教你如何拍摄唯美油画、国画风格---画意摄影用光

一、油画风格

（一）灯光：

首先，从光源特性上，低色温的持续光源是首选。油画一般具有凝重的影调感，光影效果强，相比闪光光源来说，持续光更容易控制和表现效果，一般常用太阳灯、石英灯、钨丝灯等。目前国际上最先进的灯具是HMI光源，这种光源色温与太阳光相近，使用频闪的模式发光，由于闪动的频率高达100 fps -200 fps，几乎可以视为持续光源。

HMI 灯具没有一般钨丝灯的高热缺点，色温又与闪光灯相同，因此被视为一种相当理想的采光装置，近几年日本的专业摄影棚中也开始大量地采用。不过它的价格高，使用寿命亦不像闪光灯那么长。至于国内的太阳灯等的色温据说也可以达到5500K，但在拍摄中受较大限制就是功率小，必须使用大光圈慢速度高感光才能达到正确曝光，而这样又会影响影像品质，所以大部分影楼还是以闪光源为主。

那么，我们在拍摄中使用太阳灯、钨丝灯等持续光源需要注意的几点是： 1．此类灯具由于温度较高，所以拍摄时首先要注意安全性，切不可在灯具上覆盖易燃品。

2．在拍摄中，不要频繁挪动灯具，由于温度较高灯丝易碎，所以最好的使用方法是根据需要先确定好灯位再开通电源，变换光位时也应轻拿轻放。

3．一般都要配合使用反光板。

当然，闪光光源也是可以用来拍摄画意的，但效果相比较持续光就有了很大差距。

其次，在光位运用上，油画布光基本上都是以单灯或者单组光源为主，并且需要加上辅助光源修饰光效，使明暗影调过度自然，亮处不应过曝无层次，暗处不可死黑无细节。一些常用的基本光位，如三角光（图1）、蝶型光（图2）、全侧光（图3）、伦布朗光（图4）都可以用在油画效果的拍摄中。

图1 三角光

图2 蝶型光

图3 全侧光

图4 伦布朗光

（二）类型：

从拍摄内容上，可以大致分为几种，不同的画面效果又需要不同的灯光效果来表现：

田园：此类风格拍摄具有外景的特点，多数具有一定的场景及光线特点，所以，在拍摄中，我们首先要观察的是背景画面本身已具有的影调特点，再根据背景选择与之相协调的灯光效果，使画面表现出强烈的立体感和纵深感，摄影师一定要了解不同附件所带来的不同光影效果。如图5。

图5

环境：具有一定环境特点的布景配合与之协调的道具，并且灯光的作用除表现人物性格外，还要能让人物与背景环境协调一致。如图6，根据背景上所体现的光效，选择了标准罩带来的硬光效果来拍摄。如图7，以单灯配合反光板，强调了一种环境氛围。

图6

图7

肖像：以表现人物的形象刻画人物性格气质为主。这类作品拍摄较为简单，但模特的气质形象把握较为复杂。如果要体现人物自然柔美的感觉，就可以选择光比较小的光线来拍摄，并且可以选择带有柔光罩的光源来拍摄；如果要体现神秘、性感或个性的感觉，就可以采用硬光来拍摄，并且光比可以大一些。

二、国画风格

国画风格可以从两个方面探讨：

（一）仕女图效果：模仿古代仕女的形象，以空灵明快的主题为主。

从用光上说，要明快、柔美，不应出现太重阴影，整体色调浅淡一些，一般采用多灯拍摄，人物面部明暗反差不要很大，光比要小，可用加柔光箱或反光伞的灯从正面照亮人物，也可用低位光消除阴影，还可以运用大面积光源或者间接反光。

以图8为例，为了营造干净柔美的效果，一共使用了五盏灯，四盏反射间接光做天空光，时画面弥漫着柔柔的光线，人物被笼罩在其中，另有一灯从正面打光，突出了人物。

图8

（二）水墨画效果：选择合适的布景道具，使画面具有浓淡相生的水墨画效果。

中国水墨画的用墨之妙，在于有浓有淡，浓谈相生相融，浓与淡都要有层次。同样道理，拍摄水墨画效果的照片也要做到画面明暗对比有丰富的层次，所以在灯光的运用上也大有说法。光即色，在拍摄此类照片时，一定先要观察背景画面效果，根据背景色调深浅来布置灯光影调，现场光源方向要与画面光源方向一致，灯光明暗也要与背景明暗一致。

如图9，整体色调黑白为主，且偏于浓重。背景中光源的方向是从画面左上方照射的，所以，主光也用在了左上角，而右边部分为画面深色部分，所以拍摄时也就只用了反光板产生大光比以符合画面本身影调。再如图10，选择了白色背景，效果为偏高调，光线比较柔和，配合后期的水墨制作，更加突出了水墨效果。这里值得一提的是，在拍摄墨水的时候，为了体现墨水飘动的效果，可以用一个装满水的白色大碗，滴一小滴墨水在水里，利用羽化光来进行拍摄。

