油画笔触的欣赏参考资料

油画笔触的欣赏

油画笔触是油画的表现语言。我们在欣赏一幅油画的时候，不太了解油画的人，常常会有许多困惑：为什么有些油画的画面，有的地方颜色堆得很厚？而有的地方却露出画布的底色？真如常人说的：油画是近看一块疤，远看一朵花吗？此话似乎有些道理，至少朴素地说出了油画的笔触和机理效果，

如果，我们从初略的油画历史说起。早期古典的油画作品多是平涂式的，如达芬奇、拉斐尔等著名大师，以及18世纪初的大卫和安格尔，他们都是采用此法。这种方法是用宽大的笔一遍又一遍地从暗部画起，最后加亮部，精雕细琢的直至完整地表达对象为止。我们再从绘画崇尚自然说起。长期以来的画家都是崇拜自然的，以表达自然为荣，或是迎合市场。他们的作品感觉光滑、细致，笔触磨得很光，几乎不易察觉，但这不等于说他们用色较少，他们在光感、质感上的追求仍达极高的水平。应该说，古典派画家在画面底层上做了很多功夫，只是喜欢用“扫”、“磨”甚至“揉”等绘画方法，表现画家自己对自然的理解和表现。如达芬奇的著名油画《蒙拉丽莎》，就是用这种方法完成的。这种绘画的方法细腻，具有照相术的视觉效果；这种方法也能在一定的范围内表达光感，以及素描效果较强。但这种方法较易束缚画家的个性，尤其在照相术发明之后（18世纪中叶），古典的、细腻的写实画风被工业文明所代替。可以说，是工业文明迫使画家在油画风格上趋向个性化，或者说是画家的生存不得不与照相术玩表现技巧。

我们从油画色彩理论上说，厚堆法的出现，是欧洲画家长期研究自然、光学、色彩学的成果。他们在照相术出现以后的绘画实践中，在表达一些质感和光感等方面尚达不到所追求的效果时候，逐渐加强了色彩层，厚厚地堆上颜色，使欣赏者看画的时候，常常要退后稍远一些看，神奇的效果才出现。诸如形象、立体感、光感才被表现出来。如最初出现“堆”颜色的画法是伦勃朗，他在《戴金盔的人》画面上，金盔就是经过了多次的厚厚重叠，使之成为“浮雕”似的造型方法得到表现金盔的质感，从而准确地表达了花纹的凹凸起伏，加强了金盔的金属质感，并和人面部的距离拉开。在这幅画里，光感、质感、空间感都得到了完美的表现。当然，伦勃朗的时代照相术还没有发明，而他的“堆”颜色的画法只是追求当然，初学油画的同学，由于在这种表现方法上的经验不足，初期的笔触总是显得拘泥杂乱，细节也多。而成熟的画家由于在个性方面大多趋向豪放，细节也相对减少了许多。如列宾、透纳的画，我们常常是只见到飞舞奔放的笔触，但也准确地表达了形与色，这与画家对技法的熟练，以及个人的感情也在他们的笔触中显露。这也印证了中国人所说的“字如其

人，画如其神”的道理。在这些大师的油画作品里，笔触不仅在画的内容与形式得到了完美统一，而形与色、笔触与工具，以及画家的个性与情感也溶为一体，给我们欣赏到感人的可视艺术品。

在19世纪的最后30年，西方一些画家开始反对因循环守旧的古典主义，以及虚构臆造的浪漫主义，印象派由此诞生。（这一点类似我们的政治和命题的主题画，这里面的大师你们自己去琢磨，我不在这儿说，免得我无处吃饭）。当时，印象派的代表画家马奈、雷诺阿和莫奈等人，他们不约而同的把“光”和“色彩”作为绘画追求的主要目的，积极倡导走出画室，描绘自然景物，以迅速的手法把握瞬间的印象，使画面呈现出清新生动的感觉。因莫奈的《日出·印象》而得名，印象派开始影响欧洲画坛。从此，油画的表达方法给后世的影响极大，由于当时光学和色彩学的兴起，也给油画带来了一次大的革命。印象派画家为了追求色彩的真实性和美感，常常面对自然作画，进行了极严格的训练和探讨，为了追求微妙的色彩变化，他们有的甚至献出了生命。（这一点中外的文化先驱都一个下场）。在印象派的推动下，当时还派生出了“点彩派”这个新的名词，这又是一个新的起点，画家充分利用色彩的排列、并置、重叠，笔触的方、圆、长点等巧妙地表达了自然界的色彩关系，从而产生了更加奔放、自由的画面。当然，在印象派的作品里，形和素描常常遭受到一些小破坏，有的却是无心的，有的也是有意的摒弃了所谓的绘画基础。依我看，这些都不重要，总不能让老司机开车还要翻交规吧。忘记技法就是本能反映。

我们在欣赏油画作品时，假如稍微加留心，你会发现画面的暗部会薄些，透明性大，有时甚至露出画布。（这与中国画讲究留白也异曲同工）。当然，画布不同宣纸，画布的亮部往往密度大、透明性小，颜色往往也堆得厚。这也是为了表达光的效果、空间的距离。雷诺阿早期的作品堆的较厚，因重叠不得法，损坏也较厉害，晚期改变厚涂的方法，大量使用透明的薄颜色，一次又一次“渲染”，只在明度较大的画面上才使用厚堆法，用笔也细小。凡高的油画多数都是在较短的时间内完成的写生作品，由于他的观察方法与众不同，素描的层次减少了许多，这是为了追求一种更为单纯的明快色彩效果，他大量使用白颜色，以增加了厚度感，画面的明度大大提高了，“膏状”的笔触也逾明显，从而产生了更为强烈的、独特的个人风格。凡高是精神病患者，这位艺术家的内心是独特的。（不过，我和你们都没有精神病，不然我也不可能站在这里讲课，你们也不会在这听）。凡高的笔触是他个人情感上的记录，也是他个人生命的呼喊！凡高强烈的笔触造成了一种视觉的震撼力，这是任何看过他的画的人都无法忘怀的，这也是这位精神病患者为世界美术史留下的激动人心的画作。当然，中国的精神病患者成不了凡高，因为他们都被关起来啦。

