雕塑艺术的主要特点

雕塑艺术的主要特点

一、教材分析

(一)教学目标

通过本课的教学，使学生对作为空间艺术的雕塑有所了解、有所认识，以达到开阔眼界，增进知识，陶冶情操，培养健康的审美情趣和感受、体验、鉴赏雕塑艺术美的能力，树立正确的审美观念的目的。

(二)内容结构

本课共分5个自然段。第一部分介绍了两个外国的雕塑家，主要目的在于说明雕塑创作的特点和艰辛。第二部分(一、雕塑的概念)首先介绍了什么是雕塑，以及雕塑创作的主要手法和特征。第三部分(二、雕塑的样式)简单介绍了雕塑的两大类型：圆雕和浮雕。第四部分(三、雕塑的材料)讲的是雕塑一般都使用些什么材料。第五部分(四、雕塑的风格类型)讲的是雕塑的一般表现手法和风格类型。

(三)教学的重点与难点

本课是对雕塑的一般特点的介绍，重点在于对雕塑的概念、样式、材料和风格类型的讲解。难点是要讲清这几个方面并不容易，只要作一般的介绍，让学生对雕塑的这几个方面有所认识和了解就可以了。

二、教学内容资料

(一)课文资料分析

1. 雕塑的概念

雕塑是指以雕、刻、塑以及堆、焊、敲击、编织等手段制作三维空间形象的美术。传统的材料有石、木、金属、石膏、树脂及黏土等。圆雕、浮雕和透雕(镂空雕)是基本形式。在同一环境下用一种圆雕或浮雕共同表达一个主题内容的叫组雕。传统的观念认为雕塑是静态的、可视的、可触的三维物体，以主体的造型形象和空间形式反映现实。因之有所谓“凝固的舞蹈”之说，或被比作凝练的诗句。它不长于叙述，只能表现动作的一个片刻。以静态造型表现运动，是作品效果生动的重要原因。随着科学技术的发展和观念的变化，在现代艺术中出现了反传统的四维雕塑、五维雕塑、声光艺术、动态雕塑以及软雕塑等。这是由于爱因斯坦的相对论出现，冲破了由牛顿学说建立的世界观，改变了人们的时空观念，使现代艺术家有条件站在更高的层次上去认识世界和表现世界，突破传统的三维的静态的形式，朝向多维的时空心态方面探索。

雕塑的产生和发展与人类的生产活动紧密相联，同时又受到各个时代宗教、哲学等社会意识形态的直接影响。当人类还生活在天然岩洞中，需要与威胁生命的野兽作斗争的蒙昧时期，就已经知道敲打石头，并把它打击磨制成锐利的武器或割削工具，进而运用审美意识和智慧把一些可利用的物体雕磨成脱离实用的装饰品，以至成为单纯的雕塑作品。如在法国发现的15000年前旧石器时代的圆雕裸女和牡马、野猪等动物浮雕，以及中国陕西何家湾和辽宁凌源、建平、东沟发现距今5000—6000年新石器时代的石雕、骨雕、陶塑、人像和女

神彩塑头像等。原始雕塑是在人类对自然力的崇拜和对动物的崇拜，以及描绘人类本身的过程中逐渐认识世界的一种反映。雕塑是一种永久性的艺术，古代的许多事物经历史长河的冲刷已荡然无存，历代雕塑遗产在一定意义上成为人类形象的历史。3000年前的妇好墓雕刻，使人能追溯中国殷商时代的信仰、制度、文化与艺术。秦始皇陵兵马俑再现了2000多年前统一中国的帝王大军的威仪。西汉霍去病墓石刻大气磅礴，反映了汉武帝开拓疆域的决心和汉朝国威。伴随着人类社会的发展，雕塑艺术愈来愈证明它是时代、思想、感情、审美观念的结晶，是社会发展形象化的历史记载，是一代一代人向往追求的体现。

2. 雕塑的样式

(1)圆雕

圆雕是指占有空间的实体构成的雕塑个体或群体。它是在各个可视点都能感到其存在的可视实体。圆雕一般不带背景，它主要通过自身的形象和与之相协调的环境，构成统一的艺术效果，通过集中、简练、概括地表达主题思想打动观众。圆雕一般放置在可供四面观赏的环境中，也有出于宗教等原因和环境本身的限制，只允许或要求有一个或几个观赏面的，如石窟艺术和庙宇中的佛像以及壁龛等建筑雕刻中的圆雕。

(2)浮雕

浮雕是指只有一个面向(观赏面)的雕塑形式，通常是指有一块底板为依托的，占有一定空间的被压缩的实体所构成的雕塑个体或群体。浮雕中表现的形体和底板平行的二维尺度长宽的比例不变，只压缩形体的厚度。压缩的原则是将形体用透视的规律，按比例近高(厚)远低(薄)，在限定的空间(厚度、深度)内，用能表现出更大的形体浮雕的底板作背景处理，可加大作品的空间深度。浮雕按压缩的程度，可分为高、低、薄三种。高浮雕形体较厚压缩比例不大，如希腊帕特农神庙的装饰浮雕、中国唐代的昭陵六骏和现代天安门广场人民英雄纪念碑浮雕都属于此类。低浮雕形体薄，压缩比例大，如埃及神庙和陵墓墙面上的浮雕以及中国洛阳龙门宾阳洞的《帝后礼佛图》等。薄浮雕利用极薄的空间塑造形体，几乎和底板成一平面，常见的有钱币、奖牌和纪念章上的浮雕，以及在一般浮雕中用于背影处理。去掉底板的浮雕叫做镂空雕(透雕)。

3. 雕塑的材料和分类

按照材质分类，雕塑分为泥塑、木雕、石雕、铜雕、瓷塑，陶雕等，在雕塑上施以粉彩叫彩雕或彩塑。按照作品题材内容的性质，雕塑分为纪念碑或纪念性雕塑等。按照环境、用途、放置位置，雕塑又分为城市雕塑、园林雕塑、室内雕塑、室外雕塑、案头雕塑、架上雕塑以及奖杯、奖牌等。人像雕塑按部位分割有头像、胸像、半身像和全身像之分。象牙雕、黄杨木雕、东阳木雕、青田石刻、漆雕、树根雕、竹根雕、微雕、贝雕、面人和泥人等也是雕塑，但通常习惯把这类用传统工艺技艺制作的小型作品归在民间美术、工艺美术或特种工艺门类。

(1)水泥雕塑

用钢筋混凝土浇注，一般用于室外，不宜近看，主要以粗犷质朴的庞大体积和生动的形象打动观众，如苏联为纪念斯大林格勒保卫战在马马也夫高地矗立的104米高水泥塑像《祖国母亲》。用白水泥制作的仿石雕塑具有一定的石雕材质效果，是廉价的室外雕塑材料。

(2)玻璃钢雕塑

用合成树脂和玻璃纤维加工成型，质轻而强度高，成型快速方便，可制作动势大而支撑面小的雕塑构图。无色透明的树脂可制出透明度很高的玻璃体雕塑。供树脂用的各种色浆，可使玻璃钢雕塑表面获得饱和度很高的各种鲜艳色彩，也可镀铜仿金，材料本身具有现代感和装饰趣味。用树脂加石渣(钻朵斧或磨光)制作的仿石雕塑习惯亦称为玻璃钢雕塑。

(3)青铜雕塑

用青铜铸造的雕塑，或称青铜像、铜像。具有优异的耐蚀性和铸造性能，可以做出精确清晰的细节和完美地表现塑造痕迹——手法。在表面经过不同的化学处理，可以得到色泽各不相同、丰富而优美的特有质感。青铜雕塑具有纪念碑性的特征，既适合于耸立在广场、街头，也适于作肖像雕塑。青铜是一种古老的雕塑造型材料。中国商周时代的失蜡铸造法采用黏土、沙子和牛羊粪、稻草等配制铸型料，欧洲的传统方法则用石膏、耐火熟料和沙子配制。现代熔模铸造法形成于20世纪的40年代初，主要采用的有石英砂水玻璃型和硅溶胶、硅酸乙酯型，是薄壳铸造，适用于小型作品。大型雕像也可采用工业铸造的翻砂工艺，直接从石膏像翻砂造型。

金属雕塑造型工艺的鼓皮法即扳金工，冷作活，民间称“收抛活”，是用手工艺技术锤打易延金属薄板，使之成形拼焊而成。用鼓皮法制作大型铜像、不锈钢或铝合金像，可以节约大量金属，矗立在纽约港的自由女神铜像就是用这种工艺成型的。具体作法是把金属薄板加热后放在木材、水泥或玻璃钢做成的分块模具上用锤敲打成型，也可由技工看着模型运用抛、借、收、点、錾等手法，把金属板垫在砧上锤打成型。

