舞蹈中舞台的调度

第九章：舞蹈艺术的舞台调度

作为现实主义的艺术，舞台调度的处理应该是有目的性的通过调度的手段，可以突出人物的行动、揭示人物的内心世界．交待人物的相互关系，同时也可以引导观众视线的转移、渲染气氛、创造意境、推进戏剧性的高潮。在情节性的舞段中，调度要受人物内心情感的制约，比如《天鹅湖》二幕，王子与白天鹅初次相遇的场面，白天鹅惊愕地躲避，王子因爱慕而阻拦，就构成了这段双人舞的调度线。但在一些情绪舞蹈中，调度只体现舞蹈画面的变化，虽然单一的画面很难说清是表现某种意念，但总体上仍是在统一的构想下表现了作品的内容。比如《东方红》大歌舞中的”葵花向阳”就是依照这样的原则处理的。舞台调度是为了揭示作品的思想内容而对演员在舞台上的活动所进行的设计和安排，它包括演员所处的位置和位里的变换。在戏剧上称为舞台调度。任何舞台艺术都讲究舞台调度，舞蹈艺术的舞台调度包括舞蹈的路线、群舞的画面、上下场等舞台活动。舞台调度是构成舞蹈艺术表现手段的一个重要方面，是为了展现作品思想感情的一种造型手段。舞蹈编导要根据作品的内容、规定情景、人物的思想感情、行为逻辑来作为处理舞台调度的根据。有些舞蹈的舞台画面是从美感出发的，但在设计上也应该有逻辑性，达到通顺和流畅。舞台调度应该是富有表现力的，能在观众中产生预想的情绪效果和戏剧效果。舞蹈艺术的舞台调度应该象绘画一样富有造型性，在静止时要象一幅画或一座浮雕。但是，它不是一瞬间的，而是空间艺术和时间艺术相结合的舞台活动，随着激情和舞蹈的变化，在观众面前展示出一幅幅有

美感和动势的舞台画面。

1区位的强弱：一般说舞台前部一、三、五区靠近观众，比舞台后部更有力量；另外，从人的视觉习惯总是先看左边，所以难成了左边比右边强些。我

国戏曲就是将左边作为上场门。当然这不是绝对的，弱区经过导演处理也可变为强区。三区因为在前区中心，所以比较明显有力，善于表现紧张的冲突和高潮，很多舞蹈的结束都安排在这个地方。舞台的四区往往成为正统、高贵和有权势的区域，很多舞剧的主要人物都从这里出场或坐在这个位置上一区和五区处于舞台的两侧，距离观众很近，．又不占主要位置．习惯上认为善于表现人物的细腻的感情，一般戏剧中人物的内心独白经常安排在这里。第六区被认为是最弱的区位，中国戏曲称它为下场门。

2.区位的变化：了解各区的特点后应该避免把每段舞都放在舞台中间进行，要尽可能充分地利用舞台空间，舞蹈是空间性的艺术。培养编导有这样的课程：由教员在舞台面上划出连续的行动线，然后要求学生按着规定的行动线去编动作，以锻炼舞台调度的能力。

3.区位的重复：重复可以产生特殊的艺术效果，比如《吉赛尔》第二幕，群灵跪成了大斜排的画面，迫使守林人跌人沼泽地，后来再重复这个画面时，观众会预感到伯爵将遭到同样的命运。区位的重复可以增强情感的力度。舞台的区位有分成9个的，也有分成6个的，为了方便起见，还是讲6个区位。前舞台亦称下舞台，后舞台亦称上舞台。演员在舞台上的活动应该纳人编导计划中，：不能让演员在舞台上随意行动。有些大场面可以在讲清要求后让演员自己设计，经过编导检验后仍需固定下来。编导应该熟悉和掌握舞台上各个区位的特点，以便充分地使用它。