图9

中国画论总结

中国画论期末考试总结 1.“解衣般礴”，是借用画画的故事讲道家“任自然”的思想，本意原不在论画，但这种不受世俗礼法束缚的思想，却道出艺术创作的特殊性，即艺术家创作时应有的精神状态。 2王充论画《论衡》书中有关美术的主要论点有： ①提出美术反应现实，反对“尊古卑今”②反对绘画宣扬鬼怪思想。③认为绘画的功能不如文字著作④混淆了神话与“虚妄”的界限 3陆机：“宣物莫大于言，存形莫善与画” 4顾恺之绘画理论的贡献：是我国杰出的理论家主要针对人物画和肖像画 ①明确的提出了传神的重要性②提出了反映生活的“以形写神”论③重视人物与环境的关系④提出体验生活的“迁想秒得”论 5“迁想秒得”论：它的含义是提倡画家于绘画对象之间的主观与客观联系，画家作画之前首先要观察、研究描绘的对象，深入体会，揣摩对象的思想、感情，这是“迁想“画家在逐渐了解和掌握对象的精神方面的特征，经过分析，提炼，获得了艺术思想，这是”秒得。迁想秒得的过程，也就是形象思维活动的过程。 6郭若虚《图画见闻志》谢赫《古画品录》姚最《续画品录》提出“心师造化” 宗炳《画山水序》王微《叙画》唐： 7论绘画用笔：随着绘画的发展，中国造型的主要手段和形式美的表达手段的用笔也不断的发展由稚拙到精美，由单一到丰富。张彦远从四大画家的用笔，总结了以下理论： ①书画用笔同法指出中国画与书法用笔有相同之处。②笔法不同，风格相异。 ③意存笔先，画尽意在。 8“外师造化，中得心源”张璪它概括了画家创作过程中反映客观事物与主观思想情感的联系作用，外师造化是画家从客观事物汲取的创作原料，忠实于他描绘的对象。但仅仅停留在这一点事不够的，画家还必须进而对他表现的对象作分析，研究，评价，在头脑找那个加以改造，这就是心源，外师造化与中得心源有机的结合起来，才是正确的完整的创作过程。宋：9减笔画的开创者石恪郭思的《林泉高致》提出三远 10邓椿《画继》刘道醇“六长”①粗卤求笔②僻涩求才③细巧求力④狂怪求理⑤无墨求染⑥平画求长 11论画家的修养：宋代从理论上就重视画家的修养，并把画家的修养作为评画或创作的一种标准，宋人提出的画家的修养包括三个方面：一是文学造诣、二是生活经历、三是艺术传统的研究继承。元： 12李衎的画竹论，是我国第一篇进画竹的技法理论 13赵孟頫的作画贵有古意与书画用笔同法论柯久思《竹谱》钱造“士气说” 倪瓒的“逸笔”与“逸气”说苏轼的“论画以形似，见与儿童邻” 14黄公望“作山水必以黄为师，如吟诗之学木地”《写山水决》邪、甜、俗、赖、生熟明：15王履《华山图序》李开先《画品》 16徐渭论画：他是明代富与革新精神的画家、书法家、文学家、戏剧家 ①借物抒情②重气韵，不拘成法③用笔优劣在于生动与否 17莫是龙、董其昌、陈继儒、沈颢提出山水画的南北宗论，这是中国绘画史上第一次关于画派的理论。清 18王原祁代表拟古思想恽格的“摄情”说邹一桂的“活脱”说金农扬八 19石涛的艺术思想：⑴法与化①有法必有化②我有我法⑵“法”与生活⑶物我交融⑷不似之似

国画的基本要领有哪些

国画的基本要领有哪些 无论学习哪一种，素描、色彩都是基础，国画练的是笔法，素描练的是绘画基本功，国画虽然讲究的是意境，但是造型水平的要求也是极大的。 素描是属于对形体感受的一种很好的训练形式，对于把握对象的体量及其明暗关系的分析都有相当大的协助。素描的训练是一个循序渐进的过程，从简单的几何形体到简单静物，逐步开始画一些石膏头像，然后到真人头像（头像、半身像、全身像） 练习素描对国画起的作用： 1：空间关系，也就是绘画中常说的“近实远虚”“近大远小” 2：造型水平，在创作或者写生当中能够很好的把握型的水平。 色彩的训练也必不可少。能够从开始训练小的色稿（16开就行）训练小色稿能够更好的提升一个人在绘画当中的色彩整体把握水平。然后逐步的简单的静物到多个静物。到人像写生~~ 练习色彩对国画起的作用： 1：纯度在国画中做到“近纯远灰” 补充一点还有就是明度上的关系。也就是黑白关系一定要拉开~~ 速写更是必不可少的，它能过锻炼你迅速而准确的观察力，使用简练的线条，扼要地描画出对象的神态、形体、动作等。它是培养作画者敏锐的观察力和迅速把握对象特征的概括力的重要绘画手段，也是记录生活，积累创作素材的重要手段。 素描色彩速写3着之间有着不可分的练习。以我多年学习绘画的经验，在学习一段时间的色彩之后会多素描上也会有很大的提升。速写也是，画的多了，素描也就进步了。

书法学过了,你学国画的话,会比较得心应手,因为你大概的空白关系,章法,和对毛笔的使用方法都会比叫顺手,学得自然要比直接学国画 来的快,效果好. 仅仅国画当中多了一些自己的东西，入“意蕴”“气息贯 通”“夸张”“写意”之类的 画的多了这些都是在以后绘画国画当中逐渐慢慢领悟到的~~~一直 以来，对学国画的顺序从没有过疑惑，不过越来越多的人在网络上发 表自己的见解，觉得应该先学写意（还是大写意），再学工笔，觉得 实在是有点莫名其妙，难道传统之于某些国人，真的是越行越远了吗？ 当然，感慨是一回事，默不作声或者大声疾呼是另一回事。仔细 思索“先写意后工笔”的意见，觉得有几种可能： 一、此人确实不懂画（至少不懂国画），从小接触的更多是偏向 于西画的教学模式，那么对中国画的基础流程不了解也无可厚非，说 错了也不值得深究，不过是惹方家一笑； 二、此人学过国画，但可惜的是，授业的恩师是个国画半吊子， 或者自学于西画体系，对国画工笔和写意所知，简直是“一张白纸”！ 三、此种人就值得商榷了，实际上明白先学工笔再学写意的道理，却睁着眼睛说瞎话，装着笑脸办阴事，实则是妄想知识垄断，愚弄外 行人的可笑行径，觉得少一人明晓，就多一分主动，然泱泱大国，概 小人唧唧焉？ 作者以前见过有先教写意后教工笔的学习班，而事实上，学完写意，工笔到底应该怎么画，师傅和徒弟都没谱，铅笔与毛笔齐飞，国 画与西画共融一炉，没骨跟勾勒共称，生宣和熟宣更是一概不分，一 言以蔽之：使西画之技法用国画之工具，行煌煌之笔意，极尽仿写意 之能事，此西画教学体系下出炉的学生，为了谋求生路抗起国画的教 学大旗，却因苦于对传统绘画的知之甚少而肆意曲解国画风格的结果——那必然是不伦不类，学了丝瓜就只能画丝瓜，而不能画冬瓜、西