去年，我让一个女生学多看看俄国著名风景画家列维坦的画，她背后说我是老古董。（我老吗？老最起码是她长辈才是，我这年纪生不出她这年纪来）。列维坦的早期作品受他前辈老师的影响，个性并不强烈，但他晚期作品的个人风格就十分明显。他的《金色的秋天》前景中的草地用的是大色块，笔触纵横；中景的金黄色树叶，不用小笔一片片的画，而是用较大的笔触，一块块的堆上去。画家完全陶醉在自然的秋景之中，他的感情得到直接地宣泄，如一曲优美的金秋乐章。在他这幅画里，油画的艺术语言不但集中了，而也更加精练，从而也更感人。如果说，列维坦还按他前辈开拓的道路鬼混，不另辟新途，激发情感，估计仕途无量。可惜的是，列维坦终生都遭受着无权的痛苦，1892年他再次被迫迁出莫斯科，尽管当时他已是誉满全俄的著名画家，但他还是悲剧。幸好他的油画作品留世，才名垂青史。

这里值得一提的是：笔触与技法有关，但笔触与画家的情感、个性，甚是是感悟都有割不断的关系。不过，我们也常看到一些作品，也是堆满许多颜色，笔触也是东西飞舞，但是我们只要细看全局，就会发现这些东西不过是“花拳秀腿”的玩“技法”罢了。虽然笔触与颜色，仍然是笔触与颜色，但“花拳秀腿”的“个性”与情感全无，给人又欣赏什么呢？我孤陋寡闻啊！这些年，我们看到一些作品也是大量地稀释颜色，或是把一些颜料胡乱地重叠上去。这些颜色由于运用的让我看不懂，唤起我心里极度的不安，我想我是落伍了。

当然，学生是花钱来求学的，是以后靠所学吃饭的。但我说句不该说的话，你们记住我的胡话：金奖是摹照片的，银奖是画新局面的，铜奖是你琢磨的。要想笔触融入你自己的情感和个性，等你老了再玩。当然，假如笔触能融进前程，你们就得再领悟。

油画风景写生心得

油画风景写生心得 10月份中旬，我们开了油画风景写生课程。老师带领我们前往济源王屋山进行写生。 下边，首先谈谈我对油画风景写生的理解和看法。 油画风景写生及其意义： 风景画是以大自然为题材的绘画。其审美价值的高低在于作者是否真实完美地表达出自己的审美理想，使被描绘的景物传达出人的神韵和生活气息，能否体现出民族的审美情趣。通过所描绘的景物来抒发情怀，引导观者的参与共鸣，并给予美的享受。 风景写生是油画家很注重的一种观察，是感受自然，体验生活，历练、提高自身素养的重要手段。从某种意义上说，写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面的构成和谐而具有美感，还有地域特点和画家的情感合拍等因素，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否对比响亮、协调美观、情境合理，直接关系到作品的成败、优劣。对一个风景油画家来说，积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感怀和认识，以此才能抵达美感追求的最高境界。发现美是艺术家的首要任务，艺术家的眼睛是敏锐的，也是具有穿透力的。画家面对大自然时，会在事物表象中发现内在的韵律，这韵律在画家的内心世界中构成美感。 我想要探讨的是油画风景写生作为绘画专业的基础课程——画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，吸收传统师承方法的宝贵经验——有着其他写生课程所无法取代的意义。风景油画家要达到绘画艺术的最高境界，需要画家付出千百倍的辛勤努力。 艺术是心灵的写真，只有真诚才能动人。我在写生过程中，渐渐对油画风景写生有了一些体会和感受，认为任何一个画家都难以避免原生态景物的“挑战”，如果蔑视自然写生，初学者就会显得很盲目，画得杂乱无章，既没有主题，又无法感染人。造成这种情况的主要原因是：一是没有用心灵观察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不够；三是绘画基本功粗浅，造成不能够驾驭画面。作为初学者，我认为应该多画多思考多尝试。我认为要注意以下几点：一是经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提升认知能力和感悟能力；二是用心去体会和感受物象，认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性；三是多尝试用主观色彩去概括物象，不要一味“对景写生”；四是多看古今中外大师的作品，从中体悟色彩语言的准确表达方法；五是要广泛阅读古今中外与油画艺术有关的文学、哲学、音乐学、影视学、戏剧学等书籍，把个人经验汇入整个文化的源流，以此训练自身更高的艺术境界。 油画风景写生的观察方法： 首先，观察是首要因素，在还没有观察之前，不要急于动笔，先观察，后思考，然后再考虑画面的色、光、点、线、面和所承载的意义。实践证明，针对一个要写生的风景时，我们要用近一半的时间静静观察，反复揣摩眼前的物象，通过充分解构与分析，深思熟虑后开始严谨地构图。作为画家，要培养独到的观察力，比如面前的景物，什么地方使你激动，什么使你产生“诗情画意”，要在整个写生的过程中，紧紧抓住这个令你心动的兴奋点，至于画面中的其他景物皆为陪衬，这样写生起来，就会随心所欲，体味出运笔写诗的感觉。在写生的过程中，

中国山水画的意境模板

《中国山水画的意境》教案 一、教材分析： 追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重，小桥流水的清秀恬淡；山间云雾缭绕，小路曲折婉蜒；楼台耸立，船帆点点……让我的感受到画家对故土，对大自然的那份。那份痴性，带给我们充满情趣的，有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂，对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。 本课的设置，旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手，感受山水画独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习，力求改变过去过于注重技巧，过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解，从品味意境、享受意境，到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标 （1）、情感目标：本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解，了解山水画的成就及有关画家，使学生热爱中国传统绘画，感受自然与艺术的丰富多彩，从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。（2）、认知目标：①欣赏中国山水画作品，感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的，是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现，初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界，是山水画的灵魂。