(4)石雕

常用的石材有花岗石、大理石、青石、砂石等。石材质量坚硬、耐风化，是大型纪念性雕塑的主要材料。大型石雕有号称“山雕刻”的美国拉什莫尔山国家纪念碑和中国的乐山大佛以及云冈、龙门等石窟造像，都是利用山形山势就地雕刻，和山体结合为一体而不可移动，具有一种神圣的不可动摇的纪事、纪年性和法典性。石雕材料品种最多最丰富，色泽纹理各不相同。用绚丽多彩的石雕装饰城市、广场、园林、建筑和布置室内环境能够丰富人们的精神生活，给人以美好的艺术享受。花岗石质地坚硬、刚脆密实，不宜作过细的描写，适于粗犷或洗练的表现手法，能够达到很强的建筑感和质量效果，有白、灰、黄、黑等色。南非产的黑花岗石颗粒匀称、结构致密，可以磨光加工成镜面那样光灿照人，最为名贵。大理石颗粒细密，晶莹美观，硬度适中，易于雕琢加工。纯白色大理石是雕刻的主要石材，以意大利卡拉拉地区所产为最佳，玉白色，有极细晶粒，呈半透明状，色调温暖，雕制人体极富有表现力。文艺复兴巨匠米开朗基罗的《大卫》、《摩西》和《哀悼基督》等名作都是用的这种石料。中国的白大理石雕刻材料主要有房山汉白玉、河北曲阳石、四川宝兴大理石和山东、

山西所产的白大理石。其中房山汉白玉，石质细洁致密，质感结实，性脆略硬，是建筑和雕刻用的优质石材，为天安门广场人民英雄纪念碑浮雕所选用。

(5)木雕

木料雕塑因材料本身容易干缩、湿涨、翘裂、变形、霉烂、虫蛀，不宜做永久性大型室外雕塑，一般多为小型架上室内雕塑。木雕构图一般以圆木的周边为限，利用树木弯曲的自然形态相形度势，因材施艺，少加斧凿，可以不失天然趣味。特定尺寸的木雕也可将几块木块拼粘使用。木材质软便于雕刻，施以不同的刀法可以取得艺术上的独特风格趣味。雕刻用木材应选用干燥(陈旧料)、含胶质少、纹理美丽、纹理的“筋”和“肉”软硬相差不大、木质细密性脆、色泽沉着不火、无虫眼节疤的。常用的树种有楠木、檀木、梨木、杨木、樟木、龙眼木等。楠木质软，韧而无性，不劈不裂不走形，色泽暗褐深沉、古朴典雅，适合雕刻历史题材、古代人物，是木雕用的上等材料。檀木又称香檀，木质结构细密，纹理清晰美观，中等硬度，性脆不变形，不粘刀，不呛丝，是优良的雕刻材料。颜色分黄红两种，以浅黄褐色的最为清新悦目。

(二)作品分析

说唱俑(高55厘米，灰陶制，制作于东汉时期，出土于四川成都天回山崖墓，现收藏于中国国家博物馆)

汉代雕塑题材广泛，内容丰富，从车马出行到侍卫家奴，从庖厨宴饮到歌舞百戏，几乎无所不包，反映了汉代五彩斑斓的社会生活。俑在汉代雕塑中有着十分重要的地位，虽然这些俑比起秦代的同类作品尺寸相对较小，但表现出强烈的写实主义风采，具有很高的艺术价值。

四川地区的汉俑独具特色，内容更为丰富，在出土的许多俑雕像中，最著名的就是这件《说唱俑》。说唱俑席地而坐，头部硕大，裹着头巾，前额布满皱纹，赤膊跣足，左臂环抱一个圆鼓，右手高扬鼓锤。这个说唱俑的表演仿佛已经进入了高潮，他得意忘形，神情激动，表情夸张，竟不自觉地手舞足蹈起来……这是多么令人激动的场面！虽然人们并不了解他说唱的具体内容，但一看到这位热情、乐观，充满生命活力和幽默感的艺人，都会发出会心的微笑，甚至可以想象到在这个说唱俑的面前，正有一群兴致勃勃的听众在倾听着他出色的表演！可见，汉代的雕塑家们是多么富有创造力和想像力。他们并非简单地模仿生活中的场景，而是采用了极其大胆夸张的手法，着重表现说唱者那种特殊的神气。

作者采用虚拟方式，通过欣赏者的联想作用，创造出一个隐含的充满戏剧性的精彩场面。这种虚拟中的戏剧性场面，本身也体现出汉代艺术所特有的生动活泼的气势。这件作品同时也是研究汉代民俗和陶塑艺术的珍贵史料。

三女神(大理石雕塑，公元前447—公元前438年，现收藏于伦敦大英博物馆)希腊

古希腊时期，人们修建了大量的神庙为神歌功颂德，所有这些神庙中以帕特农神庙最为出色。帕特农神庙的装饰雕刻是菲狄亚斯在其艺术的鼎盛时期主持创作的。神庙的装饰浮雕规模很大，虽然不是都出自菲狄亚斯一人之手，但他是这些雕刻的总设计师，因此从这些雕

塑中可以明显地看到菲狄亚斯的艺术风格。神庙的装饰性雕刻共分三部分：东西山墙雕刻、92块间板雕刻和长达160多米的带型装饰雕刻。

菲狄亚斯，古希腊著名雕塑家、建筑设计师，雅典人，主要活动时期在约公元前490—公元前430年，政治家伯利克利的挚友和艺术顾问，是当时最负圣名的艺术家。希波战争中，雅典受到严重毁坏，菲狄亚斯为雅典的重建做出了卓越的贡献。他擅长神像雕塑，主要作品有雅典卫城上的巨大的《普罗迈乔司的雅典娜》、《利姆尼阿的雅典娜》，奥林匹亚的《宙斯》和《帕特农的雅典娜》等，但都已失传，所见到的只是复制品。另外著名的帕特农神庙的装饰性雕塑，也是在他的领导、设计和监督之下完成的，其中最著名的作品是《三女神》。

帕特农神庙这座建筑艺术杰作在17世纪中期还保持得相当完整，不幸于1687年，意大利人进攻被土耳其所占领的雅典时，一颗炮弹落在当时土耳其军队用作火药库的神庙内，建筑物的中部完全被炸毁，东西两面人字墙上的雕刻当然也遭到厄运。后来又遭到英国人的掠夺，使得其中许多珍贵的艺术品流落到了英国，《三女神》就是其中保存较好的著名作品之一。

《三女神》是描写希腊神话中阿特洛波斯、克罗托和拉克西斯的雕塑，原来位于帕特农神庙的东山墙，虽然头部都已受到了损坏，但仍然生动地展示了希腊古典时期雕刻艺术所达到的高超的艺术水准，令人叹为观止。三位女神坐着的姿势，是随着墙的三角形趋势而变化的，她们都穿着质地很薄的希腊式宽大长袍，衣褶纤细而又繁复，随着人体的结构起伏，极其生动地体现了鲜明的女性人体曲线。女神们身形优美、饱满而丰腴，使人切实地感受到孕育在她们体内的无限生机和活力。那似乎正在随着呼吸而微微起伏的、富有弹性的身体，让每一个看到这一组雕塑的人都几乎忘记了她们是冷冰冰的大理石，她们是那样的真实、那样的亲切、那样的令人崇敬。

漆屏风(中国战国时期楚国漆器，木制)

战国漆木雕塑以楚墓所出最有代表性，除俑以外，还有镇墓兽、鸳鸯形盒、悬鼓的虎座凤鸟、座屏和鹿、虎(鹿)座飞鸟等器类。这些作品除了造型夸张，富于浪漫主义色彩之外，还髹以绚丽的漆色，一般是以红、黑两色为主，内髹红漆，外髹黑漆，在黑底色上绘以红、黄、蓝、绿、褐、金、银等色的图案。这些器物上常以真鹿角为饰，不但装置于鹿头，也装饰于镇墓兽的头上和飞鸟(凤)的背上，赋予作品以神秘、幻想的色彩。彩绘动物漆座屏以湖北江陵望山1号楚墓所出的一件最为精工。座屏长51 8厘米，高15厘米。屏身以镂空透雕的手法，表现出鹿、凤、雀、蛇、蛙等动物，共51只。所雕动物，相互穿插重叠，追逐嬉戏，形象十分生动。座屏色彩以黑漆为地，用朱、绿、黄等色彩加以彩饰，光泽夺目、富丽华美。此件彩绘动物漆座屏，形象写实，运用彩绘和雕刻相结合，收到了良好的艺术效果。

青铜时代(高1 74米，青铜，1876—1877，现位于法国卢森堡公园)罗丹(法国) 奥古斯特·罗丹(1840—1917)法国杰出的现实主义雕塑家，平民出身。14岁学画，18岁师从动物雕塑家巴里，1840—1870年间在著名雕塑家卡里耶—贝勒斯工作室工作。1875

年游意大利，研究多那太罗、吉贝尔蒂和米开朗基罗等大师的作品，脱出学院派的桎梏，从而树立现实主义的创作方法，对雕塑作了根本性的变革。以雕塑家个人的认识和深切的感受作为创作的基点，用丰富多彩的绘画手法，塑造有生命力的艺术形象，并赋予深刻的心理内涵和社会意义。

