简略； 4）面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少； 5）雕像着色，眼睛描黑，有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果。 8、古埃及浮雕和壁画的特点： 1）正面律，表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面；

中西方美术史必考重点

西方美术 波提切利《维纳斯的诞生》 达芬奇《最后的晚餐》 米开朗琪罗《哀悼基督》 拉斐尔《雅典学派》 伦勃朗《夜巡》 委拉斯贵支《教皇英诺森十世》 戈雅《1808年5月3日的枪杀》 德拉克洛瓦《自由引导着人民》 马奈《草地上的午餐》 莫纳《睡莲》 凡高《星夜》《收割的麦田》 马蒂斯《舞蹈》《生活的欢乐》 康定斯基《第21号即兴作业》 毕加索《阿维农的少女》 达利《记忆的永恒》 《拉奥孔》 在这些作品中，气氛的营造，动态的组织，情感的表达以及物象的构成都是前所未有的繁复，剧烈，然而雕刻家却凭借高超的技艺，在粗犷奔放与端庄高贵中取得了和谐。 《米洛岛的阿芙罗蒂德》 她充满了清新气息和动人的风采，用“崇高”一词来表述其美丽可能比“柔媚”更为恰当。雕像在出土时虽然双臂已经损失，但是她宁静与端庄的神情及丰腴，优美的体态，予人典雅和纯洁之感，使人们对“崇高”和“永恒”这些概念获得了形象及真切的感受。 三种柱式：多立克式柱身的走向是下粗上细，但并非严格的直线，而是有着稍微外凸的弧形，从而形成某种张力和弹力。 爱奥尼式柱身比多立克柱式修长，凹槽数量更多，有柱基，柱头为两对涡卷纹饰，在视觉上比较优雅秀美。 科林斯式希腊化时期非常流行。典型的科林斯柱头用毛茛叶形装饰，比起爱奥尼式柱来，造型更加纤巧华丽。 《蒙娜丽莎》 这位披薄纱，穿深色衣服，双手搭在椅子扶手上的女性，其谜一样的微笑吸引了几个世纪的人们。《蒙娜丽莎》这件尺幅不大的作品整个沉浸在深褐色的调子里，色调虽然单纯了，细节却更为丰富，加上背景的山川，河流，意境更其深远。 拉斐尔被认为是文艺复兴绘画的集大成者，他一生中绘制了大量圣母子题材的作品。拉斐尔将现实中许多美丽女性的特点集中表现在圣母身上，从而确立了当时最为理想的圣母像典型。他的圣母形象温婉，甜美，像人间女子一样可亲可近，其母性的博爱与温柔像阳光一样弥散在画面上，抚慰着信徒或俗世中人们卑琐的心灵。