（3）、能力目标：尝试选用（或作）一首小诗或散文，概括地表达出你所喜欢的山水画的意境；或用学过的笔墨技法，画一幅有意境的山水画，并配上自己喜欢的诗句散文。 2、教学重点： 通过对山水画构图、空白、墨色的分析，使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点： 中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么？ 4、学习材料： 教具：多媒体设备，山水画所需用具。 学具：风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。 二、教学过程 （一）图片欣赏，激发兴趣，导入新课 （多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》，这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。 师问：看画面你能想到哪首古诗词？ 生：毛泽东的《沁园春雪》 北国风光，千里冰封，万里雪飘。 望长城内外，惟馀莽莽；大河上下，顿失滔滔。 山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。 须晴日，看红妆素裹，分外妖娆。 江山如此多娇，

对梵高作品的鉴赏

对梵高的作品赏析 周昇1240109135 我是一个热爱美术的人，但是我从没有深入的理解过印象派的作品， 自从上了美术鉴赏这门课之后。我开始关注美术作品和印象派作品，尤其是梵高的作品我尤为的钟爱，我从他的作品看到生活的美。 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派代表性画家。1853年3月30日生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年七月29在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。 早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《拾土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。 《拾土豆者》在现存的梵高的油画中，这幅是最早期（埃顿时期）的作品。在这以前，虽然也画过数幅习作，但都没有保存下来，因此这就成为他的作品目录中登记的第一张。1881年秋，他从使用调色板的方法开始学习水彩画的画法，时常从埃顿前往海牙，求教于当时的名画家莫夫。信上曾叙述说，在莫夫处画了两张静物油画与两张水彩画。信尾又附言：“两张油画的主题是毛皮制成的小孩帽子，旁边放些土豆及甘蓝。”这一幅画是其中的第二张，他在下一封信上说：“这不能算是杰作。但总比以前所画的完整些，至少我相信有更逼真的感觉。

《塞纳河滨》 在他短暂而绚丽的生命历程里，文森特·梵高是世界上最孤独的人之一。从小就活在妈妈对死去的哥哥的怀念中，或许这就注定了他的性格比别人抑郁和多愁。 文森特·威廉·梵高的一生的艺术之路 早期作品包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881-1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里，梵高苦练素描技巧。就在这个时期他的第一幅在他的生命中的著名作品诞生了，《吃土豆的人》。 1885年11月底，梵高决定去安特卫普，在那里的3个月里，他努力的学习绘画并沉醉于其中。在此期间，他了解鲁本斯的绘画，接触到了日本浮世绘，这些都对他此后的绘画历程有很大影响。梵高此时期的作品延续了纽南时期的现实主义风格和深沉的笔触，但他也渐渐使画布变得明亮了些，色彩也丰富了些 1886年2月底，梵高来到“艺术之都”－巴黎。这里浓厚的艺术氛围使凡高兴奋，尤其是印象派绘画使他震惊不小。2年后，梵高渐渐厌烦了巴黎的城市生活。他并不满足于印象派的表现手法和思想理念，而他独特的个性告诉我们，梵高的绘画不属于任何流派。于是梵高带着希望来到法国南部，充满阳光的小城阿尔，迎来了他最辉煌的创作时期。 1888年2月，梵高在朋友推荐下来到法国南部小城－阿尔，并很快爱上了这儿。梵高在阿尔创作了大量的作品，但仍无法卖出以养活自己。《向日葵》《收获景象》《夜间咖啡管- 室外》《夜间咖啡座-室内》等是这一时期的代表作。

油画笔触的欣赏参考资料

油画笔触的欣赏 油画笔触是油画的表现语言。我们在欣赏一幅油画的时候，不太了解油画的人，常常会有许多困惑：为什么有些油画的画面，有的地方颜色堆得很厚？而有的地方却露出画布的底色？真如常人说的：油画是近看一块疤，远看一朵花吗？此话似乎有些道理，至少朴素地说出了油画的笔触和机理效果， 如果，我们从初略的油画历史说起。早期古典的油画作品多是平涂式的，如达芬奇、拉斐尔等著名大师，以及18世纪初的大卫和安格尔，他们都是采用此法。这种方法是用宽大的笔一遍又一遍地从暗部画起，最后加亮部，精雕细琢的直至完整地表达对象为止。我们再从绘画崇尚自然说起。长期以来的画家都是崇拜自然的，以表达自然为荣，或是迎合市场。他们的作品感觉光滑、细致，笔触磨得很光，几乎不易察觉，但这不等于说他们用色较少，他们在光感、质感上的追求仍达极高的水平。应该说，古典派画家在画面底层上做了很多功夫，只是喜欢用“扫”、“磨”甚至“揉”等绘画方法，表现画家自己对自然的理解和表现。如达芬奇的著名油画《蒙拉丽莎》，就是用这种方法完成的。这种绘画的方法细腻，具有照相术的视觉效果；这种方法也能在一定的范围内表达光感，以及素描效果较强。但这种方法较易束缚画家的个性，尤其在照相术发明之后（18世纪中叶），古典的、细腻的写实画风被工业文明所代替。可以说，是工业文明迫使画家在油画风格上趋向个性化，或者说是画家的生存不得不与照相术玩表现技巧。 我们从油画色彩理论上说，厚堆法的出现，是欧洲画家长期研究自然、光学、色彩学的成果。他们在照相术出现以后的绘画实践中，在表达一些质感和光感等方面尚达不到所追求的效果时候，逐渐加强了色彩层，厚厚地堆上颜色，使欣赏者看画的时候，常常要退后稍远一些看，神奇的效果才出现。诸如形象、立体感、光感才被表现出来。如最初出现“堆”颜色的画法是伦勃朗，他在《戴金盔的人》画面上，金盔就是经过了多次的厚厚重叠，使之成为“浮雕”似的造型方法得到表现金盔的质感，从而准确地表达了花纹的凹凸起伏，加强了金盔的金属质感，并和人面部的距离拉开。在这幅画里，光感、质感、空间感都得到了完美的表现。当然，伦勃朗的时代照相术还没有发明，而他的“堆”颜色的画法只是追求当然，初学油画的同学，由于在这种表现方法上的经验不足，初期的笔触总是显得拘泥杂乱，细节也多。而成熟的画家由于在个性方面大多趋向豪放，细节也相对减少了许多。如列宾、透纳的画，我们常常是只见到飞舞奔放的笔触，但也准确地表达了形与色，这与画家对技法的熟练，以及个人的感情也在他们的笔触中显露。这也印证了中国人所说的“字如其