舞蹈编导还应该掌握运用舞台空间的能力，美国著名现代舞蹈家多丽丝·韩芙莉把舞台空间列为舞蹈创作的重要一课。她认为舞台是一个特殊的空间，既不同于广场，也不同于练功房。舞台有四个角，在结构上得到垂直线的支撑（后面两条垂直线，台前两条垂直线），还与舞台各处延伸过来的线条构成直角。两条线在顶部，两条线在舞台平面，这样就有六根强有力的线支撑着后面两个角。

站在后面两个角会使演员显得很重要，舞台中心点虽然是最有力的位置，但使用过度便会失去效用，力量会逐渐减弱。当他继续向前走，高潮的光辉开始减退，到达前台角，是遗忘角落。若从前往后走对角线，只会越走形象越单薄，由于背向观众，给人以退而非进的感觉。横越舞台可继续保持形象感。前台

角有时是极好的下场点，如果把舞段安排在强力区域，然后急转直下，接上一个性格鲜明、精力充沛的结尾，选用台前下常会感人至深。

从天幕到前台边缘，为舞台中极有力的区域。在远处会显得神秘异常，所谓“远看出美人”；到舞台中心点，形象的力度增大；再往前走，尽管身影越来越大，其力量却在迅速减少；到脚灯前会毫无神秘感。向后向前最能体现出强劲的力量，其次为对角线，再其次为左右横行，最后是圆舞。环行体现身体活力的重复和生命无休止的连续感。

舞台灯光的改变也可改变演区的强弱，灯光可以把不希望看到的形象掩盖起来，也可以借助灯光使弱区变为强区，灯光有助于促成剧情的高潮。舞蹈编导应该通晓灯光专业，在创作中给以足够的重视。韩芙莉还论述了“投射作用”，传统舞台只有前面可与观众交流，若想把全部影响传给观众，需要不断调整焦点和动作。投射作用一定要有“观众意识”，其范围包括舞台前方、二楼区、两侧包厢、所以头和眼均需高一些，不能让楼区只着见头顶、舞姿要选择最佳方向和角度，不能使身体姿态被不适当的方向和角度所淹没。舞蹈不同于雕塑，并不是所有角度都宜于欣赏，最佳效果只能从一个方位领略。谢幕也应考虑投射作用，它是结尾的结尾，作为演员的最后亮相极为重要；鞠躬最重要的是空间意识，目的是向深感满意的观众说一声“谢谢！”所以要找到观众。他们既集中又分散，演员走到台前中心，以连续动作首先从顶层开始顺势而下正厅，若再细致些，可加两次从一侧到另一侧。三次鞠躬不算多，鞠躬方向一般朝前一个礼，再接一个退步礼。鞠躬因舞而异，喜剧内容可以轻松一些，引人发笑也无碍大局，但严肃的、悲剧性的剧目，就要靠某种节奏和风度来维持特定的气氛。

舞台画面首先是为了表达剧本的内容，同时也是一种富有美感的形式，舞蹈艺术最讲究画面美，这是一般舞台艺术所达不到的。舞蹈画面要求编导注意焦点、线条、平衡、对比、组合等表现手段，在设计上尽可能追求统一、和谐和美感。．

I．焦点：是表现那些重要的、以便能引起观众格外注意的人和物。利用焦点的手法很多，一是区位的利用，主要人物活动在突出的区位；二是距离的利用，越近越突出；三是高度的利用，如台阶、土坡、宝座等；四是演员身体的利用，正面比侧面突出，．但特意安排的背面比正面更突出；五是空间的利用，

比如在火车站等人，你总要站在人少一点的地方，容易让人看到你这就叫空间的利用。六是视线的利用，即用眼睛的焦点，把观众的注意力引到你所需要的人或物上。

2.线条：指舞台上行动的线，指演员的走向。因为舞蹈演员总要在舞台的空间按一定的方向、路线运动，根据不同的内容和人物不同的心境而产生各种类型的舞台行动线。一般审美习惯，曲线运动感比较强。直线使人感到挺拔。横线平稳。对角线显得有力，产生一种纵深的前进感。竖线动势强劲，有一种压力感。圆线（或叫弧线）柔和而流畅，给人以连绵不断的感觉。曲折线活泼跳动，有不稳定的感觉。方形比较稳定，三角形表现有力，菱形、梯形表现开阔。当然，以上并非绝对的。