《水墨山水画》教案

《水墨山水画》教案 教学分析 知识与技能： 通过对名作欣赏，了解水墨山水画的历史演变、表现语言、风格特征，并对一件山水画作品尝试进行欣赏评述。 教学方法 通过欣赏、探究、交流等活动，掌握水墨山水画的欣赏方法。 情感、态度与价值观： 感受水墨山水画的独特语言，理解山水画不是模仿、复制自然，是画家内心世界的呈现，以激发对传统艺术的热爱。 教学重点 水墨山水画的表现语言、表现形式、欣赏方法。 教学难点 水墨山水画作品意境营造的欣赏。 教学过程 一、交流导入 我们到山里去旅行，常常会发觉大自然的伟大。山中的巨石，高耸的树木，峡谷里奔流的小溪，这些景物给我们一种莫名的感动，使我们很想画下来。山水画的根源便来自我们内心对山水的喜爱。可是，要把高山大河画在一张小小的纸上，是很困难的。中国的画家们是如何表现这些景色的呢？ 思考： 山水画以描绘山水自然风景为主体，它不仅仅是对自然景物的描绘，在山水画中我们还会探寻到什么？中国山水画又为什么不称为风景画？

有没有同学欣赏过中国山水画？我们一起来赏析山水画，探寻山水画的独特之美。 今天的知识点比较多，我们分小组进行归纳： A组隋唐（青绿山水）、B组北宋（水墨山水）、C组南宋（水墨山水）、D组元（文人画）。 二、欣赏解析 魏晋是中国山水画的萌芽期，山川树石画法幼稚古朴，所谓“人大于山，水不容泛”，体现了早期山水画的特点。 xx： 《游春图》是我国已知存世最早的一幅独立的山水画卷，以春游为主题，画幅虽不大，场面却开阔。辽阔的水面为远近的山坡所环抱，画中湖水融融，青山叠翠，白云缭绕，桃花绽开，一派春和景明，树木、亭台、船只等将游春的环境点缀得富有生活气息，可以感受到春山带给我们的大自然表情。 画中人物虽小，却描绘的很具体。或乘骑于山径，或泛舟于湖上，姿态各异。画中的山用石青、石绿染出一片明媚的春色，展子虔的这种画法发展到唐代的李思训，便形成了“青绿山水”，被后世誉为“唐画之祖”，成为中国山水画中一种独具风格的画体，有的还勾以金色，称为“金碧山水”。作品中人物与山水有了恰当的比例，丈山、尺树、寸马、豆人形象的描绘了相互之间的比例关系。 基本信息 作者 图形内容 表现手法 艺术特色绢本设色，43×80.5厘米，北京故宫博物院藏 展子虔（隋）

中国的水墨画具有独特的风格

中国的水墨画具有独特的风格，它的特点是运用水墨的浅深浓淡来表达各种事物所具有的光与色。施用水墨，大体可以分为“焦”、“浓”、“重”、“淡”、“清”五种墨度，古代的画论上称作墨“彩”。水墨画在多种多样的中国画中，有其独特的地位。 中国人使用墨作为书画的物质材料起源很早，长沙出土的晚周帛画是不是用墨画的姑且不谈，其它如敦煌一带出土的用墨写的汉代简札(“流沙坠简”有影印本)，吐鲁蕃附近出土的“木乃伊”被服白绸上用墨写的东汉初年的年号(有印本)，晋唐以来各家的墨迹等等都是研究这个问题最好的例证。中国墨具有以下各特点： 一、用毛笔书画。无论毛的软硬，一律保持运笔的灵活，不粘、不涩、不滞。 二、经过若干年，对于木、绸、纸、绢等物质不发生腐蚀作用。 三、墨色经久不消退不变化。 四、遇日光或热，仍保持黑色。 五、画在纸或绢上，就是画得细如游丝，再经水染，也不动摇，不渗晕。有强韧的凝集附着力量。 “汉宫仪”上说：“尚书令仆丞郎，月赐隃麋大墨一枚，小墨一枚。”隃麇是地名，在今陕西开阳县东．是汉代松烟及墨的产地。后汉许慎作的“说文”上说：“墨者黑也，松烟所成土也。”汉末三国时，皇象论墨说“多胶黝墨”。根据这些古文献的记载已可证明起码在纪元前二百多年——已经在隃麋这地方，用松烟制成“大块”、“小块”的墨。在许慎只说“松烟所成土”。到了皇象，才说明所以制成为“大块”“小块”的是“多胶”的缘故。 东魏(第六世纪)贾思勰作的《齐民要术》里，叙述了制墨的方法。这是记述关于劳动人民如何造墨的最早的文献，书上说：“……好醇烟捣讫，以细绢节于缸内，筛去草莽，若细沙尘埃。此物至轻微，不宜露筛，喜失飞去，不可不慎。墨(按指醇烟)一斤，以好胶五两浸涔皮汁中——木岑，江南樊鸡木皮也，其皮如水绿色，解胶，又益墨色。可以下鸡子白、去黄、五颗。以真珠一两，麝香一两引治细筛，都合，调下铁臼中，宁刚不宜泽(就是说宁可稠不可稀)。捣三万杵，多益善，合墨不得过二月、九月、温时败臭，寒则难干……”由这一段记述里．已可看出创造墨的过程非常复杂，是劳动创造的成果。到了唐代以后关于制墨的“佐料”(烟炱为主，各种药品为佐。)有了变化。唐代是用木皮、皂角、胆矾、马鞭草、醋、石榴皮水、犀角粉、藤黄、巴豆；宋代由于不光用松烟(自五代时起，制烟炱的地方，已由易水地区渡过长江，转移到了徽州黄山)。主要是用油烟(桐油一斤，烧得“上烟”一两有余。)制墨。除上述“佐料”外，还加生漆、牛角胎、猪胆、鲤鱼胆、白檀、丁香、龙脑、地榆、五倍子、黄莲、紫草、茜根、黑豆、苏木、胡桃、乌头、牡丹皮、子仁、青黛、朱砂等“佐料”，元明对于“佐料”，没有记载，只明程君房制墨减为十五六种“佐料”。元明对于制烟炱，都着重用油烟，除桐油外，还有用清油(江南乌臼树子制的油)、麻油、猪油的。又有用败漆烧烟的叫“漆烟”。(以上并见东魏贾思勰《齐民要术》、宋晁以道《墨经》、宋李孝美《墨谱》、明沈继孙《墨法集要》、明宋应星《天工开物》，下同。) 烟炱也有好坏——无论松烟、油烟、漆烟——凡烟炱都是用窑烧成的。烧成烟炱，靠近火的叫“身烟”，属下品；在窑中间的叫“顶烟”，属中品；距离火最远，在四边，在窑顶上的叫“上烟”、“头烟”或“顶烟”，是上好的醇烟，属上品。现在我们买墨时，在墨块的上一头．有的写“松烟”，有的写“漆烟”，这是烟炱原料的区别。有的写“顶上”或“顶烟”，有的写“贡烟”(贡是说，上好的烟炱，作为“进贡”给“皇上”用的。)，有的写“超贡烟”；这些都是制墨家说他的墨是用上品的烟炱制成的。次些的写“选烟”，绝没有写“身烟”“顶烟”的。目前徽州的胡开文曹素功墨铺所售出的墨．仍然用这些“顶”、“上”、“贡”、“选”等烟来作为墨质好坏的标志。