刘宇一油画作品欣赏

刘宇一油画作品欣赏 刘宇一，1940年生，南京人。1960年毕业于中央美术学院附中。擅长大题材油画，专为国家领导人及名人画像。历任广西人民出版社美术编辑、桂林画院画师、广西艺术学院副院长、广西书画院副秘书长。现旅居香港，为香港宇一画院院长，南京大学、东南大学、洛阳大学客座教授。美国萨凡那艺术设计学院(国际艺术大学)人文学荣誉博士。第十届、十一届全国政协委员。 刘宇一是享誉国内外的著名油画家、国画家。他的作品《伟业千秋》被人民大会堂珍藏，《开国盛典》、《人民万岁》、《祖国万岁》被天安门城楼珍藏，作品《良辰》以两千三百万港币的天价被一家公司珍藏，成为当时中国画家作品的最高拍卖价，应邀为美、英、俄、日、卡塔尔、洪都拉斯、委内瑞拉等国家元首和港、澳、台名人作肖像画，珍藏于多国国家殿堂，影响深远。 刘宇一是新中国自己培养的国际上享有盛名的油画大师，他数十年来勤奋耕耘，创作了《良宵》、《良辰》、《伟业千秋》、《春回神州》、《女娲之歌》、《瑶池会仙图》、《和平颂》等一系列大气磅薄、显现中华民族“辉煌美”的宏图巨构，以哲思、诗意和浓郁的中国风情形成中西合璧、雅俗共赏的艺术风格。其巨作深受国际艺术市场瞩目，二十世纪末连续四

次创华人画家作品最高价位纪录。 他创作的巨幅（1000cm×200cm ）油画《博爱颂》，以180 多个国家首脑及知名人士为原形，描绘在人类迎接新千年之际，180 多个国家的元首和各界人士300 余人共同庆祝和分享这个伟大而独特的历史时刻的欢乐场面。寓意人不分种族，国不分大小，全人类要共同倡导团结和谐。联合国秘书长安南说，“ 《博爱颂》在维护联合国宪章的原则上起了重要作用” 。这幅油画作品因具有文献价值而载入人类文明史册。他为2008北京奥运创作的百米油画《奥林匹克颂》震撼了全球艺术界。画上的上千个人物，包括世界历史上的政要名流、著名运动员等，惟妙惟肖、栩栩如生，既形似更神似。 刘宇一爱好画画、收集石头，尤其是雨花石；最喜爱读古典文学作品；对他影响最大的人是他的太太和女儿。他的格言是“甘自苦来生妙境，愈能奋发展雄才”，奋斗目标是自己的作品为越来越多的人所喜爱。 在北京的龙脉上，珍藏着刘宇一的两幅大型油画——毛主席纪念堂的《良宵》和天安门城楼的《人民万岁》。1982年，中国美术界权威人士江丰在“人民日报”撰文称誉刘宇一为“热爱和尊重人民的艺术家”。刘宇一曾为200多位中国政要及各界名人画像，被作家丁玲称为“我国肖像画史上实属罕见的创举”。1991年定居香港后，多次应邀为日本等国元首

浅析油画笔触之美——以凡高的《星月夜》为例

浅析油画笔触之美 ——以凡高的《星月夜》为例摘要：在油画艺术领域中，笔触作为形式美的因素之一，是构成美的作品的重要的绘画语言，它以丰富的表现性和情感传达力在艺术家和观者的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁，显现着独特的审美价值。本文通过对凡高的《星月夜》这幅作品的分析，使我们更直观地了解到笔触背后所体现的审美内涵。 关键词：油画笔触美情感运动感 “笔墨等于零”是吴冠中先生提出的一个重要命题，他的意思是指：“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零”1。在这里，我们是否可以这样说“脱离了具体画面的孤立的笔触，其价值等于零”。只有当我们面对具体的作品时，我们才能体会到笔触给我们带来的美感；只有当画家运用不同的笔触运动形式捕捉对象的本质、恰到好处地表现自然与主体的内在节奏时，这样的笔触才具有了某种审美价值。现在我们就《星月夜》这幅作品来浅析绘画作品中的笔触之美。 《星月夜》是凡高最杰出的 代表作之一，凡高以其绚烂的色 彩和奔放的笔触表达着自己狂 热的感情。作品中，凡高疯狂地 使用笔触，激越而狂放，笔触那 强有力的主观表现力无不体现 着他此时此刻的作画状态，流露 着他智慧的灵性和坦诚的态度， 笔触成了他心灵的外化与象征， 是“生命寓于画家的画笔挥动所 留下的痕迹之中”2。作品中的油 画笔触作为一种独特的画面结构，在成就此幅作品美的同时，也成就了笔触自身美感，其本身就可以成为一种独特的欣赏对象，呈现着多方方面的审美特性。 一、笔触的运动美 在观看此作品时，给我们的第一感觉则是画面强烈的运动感。我们分析会发现凡高在作品中大量使用了短促细密的斜线笔触与长而卷曲的笔触。所谓斜线是指“画面中与画框边线不平行的直线”3，这就使人联想到钟摆、倾倒的物体、人的跌倒和前冲等，给人一惊险、运动、速度等感受。蒋跃在《绘画形式语言研究·多维视野下的绘画形式理论研究》一书中就描述到：“画面的形式结构线为斜线时它所起到的