3.平衡：舞台讲究平衡，但并非绝对的平衡，京剧舞台调度表现为匀称的平衡，左边4个龙套、’右边也要4个。戏剧中所谓神秘的平衡就是打破了人数相等、距离相等的观念，采用了高度不同、趣味不同、位置不同、焦点不同、以及人与人冲突的力量的因素。西方现代舞打破了舞台平衡的传统观念，体现了创新意识。

4.对比：在大自然中，在日常生活中，到处体现出对比的规律。对比也是艺术的生命，它可以使艺术达到完美的境地。舞蹈编导应充分认识对比的艺术力量，避免平铺直叙和平谈无奇，除了动静、快慢、强弱、大小等对比手法外，还应注意人的身体的对比、精神的对比、矛盾的对比等等。

最后讲一下群众场面的调度。群众场面不仅要求画面的美观，主要还是为了表达剧本内容和人物的思想感情，编导在排人数众多的群众场面之前，必须详细地想好每个演员在舞台上的准确位置与动作，编导要有“内心视象”，想象出舞蹈场面的大致的效果。群众场面必须是移动的，因为它要随着剧情发展而变化。编导在排练前要讲清群众场面的内容，让演员听音乐，教会动作顺

序，决不能让演员习惯于杂乱无章。在群众场面的调度上一般有三种形式：一是个性的，二是分组的，三是统一的。在一部舞剧中，上述三种是交替使用的。所谓个性的，即在群众场面中，每一个人都有着与众不同的独特的动作和造型；所谓分组的，一般在舞台上分成几组造型，对舞台事件做出反映；所谓统一的，即是舞台上所有人都做着一致的动作，对中心事件或中心人物做出统一的反映并凝

聚于一点，产生强烈的戏剧效果。

学前教育专业舞蹈课标 (2)

《舞蹈课》课程标准 专业学前教育专业课程类别专业技能课教学安排共四学期建议课时136 模块名称专业核心课授课方式理实一体化教学执笔校对 审核制定时间 一、前言 （一）课程性质 《舞蹈》是学前教育专业中一门主要的技能课程，课程体系中处于为后续多门核心课程奠定基础的位置，是学生从事幼儿教师工作所必需掌握的基础技能学科。 通过本课程的学习，使学生掌握舞蹈学科的基本形体训练知识、舞蹈动作的理论要素、舞蹈创编的基本要求，对这些的掌握是为学生毕业后胜任岗位工作，增强适应职业变化的能力和继续学习打下一定的基础。 同时，学生应在学习的过程中，学会严格的遵守操作规程和规范，正确使用和保管教具，学习现场管理理念等。 （二）设计思路 本课程的设计思路是根据专业升学和就业的需要，在综合岗位群的工作流程和职业能力分析的基础上，制定本课程的典型工作任务和课程内容。培养学生的综合职业能力。整个课程以企业对检测人员的实际要求为原则。 二、课程目标 （一）知识目标 1.了解舞蹈的基本知识和专用术语。 2.掌握舞蹈的基础形体训练内容和知识。 3.了解民族民间舞的特点和舞蹈风格。 4.了解和运用所学的知识进行创编。 （二）能力目标 1.使学生掌握基础训练、民族民间舞蹈及幼儿舞蹈授课及创编的基本能力 2.具备从事幼儿教育工作中针对幼儿舞蹈教育必备的知识技能和运用到工作中的实践能力。 3. 具备幼儿舞蹈教育和研究的基本能力。 4. 幼儿舞蹈授课及创编的基本能力。 （三）素质目标 1.具有良好的职业道德，自觉遵守行业法规和学前教育机构的规章。 2.热爱学前教育事业，具有良好的工作行为习惯。