罗丹一生作品林立，对世界雕塑的发展具有重大影响，代表作品有《青铜时代》、《地狱之门》、《加莱义民》、《雨果》、《巴尔扎克》、《思想者》、《吻》和《夏娃》等。

1870年普法战争爆发，罗丹怀着盲目的民族主义爱国之情应征入伍，中途病退回家。身无分文的罗丹曾在自己的雕像上刻上他的老师卡里埃—贝勒斯的名字去赚钱，被发现后赶出了工作室。一个也曾在贝勒斯工作室学习过的人，拉着他合伙作些传统雕像卖钱。不久，罗丹对这一切感到厌恶，他想逃出来，想呼吸一点真正的艺术空气。他用手中仅有的一点钱去了荷兰和意大利，在那里他为米开朗基罗所折服。在他心中酝酿已久的创作冲动终于爆发出来。他匆匆赶回了比利时，用了18个月的时间雕塑了一个男人体。他请一个身材优美的年轻士兵给他做模特儿。他把这个雕像做成左手拿着棍子，正在走动中，突然被眼前的什么事怔住了，收住脚步，抬头呆望着，右手揪着自己的头发，那样子非常天真而自然。罗丹的裸体男人被赋予普通的人性，它表现出人的忧虑、羞怯和敬畏感。它和真人一样大小，罗丹最初把它命名为“被征服者”。在展览会上遭到失败后，范·拉斯布尔鼓励他，建议罗丹把那根棍子取消，并改名为《青铜时代》。应该说这个名字是很贴切的，它重新为雕像赋予了深意。它表现了人类从原始社会过渡到青铜时代，它象征着“人类黎明”或“人类的觉醒”。雕塑家真实地塑造了一个匀称而完美的青年男性人体，他的体态非常自然生动，左腿支撑全身，右腿稍弯曲，脚趾微微着地。左手好似持杖，右臂举起，手扶在头顶，使躯干和四肢的肌肉随之发生起伏变化。他的头微向后仰，双目合闭，好似即将从梦中醒来。整个姿态和面部表情十分和谐，他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出内在的力量。全身的轮廓结构不仅均匀、完美，并体现了精确的解剖知识。

在展览会上，《青铜时代》被评论界认为是用人体浇铸而成的，一时间罗丹成了下流的骗子。罗丹向美术院提出抗议，美术院则派了五名雕塑家组成的评审团来到罗丹的工作室。罗丹没有参照任何模特儿，当众塑造了一个男性裸体。在这个即兴创作的人像上，罗丹令人无可怀疑地表现了他那精确的解剖知识和卓越的雕塑技巧，它无言地击败了这场声势浩大的攻击。

生机(汉白玉)玛利亚姆·哈克比安(亚美尼亚)

我们虽然并不了解作者的基本情况，但从作品看，作者显然吸取了亚美尼亚的民间艺术的造型和处理方法，使之形成几何的形体关系，显得简洁而单纯，并具有一定的抒情性。其洁白的材料运用，意在传达少女的纯洁。

协议(着色钢)亚历山大·利伯曼(美国)

利伯曼的这件作品见于宾夕法尼亚大学的校园里，它也是美国校园雕塑作品中最大的一个。从一个角度看，管子被焊接成很像神殿前的牌坊，它被安排在大学中心环形路口上，学

生们穿过利伯曼的这件作品，好像随上帝一起走进教室。利伯曼早年受立体派、几何抽象艺术的影响，在上世纪60年代也开始采用当时具有广泛影响的极少主义手法创作。这件着色焊接雕塑就是由几个简单的几何体构成，其高大的圆形结构形体与后面的建筑形成既对比又协调的关系。

(三)部分附图介绍

孟卡尔法老和皇后双人像(高约142厘米，闪绿色粘板岩雕刻，约创作于公元前2600年，现收藏于美国波士顿博物馆)

这是埃及古王国第四王朝时期的一尊双人立像，也是当时帝王立像中最典型的代表。雕像刻画的是埃及古王国第四王朝第五个法老孟卡尔和他的皇后。国王夫妇并肩而立，两人身高几乎相等，左脚都向前迈出一步，但这种步伐只是模式化的，丝毫没有前进的意思。人物的重心落在两腿中间，给人以安定稳固的感觉。法老本人两臂垂直，双手握拳，表示他是埃及力量的中心；皇后则左手弯曲放在法老的左臂上，右臂围绕在法老的腰间，姿态僵直呆板。法老夫妇的头都微微向上仰起，神态拘谨而威严，冷若冰霜的表情中似乎还带有一丝微笑。这些人物表情和姿态都是古埃及帝王夫妇像的典型模式，体现了“王权神授”的威严。更值得注意的是，雕像对男女的身体作了不同的处理，反映出作者准确运用人体解剖结构的能力和对造型进行高度艺术概括的创作倾向。同时，皇后那薄而紧身的长衣，表现出女性柔软起伏的曲线和优美的体形，也体现了当时艺术家们高超的雕刻技巧。

九龙壁(琉璃，清)

琉璃在中国建筑中是用以装饰屋顶、墙面等的一种彩色釉陶。琉璃在古籍中有时写作流离、陆离，早在西周时期已能制造，但仅是琉璃珠、琉璃项链等工艺品，后来有的用以镶嵌在器物上，或制成整件器物。汉代琉璃的制作技术有了较大发展，明器中有许多带釉陶楼。北魏时才开始把它用作建筑材料。据《北史·西域传》记载，当时曾由大月氏国输入制造琉璃的技术，并用琉璃装饰殿堂。

我国有三座著名的九龙壁，规模最大、历史最久的一座，在山西省大同市内，为辽代所建；建筑最精、构图最美的一座是北海的九龙壁；第三座，在故宫的宁寿门前。后两座均是清代乾隆年间所建。北海九龙壁建于公元1756年，已有二百多年历史，全部用彩色琉璃砖砌成，长25 86米，高6 65米，厚1 42米。壁的两面各饰有九条蟠龙，戏珠于波涛云雾之中，造型生动，色彩艳丽，工艺高超，为我国琉璃建筑中的珍贵作品。建造这样一座影壁，据说是为了震慑火灾和辟除邪祟。

北京故宫九龙壁和北海公园九龙壁以雕刻精细、色彩华丽而著称。故宫九龙壁是清乾隆三十六年(1711年)改建宁寿宫这一区宫殿时建造的，用来象征帝王的权威。其全长29 4米，高度自大脊到地平约为3 5米，整个壁面为71 6平方米，由270个琉璃塑块镶砌而成，分为九龙、山石、云气和海水四种塑体。故宫九龙壁壁面以蓝天为背景，上部飘浮着朵朵云彩；横亘于壁面下部的是波涛翻滚的绿色海浪，九条戏珠的巨龙浮现于其上，上舞云彩，下踩海水，翻卷盘绕，如同天降。以正中的一条黄色蟠龙为主，左右各有四条游龙向两

旁散开，呈对称布局，但姿态各不相同。龙与龙之间用六组峭拔的山石作灵活的区隔，使得构图既分割又完整，统一中富有变化。

五羊(高1100厘米，花岗石，1960年，广州市越秀公园)尹积昌、陈本宗、孔繁伟

该作品是以广州形成的传说为题材创作的，现已成为广州的城市标志。其主体是一只昂首挺立、充满朝气和力量的雄壮的公羊，在它下面和四周则是几只小羊，它们围绕着它形成一种跃动的节奏关系，展现出一个城市的活力。

公园雕塑(着色钢)基思·哈林(美国)

基思·哈林没有专业艺术家那样繁冗的理论和技术，而是像外行一样单纯地表现，像小孩子玩耍一样来构思。

作品位于沿哈德逊河而建的湖边公园里。钢板被裁成人的形状，弯成半圆，涂上色彩。这是一个描绘不知道什么性别的胎儿在母体内躁动的作品。胎儿沐浴着阳光，或者说正发散着光芒。它是自由和祝福的象征，同时还体现基思·哈林渴望重归童年的愿望。它也让我们想起了现代人已忘却的原始表现的生命力。

(四)名词解释

宗教雕塑

凡以宗教人物、故事为题材，以宣传宗教思想为目的的雕塑作品均称为宗教雕塑。在我国以数量众多、规模宏大的佛教造像为代表。这些造像大多被保留在各地寺院和石窟之中，如山西太原的晋祠圣母殿、大同的上华严寺、天龙山的圣寿寺、山东长清的灵岩寺、杭州灵隐寺和飞来峰石窟、山西大同的云冈石窟、河南洛阳的龙门石窟、甘肃敦煌的莫高窟、四川大足石窟等。其中有许多泥塑、木雕、石刻的大佛、菩萨、罗汉、天王、金刚、力士、供养人像以及各种佛的化身的佛教造像，艺术价值很高，堪称稀世珍品。外国神庙、教堂中为宗教服务的雕塑，其中许多传统表现方法和民族特色，仍可作为今日雕塑创作的参考和借鉴。

陵墓雕塑

这种雕塑可分为地表系列和陪葬系列两类，根据墓主人的不同身份而建，大抵以石人、石兽及陪葬俑为主，如1974年在陕西临潼秦始皇陵东侧发掘的规模巨大的秦代陶质兵马俑。

纪念碑雕塑

纪念碑雕塑一般用以纪念重大历史事件，或歌颂杰出人物的丰功伟绩。一般都规模宏大，多数安置在广场、公园、十字街口等公共场所或特定的地点。因此，它是一种最能使环境增色的雕塑样式，如北京天安门广场的人民英雄纪念碑、江西南昌“八一”起义纪念碑、南京雨花台革命烈士纪念碑、杭州秋瑾纪念碑、上海虹口公园的鲁迅先生纪念碑、大连苏军纪念碑、强渡大渡河纪念碑、解放军渡江纪念碑，以及一些机关单位大院内的毛主席纪念碑等。外国的纪念碑雕塑更为普遍，如法国的阿尔维亚尔将军骑马像纪念碑，俄罗斯的彼得大帝纪念碑、列宁纪念碑、斯大林纪念碑、谢夫琴科纪念碑、普希金纪念碑，南斯拉夫的人民解放战争纪念碑，美国的拉什莫尔国家纪念碑等，都属于纪念碑雕塑。