中国画与油画欣赏教案

中国画与油画欣赏教案

《中国画与油画欣赏》教学设计 一、教材分析 在中国古代并没有“中国画”这个词，正是因为以油画为代表的西方绘画进入中国，为了从本质上区别中外（主要是中西）绘画的不同，就有了“中国画”一词，其对应的词是“西洋画”。 但是，随着对绘画艺术本身以及美术史的研究，中国画演变为包含中国文化内涵的专有名词。本课虽然不要求也不可能完全从文化的角度去欣赏中国画，但是，也决不应该仅仅从表面形式和工具材料的区别上去欣赏中国画和油画的异同。这其中文人画所代表的绘画追求应该特别关注，所以教材中的“中国画家常将诗、书、画、印融为一体，扩展了画面的艺术境界”这句话一定不要忽略。 中国画作品和油画作品除了表现形式上有比较明显的区别外，它们的装裱形式也各不相同。所以，除了欣赏绘画本身外，了解它们各自的装裱形式也很重要。这在教材中特别进行了对比介绍。 如果说欣赏中国画时，文人画的欣赏对认识了解中国画很重要的话，那在欣赏油画时，欣赏印象派之后至今的当代油画各不相同的表现风格同样重要。自从明末清初油画传入中国后，特别是近百年来，在中国同样诞生了许多优秀的油画作品。欣赏当代中国油画可以引入对中国画的感受和理解，这样可以更好地感悟中国艺术的精神。 二、教学思路 从整体的美术活动过程看，美术欣赏是美术活动中的重要组成部分，是美术创作和美术作品实现其价值和意义的基本环节和途径。以往枯燥无味的知识讲解背离了学生学习规律和新课改的精神。如何实

现知识性和趣味性的统一是美术欣赏课面临的问题。 东方的紫禁城和西方的卢浮宫分别是中国画与油画的艺术圣殿，本课先以视频中大家熟悉的东西方艺术形象入手，用两座艺术圣殿“紫禁城”和“卢浮宫”为载体，将学生分为东西方两支艺术代表队来进行比较，让学生带着饱满的热情来领略、体会东西方文化的魅力，运用对比的方式，巧妙地将绘画的工具材料、内涵特点、画种分类、欣赏方法及表现技法等艺术表现形式呈现给学生，让学生乐此不疲地在两座艺术圣殿中畅游。 三、教学目标 知识目标：让学生了解中国画和油画表现技法的差异。 能力目标：通过欣赏中外绘画名作，提高他们的审美能力。 情感目标：培养学生通过欣赏艺术作品去感受艺术的魅力，陶冶学生情操，提升学生审美和情趣，了解西方绘画和中国绘画的特点。从而激发热爱民族艺术的情怀。 四、教学重点 了解中国画与油画的各自特点。 五、教学难点 感受中国画的艺术境界，以及油画写实、浪漫风格，掌握欣赏中国画与油画的基本方法。 六、教学准备 1、将若干幅形式各异的中国画和油画作品布置在黑板上。 2、投影展示（使课堂中教师及学生展示的绘画作品以更强大的视觉冲击呈现出来，贯穿整个教学与展示过程）

中国画论

3继谢赫后，南陈的姚最写了《续画品录》，提出了前人所未提的“心师造化”论。 ４．宗炳的《画山水序》是中国第一篇正式的山水画论。“圣人含道暎物，贤者澄怀味象”论是由宗炳提出来的。宗炳在论山水画功能时，首先谈的就是仁智之乐 ５．唐代著名美术理论家张彦远在其著作《历代名画记》中对谢赫提出的“六法”作了最早的解释，并对六法内容作了新的补充，即关于立意问题。 被后世称为“宋四家”的是苏轼、米芾、蔡襄、黄庭坚。 ７．“谚云：‘黄家富贵，徐熙野逸’不唯各言其志，盖亦耳目所习，得之于心而应之于手也。……”，其中黄家指的是黄筌。“徐黄异体”“徐”指的是徐熙“黄”指的是黄筌，他们的画风对宋代花鸟画影响很大。 8．明万历年间，莫是龙、董其昌、陈继儒及沈灏提出山水画的南北宗论，这是中国绘画史上第一次提出的关于画派的理论。 9.清初画坛四僧之一的石涛在创作中提出“我用我法”“师古人之迹而不师古人之心，宜其不能一出头地也。”他的艺术主张大都收录在其著作《苦瓜和尚画语录》。 10..齐白石先生曾讲：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。” 11..两宋代花鸟画的风格主要以院体工笔为主。 明代王履提出“庶免马首之络”的绘画见解。 13“笔墨本无情，不可使运用笔墨者无情。作画在摄情，不可使鉴画者不生情。”是清代画家恽南田（寿平）所提出。恽南田的美学思想集中体现在他的《南田画跋》中．并在《南田画跋》中提出了“画以简贵为尚。” 14、元代黄公望在《山水画诀》中提出了画之四病 ---- 邪、甜、俗、赖 15、.“逸笔草草，不求形似，聊以自娱”的观点出自倪瓒的《论画》中。 16、郭若虚在《论三家山水》中，对三家山水评价很高“三家”是指李成、关仝、范宽 17、.以“四王”为代表的“仿古”思想，在清初画坛上占有统治地位，是当时的正统思想。“四王”指的是王时敏、王鉴、王翬、王原祁。 18、．“将无项，女无肩”、“坐看五，立量七”是唐五代荆浩中绘画经验的总结。荆浩《画说》 19、.钱选把笔墨视为区分文人画与非文人画的标志。 20、.中国第一篇正式的山水画论是《林泉高致》8．宗炳的《画山水序》是中国第一篇正式的山水画论美术文献。 21、.将画竹过程分为“眼中之竹”、胸中之竹、手中之竹的画家是郑板桥 扬州八怪之一的郑燮根据自己的创作经验，论述了艺术创作过程中“眼中之竹”、“胸中之竹”和手中之竹“的区 郑板桥是扬州八怪中思想活跃人物。其画以兰、竹、石为名，山水、杂花亦作之，皆以水墨为上。