3.具有良好的专业技术素养。 4.具备团体合作精神与沟通交流能力。

戏曲知识

戏曲知识 第一部分戏曲行当 1.生 戏曲行当。扮演男性人物的角色。始于宋元南戏，明清传奇及地方声腔剧种中都沿用。一般指青壮年男子，且为剧中主角。随着表演艺术的发展，根据人物年龄及身份，又生发出支系，有小生、正生、老生、武生、娃娃生等。昆剧小生又可细分巾生、穷生(鞋皮生)、雉尾生(鸡毛生)、官生(冠生)。京剧老生亦可细分安工老生(唱功老生)、做功老生(衰派老生)、靠把老生、文武老生。汉剧的生行则专演壮年男子。 2.旦 中国传统戏曲脚色行当的主要类型之一，是惟一表现女性人物的行当。其名目初见于宋代歌舞，古写作“妲”；宋杂剧称“装旦”或“引戏”。宋元南戏中，旦泛指女主角。元杂剧中，旦是女性角色的统称，有正旦、小旦、搽旦等之分，其中正旦是同正末并重的两个主要角色；到昆山腔时，形成正旦、小旦、贴旦、老旦四个支系。其后，明清传奇以至近代各种地方戏曲又有所发展，通常按照人物的年龄、身份、性格及表演特点，分化出众多专行，大致可分为老旦、正旦、花旦、贴旦、闺门旦、武旦、彩旦七个支系。京剧中的旦行又叫占行，分类与此大致相同。 小旦：越剧(及昆曲)行当中的一类。主要是女性角色。 越剧(及昆曲)中的小旦分为悲旦、花旦、闺门旦、正旦、武旦、泼旦几类。 悲旦，京剧中称为青衣，扮演身世悲苦的青年女子，例如《琵琶记》中的赵五娘、《秦香莲》中的秦香莲。 花旦扮演天真、活泼的少女，例如《西厢记》中的红娘、《拾玉镯》中的孙玉姣。 闺门旦主要扮演官宦人家的小姐，比如《西厢记》中的崔莺莺、《梁祝》中的祝英台、《红楼梦》中的林黛玉。 正旦扮演中年妇女，比如《碧玉簪》中的李夫人、《梁祝》中的师母。 泼旦一般扮演性格比较泼辣的女子，比如《宋江剌惜》中的阎婆惜。 武旦扮演的是有武艺的女子，比如《十一郎》中的徐凤珠、《穆桂英挂帅》中的穆桂英。 花旦角色比较轻角色性格泼唱腔婉转妩媚形象装扮娇俏艳丽等都区别于旦（称青衣唱功见角色形象性唱腔 凄苦寒素）武旦（性武打角色唱词打戏服装紧衣箭袖 身背武器武旦刀马旦类型---代表性行身披甲胄背插靠旗)旦（性角色奶奶级别角色配角背景物）

中国舞-舞蹈专业术语

舞蹈专业术语 [舞台方位]舞蹈场记（舞蹈者的位置和走向、路线）专用以明确方向的名称，共八个方位。即舞台正前方为第一位，右侧前方为第二方位，右旁为第三方位，右侧后方为第四方位，正后方为第五方位，左侧后方为第六方位，左旁为第七方位，左侧前方为第八方位。为叙述方便第一至第八方位，依次简称为第1、2、3、4、5、6、7、8点。 [人体方位]舞蹈动作多采用此种方位。即以身体本身的前、后、左、右为定位：分为正前，正后，左旁、右旁，左侧前，右侧前，左侧后，右侧后。为叙述方便可简称为前、后、左、右、左侧前、左侧后、右侧前、右侧后。 [对称动作]左、右相对的同一动作。如右“按手”的对称动作即左“按手”，右脚起做“平步”，对称动作即左脚起做“平步”。 [动作的左与右]单一舞蹈动作一般均有左、右面，常常是以动作腿（或动作臂）来区别左与右。例如，用左腿向前“踢腿”，即为左“前踢腿”；右腿后撤成“踏步”，即为右“踏步”；左手做“按手”的动作，即为左“按手”；右手做“盘手”的动作，即为右“盘手”等。所以舞蹈训练中，经常简称做某动作为左“XX”、右“XX”。例如：左“虚步”、右“端腿”、左“山手”、右“摇臂”等，即表示用左或右肢（脚、腿、手、臂）为动作腿（或动作臂）做该动作。它是一种习惯用的、某动作略称的术语。 [动作的单与双]某些动作，有时以单腿（臂）或双腿（臂）来做。单腿（单臂）做该动作时，多标以左或右（见上条）。双腿（臂）同时做该动作时，多标以“双”字，例如：“双山手”、“双盘手”、“双踮脚”、“双脚转”、“双起双落”等。 [主力腿]舞蹈训练中的专用术语。又称“支撑腿”。顾名思议是指做舞蹈动作时支撑身体重心的那条腿。 [动力腿]舞蹈训练中的专用术语。又称“动作腿”。是在舞蹈时正在运动着的那条腿，一般不担任支撑身体重心的任务。 [身向]、[面向]身体正面所朝的方向称“身向”。在中国舞的动作