装饰雕塑

这类雕塑与建筑物密切结合，是一种用雕塑来装饰美化建筑物的艺术。我国古代宫殿、寺庙、塔、住宅等都有许多以人物、动物、禽、鸟、鱼、虫、花卉等为题材的圆雕、浮雕、镂空雕，都属于装饰性雕塑。建筑物有了这些雕塑装饰，就显得更加宏伟美观，如山东孔庙大成殿云龙石柱的高浮雕、希腊厄瑞克忒翁神庙女像柱、法国巴黎歌剧院《舞蹈》高浮雕等。还有一种雕塑，在设计上服从建筑总体布局，但本身却有其特定的内容，以其形式之多样、造型之完美，起到美化环境、丰富人民文化生活的作用。如体育馆前的雕塑以及那些环绕建筑而设计的雕塑，都可称为装饰雕塑。

园林雕塑

这类雕塑—般安置在公园、动物园、植物园以及居民住宅区小公园里。园林雕塑从属于不同的园林景观，如南京莫愁湖的《莫愁女》，上海西郊公园的《动物》，浙江兰溪中洲公园的《兰花女》，哈尔滨斯大林公园的《学步》、《跳水》，广州越秀公园的《五羊》等。这一类雕塑全国各地很多，表现题材和形式较灵活自由，如人物、动物、古代神话、寓言等都可以作为题材。它的特点是规模较小，但能加强园林主题，美化环境，丰富人民精神生活。

民间雕塑

其内容和表现形式更为丰富多样，按材料分类就有石雕、木雕、泥塑、漆塑、牙雕、玉雕、陶瓷雕、金属雕塑等。木雕多数与日用家具相结合，如屏风、椅、床、箱、柜上面的圆雕、浮雕、镂空雕等。还有一种是独立的艺术品，亦称小型雕塑。民间艺术一般根据各地、各族人民生活习惯和爱好而创作，有表现不同时期的历史、神话或现实生活的人物雕塑，也有表现动物、花鸟形态的雕塑。这类雕塑采取人民群众喜闻乐见的题材与形式，因而和人民生活结合得十分紧密。

架上雕塑

这是一种室内陈列的雕塑。题材有人物头像、胸像、半身像、全身像、群像以及各种动物等。这类雕塑在题材、形式、色彩等方面较自由，受环境限制的因素较少，尺寸不很大，可以随便移动，一般在各种博物馆、会堂、客厅、展览会作陈列之用。它们可以用泥、陶、石、木、金属等材料做成。

青田石

青田石产于浙江青田县，质地很细，色彩丰富，宜刻制室内小型雕塑。但因质地较柔软，颜色混杂，有裂纹，不能大块开采，故不适宜雕刻大型雕塑。

花岗石

花岗石是雕刻室外大型雕塑的好材料，质地粗而硬，结实牢固，放上千年不会风化。花岗石颜色多种多样，有米黄色、淡咖啡色、青色、灰色、黑色、淡红色等。我国各地都有花岗石出产，其中山东、江苏、浙江、福建、江西等地所产的花岗石在颜色、质地等方面更好些。

三、教学建议

鉴于本课涉及许多关于雕塑的概念和知识，建议在讲授中不要仅仅停留于此，而要与具体的作品相结合，在对具体作品的鉴赏中讲解这些概念和知识。

四、参考书目

《中国大百科全书》美术一、二，中国大百科全书出版社，1992年版

《雕塑艺术》，中国美术学院出版社，1997年版

浅谈雕塑艺术创作中的观念与形式

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/8c12934684.html, 浅谈雕塑艺术创作中的观念与形式 作者：王凯 来源：《文艺生活·中旬刊》2016年第04期 摘要：雕塑艺术，作为造型艺术的一种，是指用各种可塑、可雕、或可刻的材料创造出 具有一定空间的可视、可触的艺术形象。同时雕塑艺术也作为一种表达手段，是将艺术家的创作观念通过具体的形式内容展现出来，借由多样的创作形式揭示传达艺术家隐匿在其作品中的时代精神与文化观念的艺术方式。由此可见，雕塑艺术创作中的“观念”与“形式”是相辅相成，密不可分的，本文将通过笔者的自身创作体会，浅谈笔者眼中的“观念”与“形式”的关系。 关键词：观念；形式；结合 中图分类号：J305 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2016）11-0029-01 观念是内在的，起引导作用；形式是外在的，起承载观念的作用。没有观念的形式只是虚有其表，没有内容和分量。没有形式的观念苍白乏味，缺乏艺术美感。 雕塑艺术是一种视觉艺术，雕塑作品首先需要在视觉上给观众一种震撼，这是基础。从感官上给人一种感受，这是前提。只有在视觉观赏的基础上，才能再谈思想层面的东西。因此，一个好的表现形式对于一件雕塑作品来说是尤为重要的。在创作的初始阶段，可以通过接触多种多样的艺术形式，从中得到灵感，并发掘适合自己观念表达的形式。 在雕塑创作的起始阶段，通常需要常规性的搜集资料。在搜集资料之前，我一般不习惯草率的先确定一个中心主题，过早的确定主题会限制自己的创作思路，局限在一个狭小的范围内，形式上想有所突破就很困难。我会选择漫无目的的浏览各式各样的图片影像资料，内容形式不限，我始终认为，在创作的初期，对雕塑直接相关的资料的接触是没有好处的，过多地接触已有的作品资料会让我们在创作时不自觉的带上别人作品的影子，这样作品既缺乏新意，还容易被扣上抄袭的帽子，我想这是每个创作者都不愿看到的。接触与专业没有直接联系的资料反而可以给我带来意外的收获，让我从中得到很多创作灵感。 创作的初期，应当“多看”“多想”“多发现”、“多联系”。“多看”即要看的泛，看的杂。“多想”就是要带这想象力去看我们所看到的最平常、最简单不过的东西，并从中发现可以用于创作的元素。“多发现”、“多联系”就是要善于发现生活中的细节，提炼生活中的艺术元素，并将其与艺术创作相联系，观念和形式在不断协调和磨合的过程中，都达到了更高的境界，雕塑作品也因此丰满起来。观念和形式相互服务，相互促进，才能成就一件让人欣赏后印象深刻，意味深长的作品。 随着时代的发展和现代科学技术的日新月异，雕塑的表现形式趋于多元化。现代雕塑艺术中出现了反传统的四维雕塑、五维雕塑、声光雕塑、动态雕塑和软雕塑等。视觉与听觉的结

西方雕塑

西方雕塑 西方雕塑以欧洲为中心,代表性作品主要有古希腊雕刻、古罗马雕刻、中世纪雕刻、文艺复兴时期雕刻、18世纪雕刻。风格有古典主义、浪漫主义、现实主义、象征主义等。对十九世纪雕刻由于认识上的原因，了解得较少。西方近现代雕塑三大支柱的罗丹、布尔德尔、马约尔。西方雕塑艺术源远流长，作品繁多。一般认为，西方雕塑史上有四个最为辉煌的高峰期，分别是古希腊罗马时期、欧洲文艺复兴时期、19世纪法国雕塑和20世纪西方雕塑。古代雕塑艺术 西方古代时期的雕塑在很长的一段时间里主要是为图腾、魔法和宗教服务。 在美洲，墨西哥的普勃洛州的特华坎河谷是伟大的中美洲文化的诞生地。而后在墨西哥湾地区出现了当时最先进的古典前期文化，即奥尔麦克文化。它被喻为墨西哥文明的前身。公元前300年左右玛雅文化开始出现并发展，它继承了中美洲文化传统，发展了大型雕塑，如神庙等。14世纪上半叶，墨西哥土著阿兹台克人统治了墨西哥河谷，建立了君主专制王国，形成了阿兹台克文化。16世纪时，西班牙人征服了阿兹台克王朝，接着向南方掠夺并统治了印加文化的发源地——秘鲁。在非洲文化中，雕塑是最重要的美术形式之一。黑非洲的浮雕和圆雕大都是木制的，但也有石材、金属和陶瓷。它大致分为两类：一类是民间美术，为宗教、魔法服务，也有表现自身生活的作品；另一类是为统治阶级服务的宫廷美术。这两类雕塑都内容丰富、形式多样，富有装饰性，富有表现力，视觉冲击力强。至今黑非洲雕塑仍具有独特魅力。古埃及文化是非洲文化长河中一颗灿烂的星星。古埃及雕刻是雕塑与建筑完美结合的艺术典范，具有历史性纪念碑似的宏伟、博大和非常高的艺术成就。如某些浮雕为了保持建筑的平面性，压缩体积与绘画形式中的线的组合，达到了一种新奇的艺术效果。 大洋洲和非洲有些文化是相似的。例如大洋洲的美术、雕刻也是为宗教和社会需要服务的。大洋洲雕塑中最著名的是复活节岛上的巨大石像。 美洲、非洲和大洋洲所独有的艺术后来大多数已被西方文化同化，只残留了一小部分地方文化，以致造成了美学上的退化。 西方雕塑 欧洲古典时期的艺术是一种在赤贫后产生的新的美术形式，这种美术形式给后来整个西方美术发展带来了深远的影响。希腊雕塑家努力地使他们的作品显示出活力，他欧洲古典时期的艺术是一种在赤贫后产生的新的美术形式，这种美术形式给后来整个西方美术发展带来