中国画作品赏析

中国画作品赏析 系别：教育系班级：12应心班姓名：张晴雯学号：122212150 中国画以“画中有诗，诗中有画”的独特风格，闻名于全世界，诗意，可以说是中国画意境创造的最高境界，也是中国画的灵魂所在，一幅优秀的国画作品，往往集诗、书、画、印于一身，使人在看画赏诗之中，充分享受着艺术美！ 阎峰的中国画风神超逸韵致清婉。或设色、或水墨，或斗方、或扇面，或巨幅大作、或雅致小品，在从不以画家自居的阎峰笔下俱是神采飞扬，从容自得。虽然阎峰自上世纪80年代末，开始多次参加国家级艺术作品的展览但一直很低调，看得出阎峰是训练有素。有备而来，随心所欲之间，个性使然。 阎峰出生大连，从小在东北部队大院长大自幼爱好丹青，15岁随父母来到苏州。他的身上有着东北汉子张扬豪爽的个性，在他的巨幅大作中能明明白白的感受到他的大道天成。然而他也有江南委婉细腻的一面，他的扇面小品颇具诗意，运思落笔，不紧不慢，指掌之间心会神融，意蕴悠长。 “搜尽奇峰打草稿”，生活中的阎峰是一个有心人，他深知艺术源于生活，源于心灵感受。注重绘画创作题材的积累，他曾无数次在海边驻足、在山林穿越、在乡村往返，在与大自然的对话中收获心性。因而他笔下的山峦、河流、乡村，不仅形象独特，表现手法也是丰富多彩，既“我有我法”又“言之有物”，用笔老辣、爽利，甚至有点恣肆，浓淡枯湿的变幻，在墨块和线条的交融中意蕴万千。 令阎峰颇为得意的是他精心创作的以海为题材的作品，他的《海》长卷系列作品大都场景开阔，气势宏大，汹涌澎湃的海浪约占画面的三分之二，在视觉上有一种极大的冲击力。其中以画面辽阔、气韵生动、人物传神最为惊异，有一种动人心魄的震撼。但见突兀的山石上，人物形象凝神远望，咏叹人生，从形式到内容都达到了高度的统一，堪称力作。而他的斗方、扇面人物小品不求大雄强、大气派，呈现的却是另外一番景象。或听涛、或对弈、或静观，抒高隐之幽情，发书卷之雅韵，可谓风神超逸，韵致清婉。 阎峰说他的艺术作品创作，来源于生活中对生命的感悟，他说很幸运赶上这么一个大变革的时代，时势造英雄。这个时代太需要英雄，激情岁月推动着我的创作。继承传统、创作唯一，是我的创作追求。 他说感谢生活在这个时代，不论生活在贫困还是富贵时，今后他

浅谈中国传统绘画的特点

浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功

夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己

浅谈中国画与油画的欣赏

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/4516398661.html, 浅谈中国画与油画的欣赏 作者：付振月 来源：《新课程学习·中》2013年第06期 摘要：长期在乡镇中学任教，在教学过程中，总结了点点滴滴，不断总结中前进，丰富 自身的教学经验和思路，丰富自己的人生。 关键词：美术；中国画；油画；欣赏 在教学生这部分内容时，我是分两部分给学生上课 的，第一部分我利用多媒体展示中国画和油画的经典作品，让学生通过视觉盛宴，感受两个画种的表现形式以及画家对客观事物的观察、表达自己思想感情的相同点和不同点。第二部分则是通过对中国画和油画工具材料的认识，使学生增加对这两个画种具体、深入地认识和了解。 中国画是我国的传统造型艺术之一，在世界艺术领域自成体系，就有悠久的历史和优良的民族传统。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画；分为山水、花鸟、人物三个画科；在表现形式上有工笔、写意、没骨之分；而油画则是西方绘画艺术中的一个主要画种，它主要用油来调颜料，主要创作于布、木板或者厚纸板上。油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女，并广为流传。 我在组织学生欣赏这两种画时，组织学生在课堂上采用分组的办法，我安排不同的学生担任不同的角色，讨论中，有部分同学记录在讨论中发表的精辟言论，课下进行整理，以对比的形式张贴在教室里，提供给学生进行交流。同时，我在教学中，多鼓励学生独立思考问题，培养学生研究问题、解决问题的主动性和创造性，这样，一方面获得知识的提高，另一方面让每一位学生得到精神上欣赏作品的享受。比如，我设置一些问题和情境来帮助学生理解、欣赏中国画作品时，每一位学生的视觉感受是什么？欣赏油画作品时，每一位学生的视觉感受又是什么？画面里的哪些因素使你获得这样的感受，为什么？二者的差别是什么？等等，这样加深学生对中国画和油画的异同作出更深的理 解，由感性认识上升为理性认识，达到既教书又育人的目的。 我在用多媒体展示油画常用的工具材料时，打出这些：颜料、调色油、画笔、画刀、调色板、画框、油画布和油画纸等，使这一外国画种在中国，让学生有一个感性认识，告诉学生，现在这些优秀作品就是用这些画下来并保存的，同时告诉学生艺术是不分国界的，是全人类的精神财富。

中国画论文：浅析中国画的艺术特征

中国画论文：浅析中国画的艺术特征 张静 （武警政治学院，上海200435） 摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。 关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨 中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。 一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。 中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国

最基本的国画常识

最基本的国画常识(图文解说) 中国画的概念 中国画：简称“国画”，在本世界美术领域内自成都市独特体系。它用毛笔、墨，和中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟（卉）画动物画等之分。在技法上又可引为工笔画和写意画两种，各有蹊径，互有特色。在人物画方面，从晚周至汉、魏、六朝逐渐成熟。山水、花鸟等至隋唐之际，始独立形成画料。到五代、两宋、流派繁多，为高度发展阶段。元化水墨画盛行。明、清和近代，大体录袭前规。在各个时期中，都出现了不少革新造性的画家。在世界美术领导或中国画具有鲜明的民族形式和独特风格。在描绘物象上，主动运用线条、墨色来表现形体、质感，有高度的表现力，并与诗词、款赋、书法篆刻相结合，达到“形神兼备”气韵生动的效果。另外中国画，还有着独特的装裱形式，起到衬托画体的作用。