19世纪中期西方美术史

十九世纪中期绘画——写实主义 一.写实主义：写实主义有两个含义：①指艺术的创作手法。②指艺术的写实手法。法国19世纪写实主义美 术两者兼而有之。库尔贝等人的作品在表现手法上是写实的，在内容上有强烈的现实主义精神。 法国大革命后，自由平等的思想抬头，加上产业革命的继续发展，使得欧洲社会走向物质化、现实化，中产阶级逐渐拥有优越的社会地位，进而影响到文化艺术上的发展，写实主义即是在这种时代背景下，产生于十九世纪中叶。十九世纪的写实主义是因反对新古典主义和浪漫主义的画风而出现在画坛上，写实主义的画家认为绘画应以忠实、毫不歪曲的态度，将现实景物加以记录；因此带走社会意识，描绘、暴露社会问题的作品一社会写实主义，也在这个时候形成。写实主义反对以绘画去说明历史、解释神话，题材选择以平民生活、肖像、静物、风景为主。 法国画家库尔贝是现实主义的倡导者，他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的“人间喜剧”，而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾，表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒，以醇厚真挚的感情，歌颂了辛勤劳作的农民。政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支，以社会民主主义，思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判社会 主义产生了列宾、苏里杰夫等杰出画家。 居斯塔夫?库尔贝（Gustave Courbet ,1819——1877）法国画家，写实主义美术 的代表。库尔贝在他的写实主义宣言中确立了以反映生活的真实为创作的最高原贝打并 肯定了平民生活的重要性和巨大意义。他把自己的创作跟法国人民的革命运动联系在一 起。尽管其艺术见解有时显得有些偏激，如否定历史题材和不赞成在绘画中表现幻想 等，但这类言论当时主要是针对学院派艺术的弄虚作假和陈腔滥调而提出的。库尔贝的 艺术实践和理论从整个来看具有很大的历史进步意义。他对19世 纪的其他写实主义画家及其以后的印象主义画家，都有很大影响。 他的早期作品《带黑狗的自画像》（藏巴黎小宫博物馆）库尔贝作品《受伤的男子》（藏卢浮宫博物馆）虽带有浪漫主义色彩，但已表现出写实的倾向。他的创作盛期，是伴随着1848年的革命开始的。代表作《奥尔南午饭 后的休息》（藏里尔美术馆）和稍后的《米石工人》（藏德累斯顿美术馆），摒弃沙龙美术的传统，米用纪念碑式的构图，描绘平民的日常生活，表现了人民的苦难，虽受到保守势力的猛烈攻击，却获得社会舆论的广泛支持。同类优秀作品还有《乡村姑娘》、《筛麦妇》、《浴女》等。1855年他创作的大型油画 《奥尔南的葬礼》和《画室》遭万国博览会评选团否决，便愤而在博览会附近 搭起一个棚子，举办了名为“现实主义、库尔贝40件作品” 的展览，并发表声 明阐述自己的艺术主张，向保守派所倡导的陈腐题材和清规戒律进行了挑战。 指出现实主义就其本质来说是民主的艺术；反映生活的真实是艺术创作的最高

西方美术史-时间表

一、旧石器时代的美术 1.【维伦多夫的维纳斯】(奥地利) 公元前2万5000年到2万年之间 2．洞窟壁画 马格德林时期 法国多尔多涅【拉斯科山洞】最为著名。 西班牙地区中北部坎塔布连洞窟艺术尤为著名。 阿尔塔米拉山洞偶然。 二、古代两河流域的美术 *古代两河流域和古代埃及美术对比 三、古埃及美术 1.古王国时期【那尔迈王石板】第一王朝时期埃及会画图 2. 金字塔 胡夫金字塔胡夫之子海夫拉所建海夫拉之子门卡乌所建 四、古希腊美术 1.古希腊建筑的三种柱式 2.古罗马建筑五柱式 3.鼎盛时期 掷铁饼者米隆希腊古典盛期 4. 公元前460年海神波塞冬希腊 五、古罗马美术 古罗马建筑的特点 六、中世纪美术 中世纪这个词由16世纪意大利学者提出，是指古罗马以后到文艺复兴之前这一历史时期。 1.中世纪美术类型 1053----1272年罗马建筑代表：1比萨教堂2比萨斜塔意大利

1163年巴黎圣母院法国—哥特美术 13到14世纪---中世纪的艺术高峰，最早产生于法国。 1386年米兰大教堂意大利 七、文艺复兴时期美术 从14世纪开始到16世纪末。 1. 指导思想 2. 文艺复兴时期美术的基本特征 7-1 意大利文艺复兴时期美术 1.发端时期 1267----1337年弗罗伦萨画派 代表人物：乔托被视为美术史上的(但丁) 西埃那画派代表人物：杜乔西蒙涅--马尔丁尼 2.早期 1445-----1510年桑特洛--博蒂切利弗洛伦萨画派意大利15世界下半期约1485年【维纳斯的诞生】 1487年【春】 7-2文艺复兴盛期 达芬奇【岩间圣母】拉斐尔【雅典学院】 1508---1510年乔尔乔涅【田野百合】威尼斯画派 1515年【西斯廷圣母】 7-3文艺复兴时期的尼德兰美术15世纪美术 1434年杨·凡·爱克作品：阿尔诺尔芬尼夫妇像 7-416世纪美术 勃鲁盖尔【收割干草】【雪中猎人】【农民舞蹈】【农夫婚礼】 1526年丢勒四使徒