戏剧名词解释修订稿

戏剧名词解释集团档案编码：[YTTR-YTPT28-YTNTL98-UYTYNN08]

名词解释 1三一律——"三一律"是古典主义戏剧的艺术法则，要求戏剧创作在时间、地点和情节三者之间保持一致性，即要求一出戏所叙述的故事发生在一天（一昼夜）之内，地点在一个场景，情节服从于一个主题。莫里哀的喜剧《伪君子》就是按"三一律"写成的，全剧五幕，单线发展，情节发生在一个地点，即奥尔恭的家里；所描写的全部事件都在一昼夜之内发生；主题集中在揭露答尔丢失的伪善面目这一点上。古典主义戏剧艺术的实践表明，"三一律"在政治上符合君主专制政体的要求，在艺术上既体现了时间和空间方面高度简练、紧凑、集中等优点，但又存在人物性格单一化、类型化，戏剧结构上绝对化、程式化等弱点，最终束缚了戏剧艺术的发展，为后人所摒弃。 2潜台词——在剧中有些意思是不能用语言传达的，或者尽管可以用语言传达但不如将其放在“尽在不言中”更好，这就出现了短暂的停顿，以达到此时无声胜有声的境界。如果要使这一层意思表现在语言中，这语言就叫“潜台词”3规定情境——“规定情境”是演员表演艺术中的术语。演员扮演角色，需要对所扮演的人物进行体验与表现，概括地说，乃是对情境中的人物进行体验与表现。 4高潮——从剧本结构看，高潮是戏剧性最突出、矛盾冲突最激烈的那一刻，是水到沸点化为气，物至极热放白光的时候。高潮是戏剧精神内涵最闪光的地方，是揭示主题最有力量的场面。另有值得注意的地方，一出戏的高潮还有主、次、大、小之别。在迂回曲折的情节线上，除了最后、最大、的高潮之外，在开端、发展的阶段中，也有各式各样的小高潮，正是这些局部的片断高潮，造成情节的起伏跌宕，并酿成最后最大的高潮，把观众的紧张心情推到顶点 5.情节最能打动人心的两个地方是什么（亚里士多德） 亚里士多德在《诗学》中指出：“悲剧中最能打动人心的成分是属于情节的部分，即突转和发现。”所谓突转，是指行动的方向转至相反的方向，说得通俗些也就是我们通常所说的“转机”、“危机”，用两个成语来说，即“柳暗花明”“飞来横祸”，这部分往往是戏剧曲折性的来源，也是观众备受期待的部分。所谓“发现”，则是指从不知到知的转变，最佳的发现与突转同时发生，往往经过意料之外—情理之中—自然而然—水到渠成这样一个过程，这也说明了一个问题，不论“突转”还是“发现”，其动力应该是来自戏剧自身冲突的张力，而不是偶然的、外来的一种“推助” 6集聚型和铺展型戏剧结构的特征 （1）集聚型结构是遵守着古典主义“三一律”理论对时间、地点、行动三者完整划一的要求，把全部剧情集聚在演出所限的时、空之内来表现。其特征主要有三：①情节展开较晚，从临近高潮处写起；②时空、人物严格且选择集中； ③节奏紧凑、冲突明显、线索单一。