蒙娜丽莎赏析

中外美术鉴赏 论文题目：《蒙娜丽莎》赏析 学院：酿酒与食品工程学院 专业：食品科学与工程 年级：食科131 学号： 1307040183 学生姓名：曾庆海 班级：中外美术鉴赏2-- 5、6班2016 年 6 月 6 日

《蒙娜丽莎》 14—16世纪的西欧和中欧打破了中世纪的基督教的束缚，掀起了一股文艺复兴运动。此运动首先诞生于意大利，以人文主义为指导思想，注重人的情感，把人放在一个至关重要的中心，在这种思想引导下的美术作品以赞美人生、赞美人体、赞美自然为宗旨，在宗教题材的作品中贯穿现实的世俗精神。15世纪末至16世纪中叶，意大利文艺复兴达到全盛，出现了“文艺复兴三杰”列奥纳多-达-芬奇、米开朗基罗-博那罗蒂、拉斐尔-圣乔奥，而达芬奇的《蒙娜丽莎》就是这个时期最为重要的代表性作品之一，也是现在人们最熟悉的艺术作品之一。 达芬奇，意大利文艺复兴时期杰出的画家、自然科学家、哲学家和工程师。达芬奇主张绘画以自然为师，美术作品要表现出自然的神美与气质。他笔下人物，消除了中世纪绘画的抽象呆板僵冷的面孔，将现实中活生生的人物在美术作品中刻画得传神。《蒙娜丽莎》便是其传世杰作。在这幅作品中，达芬奇发挥了他高超的艺术造诣，融博大精深、完美而又富有哲理的意旨为一体，蒙娜丽莎的神迷微笑给世人留下了无限美好的遐思。 在带有一排柱子的阳台上，画中人物坐在挟手椅子，大体上面向着正前方。薄薄的黑沙蒙住微有波纹的粟色秀发，轻掩面颊，复盖于肩上，再由肩至肘缓慢垂落，直达交搭的双手。洋溢着奇妙，温柔，似乎在设想消除悲哀的眼，充满睿智，神秘的凝视着什么。由于她的嘴唇左角稍稍显露的阴影，呈现出所谓的“谜的微笑”。她唯一的饰物就是胞襟上的细金线刺绸，花纹是极其精致的正八角形与细长的六角形组成的体系。柔软、肉感的手，是构图的关键，由于它使得作品成为统一的整体。 这爱姣的来源，当然是脸容的神秘，其中含有音乐的“摄魂制魄”的力量。音乐上一个旋律的片段，两拍子，四音符，可以扰乱我们的心绪以至不得安息。它们会唤醒隐伏在我们心底的意识。一个声音在我们的可以连续延长至无穷尽，并可以引起我们的思想与感觉的颤动。在音阶中，有些音的性质是很奇特的。完美的和音给我们以宁静安息之感。但有些音却恍惚不定，需要别的较为明白确定的音符来做它的后继，以获得一种意义。像音乐家们所说的，它们需要一个结论。不少歌唱家利用这美，故意把要求结论的一个音符特别延长，使听众急切等待着那答语。所谓“音乐的摄魂制魄的力量”，就在这恍惚不定的音符上。它呼喊着，等待着别个音符的应和。这呼喊即有销魂的魔力与神秘的烦躁。蒙娜丽莎的脸上，不就有这种潜在的力量，与音乐飘忽的旋律同样的那种神秘性吗？ 这神秘正隐藏在微笑中，尤其在蒙娜丽莎的微笑之中！单纯地望两旁抿去的口吻便是指出这微笑，还只是将笑未笑的开端。而且是否微笑，还是疑问。口唇上的皱痕，是不是她本来面目上就有的？也许她的口唇原来即有这微微的往两边抿去的线条？这些问题是很难解答的。可是这微笑所引起的疑问还多着呢！是不是一个和蔼可亲的人的温婉的微笑，或是多愁善感的人的感伤的微笑？这微笑，是一个莫测高深的神秘。 再看表情上最重要成分的眼睛，达.芬奇所画的，却是蒙娜丽莎的一对没有瞳子的全无光彩的眼睛。据此，有些美术使家认为，那是当时达.芬奇没有画完此作。其实不然。无论哪一个平庸的艺术家，也决不会在肖像的眼睛中，忘记加上一点鱼白色的光；这平凡的点睛技术，也许使达.芬奇故意摒弃的呢！而如此一来，这副蒙上了一层怅惘情绪的眼睛，正好与她似笑非笑的脸容协调一致了。

蒙娜丽莎作品赏析

世界上没有任何一件艺术品能像《蒙娜丽莎》那样誉满全球，同时引来各式各样的说法和评价。我们根据瓦萨利的记载，可以确定，画中人为佛罗伦萨银行家佛朗斯柯·捷列·佐贡多的妻子丽莎。她出生于1479年，芬奇为她画像时间是1503年，正是丽莎24-27岁的时候。画中人的主要神情是“微笑”，世人称之为“神秘的微笑。”银行家佐贡多以丰厚的酬金请芬奇为夫人作画。当夫人出现在画家面前时，她身着华贵的连衣裙，梳着时髦的发式，一绺绺卷发散在双肩，身体显得丰满，眉毛齐整，两颊绯红，颈项和手臂佩带着名贵珠宝，全身充溢着纯真和天趣。 《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 除了微笑之外，就此幅画来说，更重要的是表达了达.芬奇作画时的情感及所处的社会背景。首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达?芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。 绘画作为一种重要的艺术形式，它的主要特点表现在它是通过可以直接看见艺术形象这一点比一般的文字艺术更易于被观众接受，但它又有只能表现一个相对静止的瞬间的局限性，优秀的绘画作品善于选择人物或者事件最富有概括性和表现力的瞬间，使这固定不变的瞬间展现出可以穿越时空的美，散发永恒的魅力。达。芬奇就是敏锐地抓住蒙娜丽莎一刹那间微笑的表情描绘出她坦然的神态。你看她那轻盈的微笑，这种非人工所为的线条和韵味，让人不由的想起“风乍起，吹皱一池春水”的诗句来。 达.芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达?芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。 达.芬奇是处于欧州文艺复兴时期，文艺复兴之前是宗教统治时代。西欧人经历了一千多年残酷蒙昧的封建统治和基督教禁欲主义的精神摧残，早已丧失了思想自由和幸福生活的权利。现实生活的一切喜怒哀乐都被视为触犯上帝的天条。所以在中世纪的画像中，圣母，耶稣也好，普通人也好，总是那样呆板，僵硬，面部毫无表情。直到文艺复兴时代的到来，一切才发生了变化，使丧失已久

浅谈中国古代雕塑的艺术特点

浅谈中国古代雕塑的艺术特点 【摘要】：西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，曾占有主流地位。 【关键词】：古希腊雕塑、中国古代雕塑、装饰性、绘画性、意象性、语言精练、古代哲学精神、 中国古代雕塑题材主要是陵墓雕塑、宗教雕塑和劳动生活及民俗雕塑。艺术门类有圆雕、浮雕、纪念性雕塑、案头雕塑、建筑及器物装饰雕塑等，雕刻材料也丰富多彩，除了青铜、石、砖、泥、陶等材料外，还有玉雕、牙雕、木雕、竹雕等。 中国原始雕塑主要以人和各种动物形象的陶塑为主，形象大多随意性很强，形象粗简、稚拙。商周时期的雕塑作品以青铜器铸造为主，青铜器上的纹案，主要有动物纹、几何纹。商代青铜礼器造型奇特，充满威严而神秘，崇高而怪异的美感。西周以后，其风格趋于写实而富于理性。至春秋战国时期则变得繁丽、华美。秦汉雕塑的粗浑、雄大，这个时期的雕塑空前繁盛，最具典型意义的是秦始皇陵兵马俑雕塑群。魏晋的雕塑健朗和潇洒。隋唐时期是中国古代雕塑的鼎盛期，雕塑呈现丰富、端丽的风格，其成就首先表现在石窟雕塑上，如龙门石窟奉先寺石刻造像。世俗题材的增多和写实风格的发展是宋、辽、金时期雕塑艺术的主要特点，山西晋祠、山东长清灵岩寺、江苏直保圣寺彩塑，都生动传神地表现了世人情态，有很强的写实性。辽代大同下华严寺的菩萨造像体态优美，神情含蓄，衣饰华美，大有唐塑遗风。此外小型泥塑，在写实方面达到了相当高的水平。 中国古代雕塑是中国古代艺术精华，中国古代雕塑在题材内容、形式风格、雕塑技法，以及所使用的材质上都具有鲜明浓郁的民族特色、时代特色。概括起来，主要有以下几点。 一、中国古代雕塑的装饰性相当突出。 装饰性是中国古代雕塑孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种非人间性的神秘，但又包含一种亲切，因为装饰性既不同于生活真实，却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实，所以有此效果。同时，装饰性对于增强佛像