宗教画：取材于宗教之教义，故事和传说且服务于宗教宣传的绘画。如道教中表现神仙的画像，佛教中表现佛本生故事的绘画，中国道教题材的绘画早在魏晋时代就有专门关于神仙和传说中故事场面及神仙形象的绘画。佛教绘画兴盛于中古时代的印度，后流传入中国（随佛教流传）后，逐渐被中国古代画家用中国绘画的形式描绘而形成了中国特色佛教绘画。 院体画

院体画:我国唐代已设徐诏、供奉等。五代时，西蜀、南唐设置画院。宋代设翰林图画院，选优秀画家，为皇室宫廷服务。历代画院里所画的山水、花鸟、人物等，大都是要求用笔没色，整细致、富丽堂皇，构图严谨，色彩灿烂，有的有较强的装饰性，称之为院体画。 民间画

民间画：在中国画中指除专业画家、文人画家等之外的专以绘画为生存手段而迎合一般市井习俗而从事绘画的街头艺人所作的种种画作。其作品倾向艳丽甜俗细腻，不同于专业画家、文人画家，所作的画作较为讲究诗意，画境等文化内涵。而为一般文化层次的平民喜爱。民间画又称匠人画，比起院体画缺乏严格的技巧训练；比起文人画，缺乏文学和理论修养。但是，它有些又趋于朴实、热烈某些优点也是文人画与院体画所不及的，也有时为文人画和院体画所吸收。 动物画 动物画：在中国画中以动物形象作为艺术语言，以表达人的希望，幻想和各种感情的一种绘画，描绘的题材很广泛，凡动物均可入画，但主要对象为人们常见的家禽，家畜和动物园中的各种动物。动物画不要求维妙维肖，允许夸张与变形，但要有个性，要能引起观众的共鸣和生活美的联想 扇面画

潘天寿中国传统绘画的风格特点

潘天寿：中国传统绘画的风格特点 风格，是相比较而存在的。现在估且将中国绘画与西方绘画所表现的技法形式，作一相对的比较，或许可以稍清楚中国传统绘画风格之所在。东方统系的绘画，最重视的，是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势诸点。中国绘画，尤重视以上诸点。中国绘画不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。其表现方法上的特点，主要有下列各项：一、中国绘画以墨线为主，表现画面上的一切形体以墨线为主的表现方法，是中国传统绘画最基本的风格特点。笔在画面上所表现的形式，不外乎点、线、面三者。中国绘画的画面上虽然三者均相互配合应用，然用以表现画面上的基础形象，每以墨线为主体。它的原因：一、为点易于零碎；二、为面易于模糊平板；而用线最能迅速灵活地捉住一切物体的形象，而且用线来划分物体形象的界线，最为明确和概括。又中国绘画的用线，与西洋画是的线不一样，是充分发挥毛笔、水墨及宣纸等工具的灵活多变的特殊性能，经过高度提炼加工而成。同时，又与中国书法艺术的用线有关，以书法中高度艺术性的线应用于绘画上，使中国绘画中的用线具有千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美，成为东方绘画独特风格的代表。西方油画主要以光线明暗来显示物体的形

象，用面来表现形体，这是西方绘画的一种传统技法风格，从艺术成就来说，也是达到很高的水平而至可宝贵的。线条和明暗是东西绘画各自的风格和优点，故在互相吸收学习时就更需慎重研究。倘若将西方绘画的明暗技法照搬运用到中国绘画上，势必会掩盖中国绘画特有的线条美，就会失去灵活明确概括的传统风格，而变为西方的风格。倘若采取线条与明暗兼而用之的用法，则会变成中西折中的形式，就会减弱民族风格独特性与鲜明性。这是一件可以进一步研究的事。二、尽量利用空白，使全画面的主体主点突出人的眼耳等器官和大脑的机能，是和照相机、录音机不同的。后者可以同时把各种形象声音不分主次、不加取舍地统统记录下来，而人的眼睛、耳朵和大脑却会因为注意力的关系，对视野中的物体和周围的声音加以选择接受。人的眼睛无法同时看清位置不同的几件东西，人的耳朵也难以同时听清周围几个人的讲话，这是因为大脑的注意力有限之故。比如，当人的眼睛注意看某甲时，就不注意在某甲旁边的某乙、某丙，以及某甲周围的环境等等；注意看某甲的脸时，就不会注意看某甲的四肢躯体。人的眼睛在注意观看时，光线较暗的部分也可以看的清清楚楚，不注意观看时，光线明亮的部分也会觉得模模糊糊。故人的眼睛，有时可以明察秋毫，不时可以不见舆薪。这全由人脑的注意力所决定。俗话说：“心不在焉，视而不见”，就是对人类这种生理现象的极好概括。

论中国传统绘画的审美特点

论中国传统绘画的审美特点 摘要：中国传统绘画有着深厚的文化底蕴和独立的价值取向，承载着中国人独特的审美意识和艺术哲学。中国画线条的节奏与韵律美的特征，笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美等，这些都赋予了它独特的审美价值和内在属性。 关键词：线条、笔墨、意境、和谐 中国传统绘画有着鲜明的民族属性和悠久的历史渊源，并且这一艺术形式在世界绘画史上也占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。绘画的一般审美特征主要表现在线条美、色彩美和构图美上，而中国传统绘画在其基础上又有独特的美学体系。这主要表现在中国画线条的节奏韵律之美、笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美。这些审美特征构成了中国传统绘画的外在形式之美和内在精神之美，是中国传统绘画经久不衰的灵魂之所在。 一、线条的节奏韵律之美 线条是中国传统绘画独特的艺术语言，构筑着延续了几千年历史的中国绘画艺术。线条美是构成绘画形式美的一个重要形式，凌继尧曾说：“中国画的笔法不是静止立体的描绘，而是流动的，有节奏的线纹，借以象征宇宙生命的节奏。比较中西方绘画，可以发现这一特点。希腊的画，如庞贝古城遗址所见的壁画，远看如重的雕塑，他们强调对称、比例、平衡、整齐；而中国古代花纹图案或汉代壁画，则是飞动的线条。中国人物画也是一组流动线纹的有节奏的组合。”[1] 线是中国画造型的基础，从留存至今的新石器时代陶器上，可以明显的看出描绘几何形纹样的线。至殷周时期，人们在铜器上描绘的狩猎、交战及动植物形态等已把“线条”的应用提升到中级阶段，除了表现形之外，同时也表现了动态。继而汉代时期绘画用线表示动态的能力达到了高峰，如汉代壁画中奔驰的马及人物画等，到了晋代，顾恺之的《洛神赋图》和汉代壁画虽同为线条，但感觉已大不相同，这时的线不仅只是表述形态，同时对物象质感的表现及线本身的形式美已有所发展。至唐代线已可以成功得表现出物的质感，如唐代张萱的《虢国夫人