《浅析梵高的绘画风格》全解

一、梵高的生平简介 文森特·威廉·梵高(Vincent Willem van Gogh，1853-1890)是荷兰后印象派画家，表现主义的先驱。1853年3月30日出生于荷兰北部一个名叫松特丹的小村，家中除了父母，他还有三个妹妹和一个弟弟提奥。梵高家族中有很多人从事过与绘画相关的工作，童年的梵高曾跟随富裕的伯父们住在豪华的别墅，那里有丰富的绘画收藏，身处在艺术氛围浓厚的环境。相对良好的绘画环境，造就了他的善良和对自然界、对动物、对花鸟，甚至鸟巢的倾心关爱和敏感。这些品质影响了他注定为爱情、友谊、艺术而献身的一生。 当梵高遭遇了痛苦的感情世界、悲悯的传道士以及自虐式的基督情怀和种种不幸后，终于他在生命的最后10年伴随着痛苦的冲突和摇摆中彻底的发现了自我。 二、梵高的绘画风格 梵高27岁时依靠弟弟提奥的支持正式走上绘画道路。在梵高十年艺术生涯中，曾辗转于海牙、德莱塞、纽南、安特卫普、巴黎、阿尔、圣雷米精神病院、奥维尔等地，绘画始终是他的精神支撑。虽然有时不得不像流浪汉一样到处漂泊，但艰难的岁月里梵高不知疲倦地探索着大自然，思考着对象身上本质的东西，在画布上深情地倾诉着其独特的美。 梵高绘画作品的许多特点中最有价值的是他对色彩的运用和表现。“未来的画家就是尚未有过的色彩家”是梵高的一句不朽名言，不仅概括了梵高的创作理念，而且揭示出色彩这一重要的绘画语言，当成为艺术家激情甚至生命的有机体时，便具有了一种艺术精神意义的深刻道理。在梵高之前，艺术家对色彩的认识有古典主义的固有色、印象主义的条件色，但没有一位像梵高那样将色彩提升到一种绝对的精神现象予以重视。印象派画家们把色彩提升到审美的重要地位，也仅仅是一种表层的自然再现，缺乏艺术感染的精神内涵。梵高对色彩的认识与创新并不是凭空臆想出来的，是在外部条件影响之下通过内在的动因而实现的。他接受了鲁本斯、德拉克洛瓦等画家那种以热情而奔放的性情抒发和饱满富丽的色彩表现的创作方法，并受印象派画家的启示，梵高调色板上的颜色变得干净而明亮起来，也学会了面对自然直接观察和感受的创作方法，当梵高结识了高更等一批具有强烈创新精神的画家时，他意识到艺术创新是艺术家的根本出路。 一个不能得到直觉充分推动的人，会像是一只进入赤道无风带的船一样，很难达到艺术表现的核心或极至境地，而真正的艺术家都有一种天生自然的推动力，一种直接的需要，可以把自己的情感思想马上表现为艺术形象不可。梵高自身具备了这一点，也做到了这一点，在色彩上表现出了非凡的创造力。他的色彩冲破了前期印象派对自然色彩真实反映的束缚，并开始大胆地随心所欲地使用色彩。尽管是面对自然写生，画面色彩已经带有抽象因素：不重视立体、空间和阴影的表现，只强调色彩的对比效果，这种抽象是主观情绪的表达，从而产生了装饰效果，他是通过使用光亮明快的夸张色彩、大色块的对比和绝对的黑白来实现这种装饰的。 梵高用最大的热情接受色彩鲜明、色阶丰富的印象主义绘画方法，并开始热衷于与这

向日葵油画作品赏析

向日葵油画作品赏析 在欣赏一幅油画作品时,主要从作品的思想内容、艺术技巧两个方面来鉴赏.油画起源于西方,任何的油画作品都需要靠视觉形象来反映一定的思想内容. 一方面油画作品所塑造的形象,把观赏者带到了画家所反映的一个艺术境界之中,引起思想感情上的共鸣,产生审美作用.另一方面观赏者又根据自己的生活体验来认识和丰富了油画作品的内涵.对一幅油画作品的理解,不同人所理解的深度是不一样的,它同观赏者的素质条件相联系.优秀的油画作品所传达的思想内容,起到了陶冶人的情操, 提高人的精神境界的作用关于艺术技巧上的鉴赏,要有对油画语言的认识和了解.油画的材料本身具有区别于水墨画版画、水彩的特点,这种材料之美是油画的一大特性. 技巧高超的作品体现在画家掌握了材料的特性熟练运用材料和工具来塑造形象.画面反映出了整体和局部的和谐关系,丰富和统一的对立关系. 《向日葵》是凡.高在法国南方时画的.南方阳光的灿烂令画

家狂喜,他用黄色画了一系列静物,来表达内心的感受,《向日葵》便是这时的代表作.画家以短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼,每朵花如燃烧的火焰一般,细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面,整幅画尤如燃遍画布的火焰,显出画家狂热般的生命激情. 《向日葵》的色彩是用不同明度、不同纯度的黄色绘成的,黄色的背景,黄色的花瓶,黄色的花.深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄、土黄,只用了少量的深绿和草绿画枝干和叶子, 配一点天蓝色的花蕊.凡高把色彩用绝了.他把黄色使用得如此动人,使黄色发挥出感人的魅力.你看空气中流动着金色的阳光,瓶中的向日葵生气勃勃地张开花瓣,尽情地吸着空气和阳光.饱吸了阳光的花朵似已融化在空气中,深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄色的花辩,多么辉煌,多么灿烂夺目.凡高把心中全部的爱赋予可爱的向日葵,向日葵也为凡高吐出"爱的最强光"《向日葵》中注入的是凡高心中强烈的感情,令人震撼、令人感动,这就是《向日葵》所产生的魅力.他怀着强烈的感情不厌其烦地画他最喜欢的向日葵,强烈地表现画家对这一客观事物的主观感受.他擅长使用强烈的色调,充分发挥色彩的感情因素,使色彩成为他表达思想感情的重要手段,这便是凡高艺术的重要特色. 植物油画素材：https://www.sodocs.net/doc/2611600611.html,/img/98_679.aspx