美术鉴赏《蒙娜丽莎》

鉴赏作品《蒙娜丽莎》 《蒙娜丽莎》是深受人们喜爱的一幅作品，尤其就它的微笑而言，人们一直对它神秘的微笑莫衷一是。不同观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱，使它更具神秘色彩。 <<蒙娜丽莎>>是一幅享有盛誉的肖像画杰作,它代表达.芬奇的最高艺术成就.,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 达·芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。在构图上,达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯, 代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满,展示了她的温柔,及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。 微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，是因为达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，这些问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达．芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。 哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑

从不同角度欣赏蒙娜丽莎

《我们怎样运用自己的眼睛之蒙娜丽莎她是谁》教学设计 长沙县六中罗磊 教材分析： 本课是湘版高中美术新课程实验教科书《美术鉴赏》第一单元第三课。本课重点介绍鉴赏美术作品的四种鉴赏方式，并引导学生运用四种鉴赏方式鉴赏美术作品。 学情分析： 经过初中三年的学习，高一年学生已有一定的美术感受力，对中外绘画有初步了解，能欣赏一些美术美术作品，但是对于深入理解还相当有限，应该在本课教学中逐步启发。通过让学生讨论四种鉴赏方式学会基本的鉴赏美术作品的能力。 教学目标： 1、理解四种鉴赏方式相关知识。（知识） 2、引导学生用所学的鉴赏方法深入鉴赏美术作品。（能力） 2、欣赏中国画的空灵之美和蒙娜丽莎的“神秘微笑”。（情感） 重点难点： 在鉴赏美术作品时实际灵活运用这四种鉴赏方式。 学法指导： 引导学生在观察作品时，深入观察作品细节，并由细节体会作品所要表达的情感。 设计思路： 导入新课： 静场后，播放第一张PPT，给学生讲述教师第一次看到蒙德里安作品时的不理解，并讲 述教授对蒙德里安作品的看法（第2第3张PPT），由此提出今天的课题：美术作品的 鉴赏从来不是一件容易的事，必须掌握正确的鉴赏方法，今天我们一起来学习美术作品 的鉴赏方法。 ————由教师对现代作品的不理解，引起学生兴趣。 引导学生打开《美术鉴赏》第8页，分4组分别讨论：感悟式鉴赏；形式鉴赏；社会学 式鉴赏；比较式鉴赏。提醒学生：时间为6-10分钟，讨论后，要请每组的代表给其他三 组解释，并要结合实例分析怎么运用这种方法去鉴赏。（要求学生用纸记下自己的理解。） 1、感悟式鉴赏，请第一组学生用这种方法鉴赏《蛙声十里出山泉》，引导学生：你看 到了什么你听到了什么你领会到了什么 2、形式鉴赏，请第二组学生完成书上第九页的“思考与交流”。

03-雕塑赏析——内容

所教上节课内容回顾： 播放一组优秀建筑作品的图片,与学生们一起回顾上节课所学到的关于绘画赏析的知识,从绘画中找到绘画与建筑创作的不同点和相同点。 导课： 你知道的著名雕有什么？有没有听说过自由女神像？有没有见过秦始皇兵马俑？……今天我将带大家进入一个世界著名雕塑的精彩世界。 授课过程： 一．原始朴拙意象风 人类审美意识的萌生与人类自身的诞生是同步的。人类天生地具有对称、均衡、和谐对比、韵律节奏以及平整光滑的等形式美要素的渴求，随着智力的不断发展，人类能够从欣赏和喜爱自己身体的意识出发，从自己身体提供的标准和尺度去衡量和发现自然界中一切美的东西，进而总结出一些基本的造型规律，然后在自己的劳动创作中灌注这些审美的意识。于是，从石器到装饰品，人类的生产活动与艺术创作产生了分界线。原始社会的雕塑作品也开始出现在人类文明进步的历史长河中。 原始社会的雕塑作品以各种 陶塑动物居多。反映了当时的社会 经济生活或体现原始先民对动物 形态性情的理解与浓厚兴趣或是 表达对一些威猛动物的崇拜。 如图为陕西华县仰韶文化庙

底沟类型成年女性墓葬所出的陶鹰鼎，作敛翼站立之状，器口开于背上，勾喙有力，双目圆睁，周身光洁未加纹饰，结构简洁，给人很强的体积感，双足与尾稳定地撑挂于地，整个造型充满桀骜猛厉的气势。凸显原始社会雕朴拙的意象。 商代鬼魅抽象风 商州时代，身受奴役压制的奴隶们创造了一大批精美绝伦的青铜器，展示了那一时代中国文化艺术的最高成就。那是绽放在野蛮的黑暗中的文明之花，是血泊雕铸而成的艺术杰作。 这是 商代 方鼎 中赫 赫有 名的 司母 戊大 方 鼎， 高 133 厘 米，横长110厘米，宽78厘米，重达875公斤。作为国家象征的礼器，司母戊大方鼎威严、稳重、挺拔、坚实、恢弘，具有威慑天下雄视百代的气魄。即使它还是一件实用器皿，但它实在堪称国家形象的雕铸，它熔

浅谈西方艺术精品欣赏课后的收获

浅谈西方艺术精品欣赏课后的收获 人类是一个有机的整体，艺术是人类的共同财富。异界文化的 交流在历史上从来没有停息，这种交流不仅避免了文化近亲繁殖导 致的基因退化或畸形，从而优化提升了本土文化，而且给世界文化 带来了丰富的新品种和蓬勃的新活力。我们出生于东方，沐浴在东 方本土文化的光泽下，从而黯淡了西方艺术的色彩，但通过西方艺 术精品欣赏这门课，让我们感受到了来自西方的璀璨光芒。 艺术的内容是相当广泛的，像文学、音乐、美术、建筑，甚至 演讲、体育等等。但我们在有限的上课时间里无法全部涉猎，因此 周正平老师帮助我们系统的学习了一些西方雕塑、绘画、建筑的精品。下面，则是我对印象深刻的作品的一个了解与认识。 艺术来源于文化，文化是一种生活方式。通过学习我们知道， 西方艺术最早体现在古希腊文化中，而古希腊的艺术则具体的体现 在雕塑上。在一座名叫《克雷提奥斯少年》的雕像上，人们终于看 到了人的生命，这是古希腊的雕塑艺术取得突破的关键一步。而米 隆的《掷铁饼者》则是另一个巨大的进步，这座雕像不仅不再沿袭 传统的大理石雕塑，改用青铜雕塑，而且是第一个把将运动作为表 现重心的雕塑作品，它的产生标志着古希腊艺术正式进入了它最光 荣的时代——古典期来临了。 但是《掷铁饼者》表现的是掷铁饼的大力士正处在将铁饼往前 一掷的瞬间，我们从他身上看到的与其说是运动，不如说是稳定； 雕像充满的与其说是动态之美，不如说是静态之美。而相比之下， 坡力克里特的《持矛者》则相当完美的解决了这一问题。《持矛者》雕像所表现的就是他一步走过后，正要迈开另一步的刹那间，虽然 他的运动幅度明显不如《掷铁饼者》，但如果我们仔细看，尤其是 看侧面像的话，会发现他的全身好像都在动，这就是所谓的动态之 美了。 通过查阅资料，我还知道了整个古希腊雕刻艺术的天鹅之歌， 绝望之歌——《拉奥孔》，一个以绝望为主题的完美雕塑，似乎预 示着古希腊的雕塑走向绝望，再也无法雕琢出伟大的作品来了。在 古希腊的雕刻作品中还有一个大的特点，那就是以女神维纳斯为主 题雕刻女性雕塑，其中不乏优秀的作品，如堪称美丽之最的《米洛 斯的维纳斯》、《尼多斯的阿芙洛狄忒》（阿芙洛狄忒即维纳斯的 另一个名称）和《卡普亚的维纳斯》等等。女神维纳斯是古希腊爱 与美的象征，古希腊雕刻家对于刻画维纳斯的形象有着特殊的偏爱，