中国画颜料的种类及性质

中国绘画有悠久辉煌的历史，几千年来，经过很多画家的钻研创作，已形成独持的形式与风格。遗留下来的经验非常丰富、广泛，我们如果能够以科学的态度，加以分析、批判、接受，对于发扬我国民族绘画的传统，创造具有民族形式的现实主义的作品，是有莫大益处的。在接受民族绘画遗产时，关于物质材料和技法上的特点的了解，也不容忽视，所以如何认识和使用中国画一向使用的颜色，当然是一个重要的课题；它是中国画的物质基础之一，对于创造民族形式的艺术，具有重要的作用，而当前有不少美术工作者，并不完全熟悉我国优秀的传统的绘画颜色，这一情况在一定程度上是会影响我们“推陈出新、百花齐放”的工作的。 今天，我们还可以看到不少着有色彩的古代绘画作品，重要的如：辽阳、望都等地的汉墓壁画、西北各地的石窟壁画以及隋、展子虔的“游春图”(故宫博物院藏)唐周日方的“簪花仕女图”(东北博物馆藏)五代顾闳中的“韩熙载夜宴图”(故宫博物院藏)宋赵佶的“芙蓉锦鸡”(故宫博物院藏)……等，这些作品距今最远的已有二千年前后，近的也有八九百年，而画上的颜色都还保持着一定的艳丽，还具有各种色调气氛，显示了古代画家使用颜色的才能。 从文献上看，距今一千四百多年前，在画家谢赫传述的“六法”中，提出了“随类赋彩”的理论。距今一千一百多年以前，美术批评家张彦远在他作的“历代名画记”中，叙述了当时绘画颜色产地，使用情况以及历久不变的原因。后来各代有不少画家通过实践或多或少写出了使用颜色的经验，这些材料对于研究中国绘画的颜色问题都有很高的价值。 第一节矿物质颜料 一、赤色 甲朱砂又叫辰砂，属于辉闪矿类。主要成分是硫化汞。分子式HgS0它生在石灰岩中，成块形、柱形、板形、马牙形、箭头形。我国主要产地分布在湖南的凤凰、晃县、麻阳、乾城，贵州的玉屏、毕节、贵筑、安顺，四川的酉阳、秀山、彭水，云南的保山、大理等地。最好的是表面光华像镜子似的天然朱砂。已经提炼出水银的，不宜作为绘画颜料。 乙朱标将朱砂研细，兑入清胶水，浮在上面比黄丹更红些的叫朱标。(标也可写作膘，膘是说朱砂上浮的部分像油脂，标是指它浮出的部分，但意义是相通的。) 丙银朱又叫紫粉霜。这是我国古代发明最早的化学颜料。从前的制法是：用水银一斤，石亭脂(药名，即是制造过的硫黄)二斤同研，盛入大口瓦罐内，上面用铁锅盖严，再用铁丝把锅和罐拴紧，用盐泥封固，放在铁架上，下面用炭火烤罐。在火烤时，另用棕刷蘸冷水，刷上面盖着的铁锅，随烤随刷冷水，大约经过一个钟头即成。俟冷后，揭开铁锅，锅里和罐里全生着银朱，石亭脂仍沉在罐底。水银一斤，可得银朱十四两。鸦片战争以后，海运大开，水银出口，价值既贵，用它提炼银朱的很少。主要的产地是福建漳州。到今日，连一包(重一两)银朱也很难找到了。今日用“一硫化汞”替代。 丁赭石又叫土朱，有火成的，有水成的。入画的赭石，是出在赤铁矿中的。原石伴随赤铁矿产出，用手抚摩它，感觉滑腻的是好颜料。原产山西雁门一带，古属代郡，所以又叫“代赭”。凡是有赤铁矿的地方，全产赭石。 戌黄丹又叫漳丹，产福建潭。今各颜料店均有，制法是把制作铅份剩下的铅，再炒一下，即成黄丹。 二、黄色 石黄、雄黄、雌黄、土黄是根据颜色浓浅分的，其实都产在一起，成分是三硫化砷，分子式AS2S3石黄是正黄色，雄黄是橙黄色，雌黄是金黄色，土黄是土的黄色。甘肃是重要产地。特别是湖南有世界最大