一种多笔触各向异性梵高风格油画的渲染方法

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/2611600611.html, 一种多笔触各向异性梵高风格油画的渲染方法 作者：王涛高贤强 来源：《计算技术与自动化》2017年第02期 摘要：为使计算机模拟出更逼真的流体风格（涡旋状）梵高油画特效，本文提出了一种 多尺度各向异性偏微分方程的模拟方法，该方法利用P-M和J.Weickert加权模型在滤噪音时产生的虚假条纹来模拟梵高油画的涡旋状，并在油画绘制时给图像平坦区域加入高斯噪音和采用多尺度弧形笔刷的技术来处理整个渲染过程。实验结果表明：本方法除了很好的模拟了梵高油画的抽象效果外，还增加了油画的层次感和更多的涡旋状。 关键词：梵高油画；流体风格；涡旋状；多尺度弧形笔刷 中图分类号TP31 文献标识码：A Abstract： To make the computer simulation of a more realistic fluid style （vortex） van gogh painting effects， this paper proposes a multi-scale anisotropic partial differential equation of the simulation method， the method using P - and j. m. eickert weighted model in filtering the noise produced when the false stripes to simulate the van gogh painting of spirals， and joined to the flat areas when drawing oil painting gaussian noise and using multi-scale curved brush technique to handle the whole rendering process. Experimental results show that this method is very good to simulate the van gogh painting abstract effect， also added administrative levels feeling of the painting and more vortex. Key words： Van gogh painting；Fluid style；Vortex shape；Multiple scale Curved Brush 1引言 随着计算机图形学硬件和算法的不断发展、改进，非真实感绘制（NPR）逐渐成为计算机图形学的研究热点之一。梵高作为后印象派画家，其画开辟了用色彩表现艺术家主体情感世界的一条道路，画中强烈的色彩、涡旋状和人物情感的融入，震撼观者的心灵[1]。近几年，出 现了几种模拟梵高油画效果的方法：文献[2]提出一种流体模拟算法，虽能得到较好的效果， 但过分依赖参考图的流体线条；文献[3]则采用自适应LIC绘制流体方法，得到图像的涡旋状 效果不强烈；文献[4]提出了流体参考图的融合方法，其缺点是参考图纹理的丰富程度以及图 像融合算法的好坏直接影响油画的最终效果；文献[5]提出基于矢量场可视化的绘制技术，该 方法虽然效果不错，但油画的层次感不强；文献[6]提出一种实现流体风格梵高油画特效的方法，采用偏微分方程进行模拟，缺点是忽略掉许多图像细节、缺乏层次感，其效果见图1、图2。本文在文献6的基础上进行一系列改进，务求达到最佳效果。

谭建武油画作品欣赏

谭建武油画作品欣赏 谭建武油画作品欣赏 转自：网易- 李梨的日志 谭建武，男，1971年出生于湖南耒阳，1991年毕业于湖南师范大学美术系，之后受聘于《深圳青年》杂志社美编，1993年从事职业油画创作至今。作品崇尚新古典主义风格，画功深厚朴实，尤其在古典肖像画领域颇有造诣。曾为多位政商界精英绘制肖像，多幅作品被海内外机构和私人藏家收藏。现为上海大东方当代艺术中心画家。

《一缕阳光》获建国60周年当代油画展优秀奖，中国美术家协会主办，《美术》2009第6期刊登。《姚明》“中国百年体育明星风采油画大展”三等奖，国家体育馆“鸟巢”。《信天游》“艺术中国制造上海当代艺术展”上海大东方美术馆。《世纪伟人邓小平》上海意得画院开幕邀请展，上海大东方美术馆。《月光下的旋律》中/意当代名家精品展上海国际会议中心。《西藏儿童组画》2011年“东博西画”艺术精选作品展上海东方网博宝艺术网。 （李梨根据网络资料编辑收藏） 当看到这样充满了情绪的儿童绘画作品在博宝宝珍商城中出现，带给我们的是前所未有的震撼。画家谭建武先生用不同以往的艺术语言，把一张张如此纯美的儿童为主题的油画展现到我们的面前，将儿童那最为闪光的亮点作为整个系列的一个表达主题，再次完美诠释了儿童那天真烂漫的生活状态和精神面貌。 在人物油画作品中，很多人都会选择儿童或者老人，这是在我们人类中最具有特点的一段生活时间，处于成长初期的儿童，他们有着太多我们成人早已失去的精神状态，相信每一个看到谭画家在博宝宝珍商城中展出的西藏儿童油画系列作品时，都会被其深深的吸引，被其深深的打动，在这样成

浅谈油画风景写生的方法

浅谈油画风景写生的方法 王寿辉 指导教师：郭仁海 内容摘要：油画作为一种外来的艺术形式，在中国的发展已百年有余。中国油画在百年的发展过程中，取得了令人瞩目的成就。油画风景是“世界语”，是人类心灵与万物深切联结的恒久方式之一，其本质是对生命的强烈热爱和深远关注。在中国油画空前繁荣的时代背景下，中国的风景油画也得到了迅猛的发展，使得国内出现了许多专门从事风景创作的油画家，如张冬峰、任传文、赵开坤等。本文从基本的油画风景写生的方法来阐述如何才能够画出一幅好的风景油画作品。 关键词：油画风景观察构图色彩 引言 油画作为一种外来的艺术形式，在中国的发展已经有百年有余。中国油画在百年的发展过程中，取得了令人瞩目的成就。油画风景是“世界语”，是人类心灵与万物深切联结的恒久方式之一，其本质是对生命的强烈热爱和深远关注。在中国油画空前繁荣的时代背景下，中国的风景油画也得到了迅猛的发展，使得国内出现了许多专门从事风景创作的油画家，如张冬峰、任传文、赵开坤等。那么如何才能够画出一幅风景油画作品呢？本文将从以下几点加以论述。 一、如何观察与选择对象 绘画的过程是一个审美与艺术创作的过程，艺术创造的过程，就是指运用色彩将生活中的各种素材转化为具体的艺术形象。整个过程都要遵循艺术创作的规律。任何优秀艺术作品的产生都是源自于艺术家对自然的观察感受，然后通过自己得想法，再借助于各种不同材料，成为佳作。 美术家阿恩海姆在论著中说：“如果我们的眼睛是父亲，那么手便是母亲。艺术作品的产生靠眼与手的高度合作。艺术家们在他们的艺术实践中总是把观察放在第一位的。”由此可见，观察对于艺术家来说，是极其重要的。艺术的创作也就是通过观察，深入自然，产生心灵的愉悦，以饱含的情感在画布上尽情的表达，但我们所说的通过观察深入自然，并不是强调对自然的模仿，而是用心感受自然，寻找一种感动。从日常生活的方方面面去寻找，或许感动你的只是墙角的