外国美术史重点笔记

外国美术史笔记 第一章史前美术、古代美术 史前美术 又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在奥地利维也纳附近的维伦多夫出土的女性雕像被称为“维伦多夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作；英国南部巨石栏“斯通亨治”。是新石器时代巨石文化中最具代表性的作品。 1、关于艺术的起源： 模仿说：古希腊哲学家德谟克利特最早提出，他认为艺术是对自然的模仿。这种观点没有揭示事物的本质。 游戏说：德国席勒和英国斯宾塞提出，认为艺术或审美起源于游戏活动。 巫术说：艺术起源最为盛行的一种理论，英国爱德华泰勒最早提出。巫术分模仿和交感两种，迄今发现的旧石器时代的洞穴壁画其主要功能是当时原始人用于狩猎前的巫术仪式，就其存在的形式和施行的方式来看应属于模仿性巫术范畴。 古代美术 1、古代两河流域美术： 苏美尔——阿卡德美术：较著名的雕塑《祭祀者群像》《萨尔贡一世投降》《纳拉姆辛石碑》 古巴比伦美术：《汉谟拉比法典》上的浮雕 亚述美术：艺术遗迹丰富，以宫殿和雕塑最为著名。表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕 新巴比伦美术：艺术成就体现在建筑上。 波斯美术：建筑雕塑最具代表 2、古代埃及美术： 古王国时期美术：庞大金字塔建筑，按照正面律程序雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。 中王国时期美术：神庙建筑、方尖碑、壁画 新王国时期美术：陵墓绘画最显著。另有有神庙《拉美西斯二世神庙》雕塑《埃赫纳吞法老像、那菲尔提提像》， 3、古代印度美术： 佛教美术

《西方美术史》教案

课程编号：B07127 课时安排：32学时教学类型：理论课 第一章原始美术 ◆教学目的要求（分掌握、熟悉、了解三个层次）： 掌握旧石器时代美术 熟悉中石器时代美术 了解新石器时代美术 ◆教学内容（注明：*重点＃难点）： 原始造型艺术创作的时间、实用性特征、洞窟壁画、岩画、雕刻、建筑、彩陶文化 *重点：法兰克－康塔布连美术圈；南北欧岩画；巨石文化 ＃难点：法兰克－康塔布连美术圈 ◆教学方式、手段、媒介： 采用多媒体课件，重视美术作品的展示、读解和理论分析 手段： （1）重视创作方法的讲解；（2）重视作品创作环境、文化背景的分析；（3）明确作品在历史发展中的地位；（4）分析作品色彩、造型、整体效果的美感 ◆过程设计： （1）原始美术的分期、主要类别；（2）原始美术主要的艺术特色；（3）旧石器时代绘画和雕塑的艺术风格；（4）法兰克－康塔布连美术圈；（5）南北欧岩画；（6）巨石文化；（7）彩陶文化；（8）小结原始美术的历史意义及对现当代艺术的影响 ◆讨论、思考题、作业： 思考题： 1、原始美术的分期、主要类别及其主要的艺术特色是什么？ 2、旧石器时代绘画和雕塑的艺术风格及其代表作品是什么 3、什么是巨石文化？它的代表性作品是什么？ 4、彩陶文化发生在什么时候？代表性作品有哪些？ ◆参考书目： [1]（美）威廉·麦克高希.世界文明史——观察世界的新角度[M].董建中王大庆译,北京：新华出版社，2003. [2]（美）罗伯特·E·勒纳等著.西方文明史[M].王觉非等译中国青年出版社北京 2003 [3]（英）E·H·贡布里希.秩序感——装饰艺术的心理学研究[M].范景中杨思梁译.长沙：湖南科学技术出版社，2000. [4]廖旸.蛮族艺术[M].石家庄：河北教育出版社,2003. [5]高火.欧洲史前艺术[M].石家庄：河北教育出版社,2003. 教师姓名：王美艳职称：副教授2006-9-9