中国绘画艺术的发展及其特点

中国绘画艺术的发展及其特点 摘要：中国绘画的历史源远流长，从黄河流域发现的原始岩画算起已经有了超过5000年的历史。中国绘画的发展阶段可以粗略的概括为一下的几个阶段，春秋战国时期盛行的帛画，秦汉时期蓬勃发展的宫殿壁画、墓室壁画、地上建筑壁画及与其相关的画像砖和画像石，东汉末年到隋朝初年中国绘画得到了重大的发展，在这个时期肖像画得到了重大的发展，花鸟画和山水画开始萌芽，隋唐时期是中国古代绘画艺术一个最高峰，以人物画为其最杰出的代表，在这个时期涌现出了一大批著名的画家，到了两宋时期，由于外来文化的影响，绘画的题材达到了很大的扩展，从明朝时期以后中国的绘画只要以山水鸟语话和肖像画为主。中国绘画艺术的特点与西洋绘画明显不同，它不注重色彩的调和和视觉的冲击，它最主要的特点是讲究留白的艺术和天人合一的调和。这些特点使得不同的人看相同的画会得到不同的感觉和领悟。中国绘画的特点表现了东方人的内涵和休养，决定了它在世界绘画的领域占有重要的地位。 关键字:中国绘画历史发展艺术特点 一、中国绘画艺术的发展成就极其重要代表 中国作为四大文明古国之一，它的绘画艺术成就在世界绘画领域具有不可替代的地位。在中国文明发源地的黄河流域发现的原始岩画只要以日月星辰、飞禽走兽为题材来表现出自己的信仰和愿望，虽然这些图案极其的简单但是它标志着绘画历史的起源值得人们去纪念。在中国的夏商周事情，青铜器的出现让绘画艺术得到了重大的发展。在这个事情绘画的目的主要是用来作为装饰，在这个时期绘画的风格是神秘庄严，很多绘画的作品都是用做祭司的时候使用。这种绘画的风格是由于奴隶社会的性质决定的。绘画的图案代表着持有者的身份地位。因此从纯艺术的角度来说在这个事情的作品没有很高的艺术成就但是它为后面绘画艺术的发展打下了良好的基础。 秦朝一扫六国，归一四海，建立了中国历史上的第一个封建王朝。秦朝初年国立强盛，府库充盈。它吸收了战国各列国的绘画成就，中国绘画在这个事情得到了很大的发展，但是它毕竟还是从奴隶社会过渡过来的第一个封建王国，残留着奴隶社会的文明。在这个时期的绘画特点上可以明显的得到表达。封建统治者为了表达出自己的身份地位，召集了各地的能工巧匠为他们绘制宫殿壁画、墓地壁画地上建筑壁画及与其相关的画像石和画像砖。从西汉开始一直到东汉末年，这种绘画风格没有得到很大的改变只是在其基础上得到了发展。 三国两晋南北朝时期是中国绘画发展的一个重要的转变时期。在这个中国最动荡的时期，绘画艺术的发展确犹如雨后的春笋。它不但继承了壁画的成就，而且在壁画的基础上引入了佛教文化，其中重要的代表有新疆克孜尔石窟、甘肃麦积山石窟和敦煌莫高窟。以文学为题材的绘画逐渐开始引入，人物肖像画成为了这个事情最杰出的代表作，这其中的代表有顾恺之的《洛神赋图》、《木雁图》和卫协的《诗.北风图》。山水画和鸟语画开始萌芽。中国的绘画史和绘画理论著作从这个才真正的开始。 隋唐结束了南北时期混乱的局面，经济得到快速的发展，这为绘画艺术的发展提供了良好的背景。如果说三国两晋南北朝时期是一个重要的转变时期，那么隋唐就是绘画艺术发展的一个高峰。在隋唐时期涌现出了一大批优秀的画家如阎立本、吴道子、李思训和王维等等。人物画在这个时期占有最重要的地位，人物画像中有很多对后世影响深远的作品如《步辇图》、《凌烟阁功臣图》、《西域图》、《玄宗试马图》、《醉学士图》等等。山水画逐渐成熟，鸟语画开始兴起。这些画作的共同点就是灿烂而恢弘，表达出了隋唐时期昂扬磅礴的社会面貌和时代精神。 从两宋时期一直到清朝晚期，中国绘画明显形成了人物画、山水画、花鸟画三大绘画体型。工笔和写意的技巧形成了完整的技术体系，作品的装裱形制主要以卷、轴、册、屏等得到了

论中国画形式语言的写意特征

论中国画形式语言的写意特征 彭洁 内容提要本文从中国画形式语言的角度围绕写意这一命题，以历代哲学、美学观念、书论、画论和书法绘画作品的经典范本为依据，并深入到中国画形式语言的动态过程，来探讨写意的本质特征在中国画形式语言中的体现。 关键词中国画写意生命精神形式语言 对中国画的研究首先应对指导画家创作的占主导地位的美学哲学思想进行研究，其次离不开对写意中国画形式语言的研究，因为画家的美学哲学思想往往是其审美理想，艺术家的绘画实践紧紧围绕着这些审美理想，努力在创作中寻求实现这种理想的表现手段。同时，对艺术实践经验的总结也推动了美学理论的发展，理论和实践的相互作用推动着中国画向前发展。 1中国画理论的哲学美学思想根源及写意理论的提出 道家和玄学的重?意?而轻?言?、?象?，以?意?为本的认识论、方法论对中国绘画艺术的审美、创作和艺术表现等方面都有深刻的影响。中国古典美学认为，宇宙的本体和艺术的生命都是?气?，艺术的创造和欣赏也离不开?气?。王充由?气?推演出?神?的概念，进而把?神?作为人生命精神的体现。《易传》提出?天地之大德曰生?，扬雄认为?天地之所贵曰生?，生生不息的乐生精神是中国人生命精神的集中概括。 哲学认识的提高必然直接或间接影响美术理论的发展。魏晋时的理论家谢赫在《画品》中提出的?六法?是中国绘画理论中最早、最基本的系统绘画原则，?气韵生动?是第一法，也可以说是六法总则。谢赫认为气韵主要是指作品体现出来的气

质风韵，而衡量作品是否有气韵，关键在于作品整体上是否生动，也就是说，只有作品中充盈了生机和活力作品整体才会具有?气韵?。 中国传统的思维方式对时间特别依重，强调以时间去融汇空间。《周易》提出?周乎万物?，《管子》谈到?宙合?，意指在时间的恒流中宇宙万物圆融周济。这种时空合一的心理形式反映了中国人以生命为中心的独特意识，也被化用到中国艺术的认识方式和意象创造方式之中。 由于中国语言文字的模糊性和多意性，许多概念往往字面不同而内涵相通。前面论述到中国画重意、气、神、生命和时间，其核心都是重主体的生气和活力，重主体内在生命精神的传达。 因此中国画从它诞生之初就不以单纯追求自然万物外在形态的逼真再现为目的，而是以客观事物的外形结构和运动规律为表现契机，注重创作者主体情感和精神对客体的映照，这种不似之似的创作观念和方法映射出中国画家天人合一、物我相溶的的浪漫情怀。 元代汤垕提出了绘画的?写意?说，他在《画鉴》的《画论》中说：?画梅谓之写梅，画竹谓之写竹，……何哉？……画者当以意写之，不在形似耳。??写?，《说文》中的解释是：?谓去此注彼也……?《小雅》有：?我心写兮。?《传》云：?输写其心也。按，凡倾吐曰写，故作字作画皆曰写。?汤垕将画梅、画竹、画兰称为写梅、写竹、写兰，显然是为了强调倾吐胸中之意。 汤垕的写意说强调的是与书法同源的?写?的手段和直抒胸襟的?意?的表达。?写意?这一特有的理论术语指导了中国绘画的创作。