中国山水画的意境分析

《中国山水画的意境》教案 一、教材分析: 追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分,是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重,小桥流水的清秀恬淡;山间云雾缭绕,小路曲折婉蜒;楼台耸立,船帆点点……让我的感受到画家对故土,对大自然的那份。那份痴性,带给我们充满情趣的,有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂,对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。 本课的设置,旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手,感受山水画 独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习,力求改变过去过于注重技巧,过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解,从品味意境、享受意境,到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标 (1)、情感目标:本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解,了解山水画的成就及有关画家,使学生热爱中国传统绘画,感受自然与艺术的丰富多彩,从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。 (2)、认知目标:①欣赏中国山水画作品,感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的,是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现,初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界,是山水画的灵魂。 (3)、能力目标:尝试选用(或作)一首小诗或散文,概括地表达出你所喜欢的山水画的意境;或用学过的笔墨技法,画一幅有意境的山水画,并配上自己喜欢的诗句散文。

2、教学重点: 通过对山水画构图、空白、墨色的分析,使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点: 中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么? 4、学习材料: 教具:多媒体设备,山水画所需用具。 学具:风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。 二、教学过程 (一)图片欣赏,激发兴趣,导入新课 (多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》,这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。 师问:看画面你能想到哪首古诗词? 生:毛泽东的《沁园春雪》 北国风光,千里冰封,万里雪飘。 望长城内外,惟馀莽莽;大河上下,顿失滔滔。 山舞银蛇,原驰蜡象,欲与天公试比高。 须晴日,看红妆素裹,分外妖娆。

人美版《美术》4年级下册16课——画家梵高

人美版《美术》4年级下册16课 画家凡·高 单位：中原区秦岭路小学姓名：王晶 教学目标： 1、初步了解凡·高生平及绘画风格，知道如何对一名画家进行专题研究和学习。 2、能用简单的文字对凡·高的作品进行欣赏评述，能查阅、搜集相关资料。 3、通过了解、分析凡·高的一生，学习凡·高对艺术热情、执著、勤奋创新的精神。同时感悟人在逆境中应该怎样调整控制好自己，成为一个积极健康的人。 教学重点：初步认识和了解画家凡·高及其作品。 教学难点：通过欣赏凡·高的作品，感悟他内心的艺术表现情绪。教学流程设计： 一、导入： 由FLASH动画导入。 师：刚才我们欣赏的是一段关于环保方面的动画，同学们知道短片里的人物是谁吗？ 生；是凡·高。 师：是从哪看出来的，真聪明，那么关于凡高你们都想知道些什么呢？生：回答

师：今天就让我们带着这些想知道一起通过学习走进凡·高，走进凡·高的油画。 二、欣赏体验 1、整体感受凡高 师：通过课前的搜集，关于凡高你都知道了什么？谁能简单的介绍一下。 生：学生根据搜集汇报知道的凡·高。 师：引导学生简单的概括一下凡高早年的生活状况。（引导学生说出：凡高早年的生活非常的贫困，但是他很善良，经常和穷苦的人在一起，给他们一些帮助，虽然凡高也做过很多工作，但都是因为这样那样的原因没能做下去，于是凡高选择了绘画作为他一生的追求，那么凡高的绘画生涯是一帆风顺的吗？凡高的画又有什么特点呢？首先我们来看凡高绘画早期比较代表性的一件作品。——《吃马铃薯的人》。 2、引导学生欣赏《吃马铃薯的人》 （1、）看到这幅画你感受到了什么？ 引导学生谈，是从阴暗的色彩感受到了贫穷，从粗糙的手看出他们是普通的农民。 （2、）引导学生体会出凡高极具个性的绘画。 凡高在给弟弟的信中是这样评说这件作品的：“我想清楚的说明那些人如何在灯光下吃土豆，用放进盘子中的手耕种土地……老老实实的挣得他们的食物。”教师由此引导学生概括出凡高是想通过这幅画真实的再现普普通通的农民形象，但这中真实是凡高加工后了的真实，

美术鉴赏论文关于梵高

美术鉴赏论文 摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。 关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏 一、对绘画的鉴赏 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。 荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。 梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。 梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。 他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老

论梵高艺术及其启示

河南理工大学 论 梵 高 艺 术 及 其 启 示 学院：电气学院 专业：自动化 班级：08--2班 姓名：郎文福 学号：310808020211

一、梵高的生平与艺术 文森特?威廉?梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。 文森特·威廉·梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东·莫夫学画，但最后还是决定自学。在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊：“明亮一些，再明亮一些!”但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂，他为了证明自己的观点，割下一只耳朵，并在之后做了一副自画像。梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。1889年5月他被送进离阿尔一公里的圣雷米神经病院，成了彻头彻尾的精神病人。也正是在这段时间，梵高的绘画突飞猛进，风格迅速形成。然而这奇迹的代价却是一个灵魂的自焚。1890年，经过圣雷米的德莫索尔精神病院的长期住院治疗，病势稍有好转后，梵高回到巴黎，住在瓦兹河畔的奥韦尔，接受伽塞医生的专门治疗，并勤奋作画，作有《伽塞医生肖象》、《奥韦尔的教堂》等。但是，在1890年7月29日，在同伽塞医生发生争吵之后，梵高在麦田里开枪自杀，结束了自己的生命，逝年37岁。