中西方雕塑艺术赏析

雕塑艺术是为美化城市或用于纪念意义而雕刻塑造，具有一定寓意，象征或象形的观赏物和纪念物，是造型一刷的一种，是人类情感外溢的物化形态，是中西文化的重要组成部分。从整体来说，中西方雕塑在雕塑手法，雕塑材料，雕塑题材有相似点。而在艺术表现形式，以及作用方面则有所不同。 中国的雕塑手法注重“形神兼备”，注重形象的传神性；西方的雕塑更注重形态的完美与真实，注重形象的逼真性。人始终是西方雕塑的和西方文化的主题，而中国雕塑较多的是动物像、佛像，却鲜见纪念性人物雕像。中西方雕塑究竟有何区别，针对这个问题本人进行了探索和研究，现谈一下自己的一些看法。 本人在选择古罗马雕塑和汉雕塑这两个作为切入点，是因为他们当时属于那个历史阶段最强盛的两个国家，分别位于亚欧大陆的两端，如果将二者作为比较，并力图发现内在的文化含义，可以知道中西方文化的差异。 罗马时期代表作品为罗丹的《思想者》。《思想者》——青铜，198×129.5×134厘米，法国雕塑家奥古斯迪·罗丹创作于1880－1900年，现收藏于巴黎罗丹美术馆。雕像《思想者》，塑造了一个强有力的劳动男子。这个巨人弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，默视下面发生的悲剧。他那深沉的目光以及拳头触及嘴唇的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。他渴望沉入“绝对”的冥想，努力把那强壮的身体抽缩、弯压成一团。他的肌肉非常紧张，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。他注视着下面所演的悲剧，他同情、爱惜人类，因而不能对那些犯罪的人下最后的判决，所以他怀着极其矛盾的心情，在那深刻的沉思中，体现了伟大诗人但丁内心的苦闷。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，例如那突出的前额和眉弓，使双目凹陷，隐没在暗影之中，曾强了苦闷沉思的表情，有如那紧紧收屈的小腿肌腱和痉挛般弯曲的脚趾，有力地传达了这种痛苦的情感。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。雕刻家在这件作品中，一方面采用了现实主义的精确手法，同时表达了与诗人但丁相一致的人文主义思想，他们对人类的苦难遭遇寄予了极大的同情和悲痛。

浅谈中国古代雕塑的艺术特点

浅谈中国古代雕塑的艺术特点 https://www.sodocs.net/doc/8c12934684.html,2006-09-08 15:50来源： 一、中国古代较少纯粹的雕塑艺术品，这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑（包括陵墓）装饰雕刻，例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品，其中雕塑品占有重要地位，主要是俑和动物雕塑，一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。宗教造像也是如此，它们是供信徒顶礼膜拜所用的，以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例，因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。佛教造像有宗教上特殊的造型要求，它们和古希腊那种以人为范本的真实自然的神象有所区别，在欣赏时需要了解经规仪轨的种种规定，如佛象两耳垂肩，手长过膝等等，否则很容易认为比例不准确，解剖有错误而加以否定。纯粹的雕塑一般以纪念性雕塑为代表。中国古代重视绘画艺术，纪念性人物和事件，通常以绘画来表现而极少使用雕塑，例如汉唐功臣和历代帝王像，都是画在壁画和卷轴画里。纪念性雕刻在帝王上大夫染指绘画之前的西汉时代偶有创作，最著名的例子就是欣赏教材都有介绍的霍去病墓石刻“马踏匈奴”。此外，东汉四川都江堰李冰像和五代前蜀主王建坐像，也是现存的古代纪念性雕刻，实属凤毛麟角。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。我们不能因为纯雕塑品少就不承认带实用性的雕塑品，也属于雕塑艺术而拒绝认识它们、理解它们和欣赏它们。 二、出于上述原因，中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种非人间性的神秘，但又包含一种蔼人的亲切，因为装饰性既不同于生活真实，却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实，所以有此效果。同时，装饰性对于增强佛像所要求表现的庄严肃穆气氛，也十分有效。辟邪石狮的整体造形，完全经过装饰化变形，犹如青铜器或玉器上的某个装饰部件。身上更有线刻图案来加强这种装饰品格。装饰性的变形处理是夸张概括的手法之一。经过这样处理过的石兽，往往比写实的雕刻石兽更威风、更勇猛，且更神圣不可侵犯，能更好地发挥它们作为建筑装饰的功能。（辟邪和石狮多为陵墓的仪卫性装饰品，用途在于显示墓主的权威。） 三、中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩（专业术语称作“妆銮”）以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩，到文艺复兴以后，除宗教神像为求逼真效果，大多继续加彩外，一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。在中国古代，绘画受到比雕塑高得多的重视。雕塑始终由工匠从事，文人士大夫极少参与。早期绘画的作者也只有工匠，但从东汉晚期开始，文人士大夫乃至帝王参与了绘画创作，从此成为中国古代绘画创作队伍的骨干力量。他们是国家、社会及文化的统治者，自然也统治了绘画，使绘画地位高高凌驾在雕塑之上，并以其艺术观念影响雕塑，因而雕塑染上了明显的绘画性。其绘画性表现为不是注意雕塑的体积、空间和块面，而是注意轮廓线与身体衣纹线条的节奏和韵律。这些线条都象绘画线条一样，经过高度推敲概括提练加工而成，和西方古典雕塑以块面和空间的丰富变化来体现轮廓与衣纹的形状完全异趣。后者体积感强，前者只有大的体积关系，局部大多平面性很强。有时在平面上运用阴刻线条来表现肌肤和衣服的皱褶，仍然没有立体感，只有绘画的平面效果。因此，通常雕塑表面光滑，没有西方雕塑那么多明暗起伏的细微变化。这种特点，在教材最常引用的汉唐陶俑、敦煌莫高窟唐塑和麦积山石窟宋塑佛教造像，以及太原晋祠宋塑侍女，大同下华严寺辽塑菩萨、平遥双林

西方艺术史论文《蒙娜丽莎的微笑》

《蒙娜丽莎的微笑》——赏析 07文秘胡娜 078329151 《蒙娜丽莎的微笑》是意大利文艺复兴时代著名画家达·芬奇的肖像画代表作品之一。现存于法国·巴黎卢浮宫博物馆，可谓是镇馆之宝。《蒙娜丽莎的微笑》创作于1504年左右。画中的蒙娜丽莎成为美学的，哲学的象征性形象，早已成为达达主义和超现实主义画家模仿的对象。 画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎，这幅画历时4年完成。那时，蒙娜丽莎的幼子刚刚夭折，她一直处于哀痛之中，闷闷不乐。为了让女主人高兴起来，达芬奇在作画时请来音乐家和喜剧演员，想尽办法让蒙娜丽莎高兴起来。这幅画完成后，端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。而随后人们即以“蒙娜丽莎的微笑”喻指迷人的微笑或神秘莫测的微笑。 500年来，人们看完这幅画完成后，都为端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。人们对那微笑进行了种种猜测：是和蔼可亲的温婉的微笑？是多愁善感的感伤的微笑？是内在的快乐的标志？是处女的童贞的表现？那微笑仿佛是这一切，又仿佛不是这一切。它的诱人之处，全在于那微笑的神秘莫测和令人倾倒。 然而，对此微笑的研究者们更是一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。而在1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。 不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。 确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

罗丹的雕塑艺术

罗丹的雕塑艺术 教学目的： 1、欣赏西方近代雕塑艺术中的典范人物罗丹的作品，了解以法国为中心的近代雕塑的艺术成就及风格。 2、通过欣赏罗丹等人的雕塑作品，使学生领悟到雕塑可以深入表现人的精神世界与思想内涵，以及作者通过雕塑这一艺术语言对自己情感的抒发。 3、通过对罗丹雕塑作品的临摹，初步了解雕塑的艺术方法及其工作的艰辛和快乐。 教学重点： 1、了解罗丹雕塑的艺术风格与思想内涵。 2、通过对罗丹的作品的欣赏，领悟其内心情感的表达。 教学过程： 一、导入： 通过对古希腊、文艺复兴时期的作品的回忆，介绍西方雕塑艺术的状况及罗丹雕塑的地位引入课题。 二、罗丹简介： 奥古斯特罗丹（1840——1917）是19世纪法国最有影响的雕塑家。他一生勤奋工作，敢于突破官方学院派的束缚，走自己的路。他善于吸收一切优良传统，对于古希腊雕塑的优美生动及对比的手法，理解非常深刻。罗丹有强烈的爱国主义热情，对资产阶级腐朽势力深恶痛绝，他经常通过雕塑这一艺术手段，表达自己内心的情感。 三、罗丹的雕塑作品赏析 1、《青铜时代》 以一个像植物一样律动而舒展的青年人体，表现人类刚从自然束缚中舒醒过来的状态，以象征人类从蒙昧走向文明的时代特征。这件作品与学院艺术的风格迥然不同，因而受到攻击和诋毁，成为艺术界争论的对象，不断地遭到攻击。但是历史证明，罗丹的这件人体雕塑，是人类文明初始的真实象征和生动写照。 2、《地狱之门》 这件大型雕塑共有186个形象，是根据但丁的《神曲地狱篇》构思创作的，历时达37年，直到他去世前一年还在修改。《地狱之门》代表的是罗丹更为内在的痛苦与压抑的灵魂。 3、《思想者》 这件作品将深刻的精神内涵与完整的人物塑造融于一体，体现了罗丹雕塑艺术的基本特征。罗丹的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴藏着深刻与永恒的精神。 教师总结：这是一个强劲而富有内力，成熟而又深刻的形象。那生命感强烈的躯体，在一种极为痛苦状的思考中剧烈地收缩着，紧皱的眉头，托腮的手臂，低俯的躯干，弯曲的下肢，似乎人体的一切细节都被一种无形的压力所驱动，紧紧地向内聚拢和团缩，仿佛他凝重而深刻的思考是整个身体的力量使然。罗丹认为深刻的思想是靠富有生命活力的人体来表现的，所以，他的人体雕塑不仅展示人体的刚健之美，而且蕴籍着深刻与永恒的精神。 4、《加莱义民》 这件作品是大型纪念碑雕塑，这组雕塑以恢弘而真实的历史情境，表现了一种及为悲壮而崇高的精神气节与牺牲行为，以精致而深刻的心理表现，形象地刻画了在死亡面前，不同人物的情感与个性。同时，还以独特的群像形式，突破了传统纪念碑雕塑的程式。 5、《巴尔扎克》 以上我们欣赏了罗丹的几件作品，大家想一想，罗丹的雕塑作品是如何表达他的内在情感的？