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧

湖南工业大学硕士研究生课程考试试卷 考试科目：书画研究（A 卷）课程编码： 考试形式：开卷（开/闭卷）考试时间：分钟 适用年级：一年级学年学期：2011-2012 学年第一学期考生学号：M11050403004考生姓名：侯鹏飞考生专业：美术学 考生注意事项：1、本试卷共页，试卷如有缺页或破损，请立即举手报告以便更换。 2、考试结束后，考生不得将试卷、答题纸和草稿纸带出考场。 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 题目： 选取一个与“中外美术史”密切相关的论题，写一篇不少于3000字的学术论文。 要求： 1、符合学术论文写作的规范（包括标题、摘要、关键词、注释、参考文献等的写作规范） 2、要写出一定的新意。严禁抄袭。 3、请提交打印稿。

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧 摘要：写实风景油画可以说是历经了整个油画的发展历史，虽然在照相机问世以后， 众多画派画家对于写实风格的绘画存有偏见和争议，但它能仍然存在至今，并被 广大绘画爱好者所钟爱，就一定有它不可替代的原因。 希施金的绘画原则是“临摹画不应当加上想象”。我是不是可以理解为希施金认为 写实画作，应该充分尊重客观事实？答案显而易见，这也论证说明了写实油画的 特点，客观性和真实性。希施金的风景油画作品构图饱满充实，仿佛是自然环境 随意切割的一块，而未加任何修饰。但是这样的构图又是照相机不能比拟，也是 不可取代的。从某种意义上讲，或许这正是艺术的灵魂所在。 那么希施金的风景油画艺术具有什么样的特点？他的写实风景油画中典型的 创作素材有哪些？而这些素材又有怎样的绘画技巧？带着这些问题，接下来我将 做详细的阐述。 关键词:希施金绘画技巧创作油画 一、希施金风景油画的创作背景及其艺术特点 1.希施金风景油画的创作背景 伊凡·伊凡诺维奇·希施金（Ivan I. Shishkin）（1832—1898）是十九世纪后半叶现实 主义风景画的奠基人之一,巡回展览协会的会员与 创始人。 希施金自幼就生活在丛林之中,对丛林怀有深 厚的情感,这也使他获得有关丛林的很多常识,从学 画起就立志画大丛林。在学习绘画期间，他的导师 也都一致支持他对俄罗斯大自然的创作兴趣，赞成 他在艺术上专以描绘森林、树木为己任的独立发展 道路的选择。 图1 他为了描绘大自然的造化，不知疲倦的跋山涉 水，进出森林，写生作画。他一直没有停止对松树的描写，画了大量速写和习作。 这期间，他对树木、野花、杂草的写生与精心研究，甚至达到了科学家般的程度。 他以自己毕生的精力长期严肃地进行森林风景的创作，描绘俄罗斯北方大自然的 宏伟壮丽。他笔下的森林已不是单纯的写生而是溶进了他对祖国壮丽山河的热爱，

浅谈油画创作中情感的表达

浅谈油画创作中情感的表达 摘要： 法国艺术家罗丹说:“艺术即感情。”艺术是情感的表达与宣泄，而油画是艺术家表达个人情感的一种方式。每一件油画作品都是艺术家个人情感的集中体现，我们甚至可以从艺术作品中感受到艺术家创作时的自我状态，这正是油画的魅力所在。因此，情感作为油画创作的基础其意义是值得我们反复推敲与研究的。 关键词： 情感表达艺术语言审美意义 引言： 艺术即情感的表达，情感作为艺术家创作的基础与来源，显得尤为重要。油画创作过程中艺术家通过不同的艺术语言表达内心的情感，作品在艺术家组织与安排的过程中反映出艺术家的内心情感与思想。一件优秀的作品必然倾注了艺术家炽热的情感，意大利理论家阿尔贝蒂说过：“一幅叙事画，如果画在其中的人物明确的显示出他们的热情，会激发观者的感情。”所以好的艺术品是艺术家情感的倾注与观者情感的高度共鸣。

一、油画创作中的情感表达 艺术即情感的表达，情感是艺术家创作的基础。艺术作为一门语言，更多时候是一种交流的方式。这种交流不仅是艺术家与作品之间的交流，同时也是艺术家与观者之间的交流。油画作品作为一种交流的媒介，必然是一种感情的传达。无论是艺术语言的形式、或是造型语言的形式都是基于情感的来源。油画的创作源于艺术家对生活的理解与感悟，即艺术源于生活而高于生活，这也是艺术家有别于常人之处，艺术家更多的时候脱离了世间万物的物质表现，而过去感受世间万物的喜、怒、哀、乐。以梵高的《向日葵》为例，几株日常的植物，梵高赋予了深刻的自我情感，使整个画面充满了生命力，每一位观者被这种生命的力量所打动，万物皆有灵，用心去感悟生命的力量、感悟万物的情绪，去认识去理解万物的存在和万物谈一场恋爱，甜蜜的苦涩的。 二、不同的艺术语言在油画作品中的情感表达 1、色彩在油画作品中的情感表达 一般来说，凡从情感体验中生发出来的艺术，或多或少地都带有“自传”的性质。从色彩方面来说，在油画创作创作过程中，色彩是最具有情感特征的。每一幅作品的用色都是艺术家内心情感的写照，每一种颜色本身就带有不同的性格色彩，白色象征纯洁，蓝色代表高雅等等，当这些颜色经过艺术家的处理呈现出一幅画作的时候，带给观者的是一种心与心的交流。马蒂斯作为野兽派的创始人，以用色鲜明、大胆而著名。他说：色彩的选择不是基于科学，我没有先入之见的运用