浅谈中国古代雕塑的艺术特点

浅谈中国古代雕塑的艺术特点——普通美术教育欣赏课教学参考 来源：中国论文下载中心 [ 06-10-13 14:27:00 ] 作者：未知编辑：studa20 一、中国古代较少纯粹的雕塑艺术品，这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑（包括陵墓）装饰雕刻，例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品，其中雕塑品占有重要地位，主要是俑和动物雕塑，一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。宗教造像也是如此，它们是供信徒顶礼膜拜所用的，以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例，因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。佛教造像有宗教上特殊的造型要求，它们和古希腊那种以人为范本的真实自然的神象有所区别，在欣赏时需要了解经规仪轨的种种规定，如佛象两耳垂肩，手长过膝等等，否则很容易认为比例不准确，解剖有错误而加以否定。纯粹的雕塑一般以纪念性雕塑为代表。中国古代重视绘画艺术，纪念性人物和事件，通常以绘画来表现而极少使用雕塑，例如汉唐功臣和历代帝王像，都是画在壁画和卷轴画里。纪念性雕刻在帝王上大夫染指绘画之前的西汉时代偶有创作，最著名的例子就是欣赏教材都有介绍的霍去病墓石刻“马踏匈奴”。此外，东汉四川都江堰李冰像和五代前蜀主王建坐像，也是现存的古代纪念性雕刻，实属凤毛麟角。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。我们不能因为纯雕塑品少就不承认带实用性的雕塑品，也属于雕塑艺术而拒绝认识它们、理解它们和欣赏它们。 二、出于上述原因，中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种非人间性的神秘，但又包含一种蔼人的亲切，因为装饰性既不同于生活真实，却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实，所以有此效果。同时，装饰性对于增强佛像所要求表现的庄严肃穆气氛，也十分有效。辟邪石狮的整体造形，完全经过装饰化变形，犹如青铜器或玉器上的某个装饰部件。身上更有线刻图案来加强这种装饰品格。装饰性的变形处理是夸张概括的手法之一。经过这样处理过的石兽，往往比写实的雕刻石兽更威风、更勇猛，且更神圣不可侵犯，能更好地发挥它们作为建筑装饰的功能。（辟邪和石狮多为陵墓的仪卫性装饰品，用途在于显示墓主的权威。）三、中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩（专业术语称作“妆銮”）以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑

浅析罗丹雕塑作品中的情感表达

东北师范大学研究生课程论文 论文题目艺术文艺欣赏 课程名称浅析罗丹雕塑作品中的情感表达 姓名刘茜学号 2011101297 专业美术年级 2011级 院、所美术学院年月日 2012年3月6日星期二 研究生课程论文评价标准 东北师范大学研究生院制

浅析罗丹雕塑作品中的情感表达 学生姓名：刘茜学号：2011101297 美术学院油画专业 罗丹在欧洲雕塑史上的位置，正如诗人但丁在欧洲上的位置。罗丹和他的两个先生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕琢“三大支柱”。作为一位天赋雕塑家，罗丹的秘诀在于擅长用雕塑的静态和姿态表达内心的情感和外延，并注入了令人无法忘怀的理想主义和人文主义思想。关于古代人来讲，他是旧时期的最初一位雕塑家，又是新时期最后一位雕塑家。他的一只脚留在古典派的庭院内，另一只脚却已迈过古代派的门槛。可以讲，罗丹用他在古典主义时期锤炼得成熟而无力的大手，用他不为传统约束的发明肉体，为新时代翻开了古代雕塑的大门。罗丹深信“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深入地提醒了人类的丰厚情感。 自古以来，在艺术创作上人们就讲究“有感而发”，因此，情感是一切艺术形式的最根本起源。艺术作为情感的表现，不论从主体的精神心理来看，还是从艺术作品的内容来看，情感在艺术作品中都有着极其重要的作用。没有感情就不会有艺术。任何一种艺术形式，只有融入了情感，才能具有震撼人心的力量。艺术创作是在认识自然、研究自然的基础上，将人的感情、思想通过一定的形式和内容给予真情的流露。艺术创作并不是简单地描摹和再现客观对象，而是通过艺术的方式来表达情感。 在西方雕刻的传统与现代之间,罗丹以对世界的独特认识和深切感受作为创造的出发点。可以说,罗丹用他的雕塑语言向世人表达强烈的情感,对象的形体成了他恣意歌唱的工具，他的艺术作品无不充溢着形体内的生命感受与光影的特殊效果。 罗丹早期的作品是在边工作边自学的奋斗生涯中完成的。雇不起模特儿，他就请一个塌鼻的乞丐毕比给他当模特儿。乞丐的丑陋使罗丹看到了在其被磨损的脸上，有着人类所共有的愁苦和凄凉，同时他也想到了那位终生辛苦劳作而孤独的雕塑大师米开朗基罗。从而在罗丹的眼中生活的美丑和艺术的美丑有了不同意

从不同角度欣赏蒙娜丽莎

《我们怎样运用自己的眼睛之蒙娜丽莎她是谁？》教学设计 长沙县六中罗磊 教材分析： 本课是湘版高中美术新课程实验教科书《美术鉴赏》第一单元第三课。本课重点介绍鉴赏美术作品的四种鉴赏方式，并引导学生运用四种鉴赏方式鉴赏美术作品。 学情分析： 经过初中三年的学习，高一年学生已有一定的美术感受力，对中外绘画有初步了解，能欣赏一些美术美术作品，但是对于深入理解还相当有限，应该在本课教学中逐步启发。通过让学生讨论四种鉴赏方式学会基本的鉴赏美术作品的能力。 教学目标： 1、理解四种鉴赏方式相关知识。（知识） 2、引导学生用所学的鉴赏方法深入鉴赏美术作品。（能力） 2、欣赏中国画的空灵之美和蒙娜丽莎的“神秘微笑”。（情感） 重点难点： 在鉴赏美术作品时实际灵活运用这四种鉴赏方式。 学法指导： 引导学生在观察作品时，深入观察作品细节，并由细节体会作品所要表达的情感。 设计思路： 导入新课： 静场后，播放第一张PPT，给学生讲述教师第一次看到蒙德里安作品时的不理解，并讲述教授对蒙德里安作品的看法（第2第3张PPT）， 由此提出今天的课题：美术作品的鉴赏从来不是一件容易的事，必须 掌握正确的鉴赏方法，今天我们一起来学习美术作品的鉴赏方法。 ————由教师对现代作品的不理解，引起学生兴趣。

●引导学生打开《美术鉴赏》第8页，分4组分别讨论：感悟式鉴赏；形 式鉴赏；社会学式鉴赏；比较式鉴赏。提醒学生：时间为6-10分钟，讨论后，要请每组的代表给其他三组解释，并要结合实例分析怎么运用这种方法去鉴赏。（要求学生用纸记下自己的理解。） 1、感悟式鉴赏，请第一组学生用这种方法鉴赏《蛙声十里出山泉》， 引导学生：你看到了什么？你听到了什么？你领会到了什么？ 2、形式鉴赏，请第二组学生完成书上第九页的“思考与交流”。 3、社会学式鉴赏，请第三组学生鉴赏齐白石的墨螃蟹（发给学生墨 螃蟹的图片）。引导学生：“齐白石先生为什么要创作这么一幅作 品？他要表达一种什么样的情绪？”提醒学生齐白石先生的为人， 作品的创作年代，螃蟹的数量等信息。 4、比较式鉴赏，请第三组学生比较鉴赏文同的《竹子》和郑板桥的 《丛竹》，引导学生：2幅画的色彩，那幅富丽，哪幅清淡？哪幅 用笔更严禁，哪幅更洒脱？哪幅表现竹子的勃勃生气，哪幅表现竹 子的铮铮骨气？这跟作者生活的时代和生活的经历有关系吗？ ————通过学生的回答和教师的引导，理解四种鉴赏方式，并初 步学会使用四种鉴赏方式鉴赏美术作品。 ●PPT展示《蒙娜丽莎》，发给学生鉴赏蒙娜丽莎的表格，让学生边鉴赏， 边填完用于引导学生鉴赏的表格的内容。完成课堂活动。 让四组学生分组比赛，鉴赏《蒙娜丽莎》，把鉴赏到的内容全部填入表格。最后让学生展示每组的鉴赏成果，评出优秀小组。 ————进一步引导学生运用4种鉴赏方式，完成对名作《蒙娜丽莎》的鉴赏，扩展学生知识面，提升学生的审美能力和鉴赏的水平。 ●展示最后一张PPT,总结这堂课的内容，评价学生的表现。 课堂中可能存在的问题： 1、学生对作品不会鉴赏，无话可说。----对策，老师细心引导。 2、40分钟的上课时间不够。----对策，把学生讨论《蒙娜丽莎》作品 环节取消，改为教师引导学生鉴赏。 板书： 感悟式鉴赏 四种鉴赏方式形式鉴赏 社会学式鉴赏 比较式鉴赏