儿童舞蹈教育的重要性

儿童舞蹈教育的重要性 随着社会的发展，时代的进步，舞蹈教育在整个教育界的地位也越来越高，影响也越来越大。舞蹈频繁地出现于各电视台文艺晚会、各大中小院校的文艺汇演，甚至各种茶话会、洽谈会，也要舞蹈助兴，可见舞蹈的盛行。看的多了，我们不难发现，众多的舞蹈绝大部分来自专业院校和专业演出团体，属于普通中小学生的屈指可数，而且也是出自舞蹈对或舞蹈小组等，那么几个“颇有舞蹈天分”的同学在跳，而广大的喜欢舞蹈的学生却与之形同隔阂，只能暗叹自己不如别人。我国现推行素质教育，重视学生的个性发展和专业特长，有些省市甚至在高考中实行专业加试，其成绩加入高考总分，或择优录取，这对广大爱好舞蹈的学生来说，实在是件幸事。不过，如何接受舞蹈教育是个难题：上群艺馆、文化宫、青少年宫，只能解决少数人的要求，而且受家庭条件的限制。但如果学校本身就有这门课，那么不但能培养学生对艺术的兴趣，而且可能使其成为个专业院校的后备军，同时提升学生艺术欣赏水平，培养新世纪素质人才之道，是舞蹈教育事业的最终目的。 舞蹈教育作为艺术教育的重要组成部份，是培养学生创新精神和实践水平的重要途径，是实施小学素质教育的有效载体。舞蹈教育属于艺术教育、情感教育，也是美育的一个重要组成部分，它能够使儿童在接受舞蹈艺术美的熏陶中逐渐具备较好的人体美的基本素质，获得协调动作的基本水平，领悟舞蹈艺术的基本特点和规律，从而提升完美水平，增强爱国主义情感，陶冶高尚的情操，对培养良好品行、意志及舞蹈艺术的素养有着十分重要的意义。在小学素质教育中，舞蹈艺术对促动学生全面发展具有不可替代的作用。 一、小学开设舞蹈课有助于综合素质发展的作用，说明小学舞蹈教学的重要性。 沃尔特.特里说：“通过舞蹈训练能使学生增强体质，改进动作协调性，提升动作的韵律感、节奏感，增强模仿水平，培养准确的基本姿

少儿舞蹈基本功练习的重要性(章东东)

章东东，中国舞蹈家协会高级教师 毕业院校：北京舞蹈学院附属、北京首都师范大学 最高学历：硕士 所学专业：舞蹈教育 主修：民族舞、古典舞、芭蕾舞、 辅修：舞蹈编导 个人证书： 全国优秀舞蹈教师资格证书 舞蹈教师等级考级证书（十级） 中国舞蹈家注册教师证书 少儿芭蕾舞教师资格证书 少儿舞蹈基本功练习的重要性（章东东）

少儿舞蹈基本功练习的重要性 一切外部信息向大脑的输入都是通过各个感觉器官的接受和转换这两种机能来完成的。训练感觉器官，也就训练了大脑，也就促进了大脑的发育。形体训练促进幼儿身心健康，使幼儿的形体得到健全的发育，并促进其大脑、智力的发展。那么在观看少儿舞蹈基本功训练的同时，也了解下幼儿的形体训练的益处吧。 1.形体训练有利于幼儿体、智、德、美全面发展。

幼儿正处于身心迅速发育成长的时期，这种迅速的发育成长使儿童的身心状态表现出极大的可塑性。幼儿形体训练配有音乐，包括大量的身体动作，并要求集体的协同合作。从理论上分析，它应当有利于儿童时间知觉、空间知觉、运动知觉、注意力、表现力、模仿能力等心理过程的发展，也有助于培养儿童的集体观念及对音乐、舞蹈和体操活动的兴趣。 良好的身体素质为幼儿心理的正常发展提供了物质基础。在形体训练过程中，幼儿各种各样的心理活动过程的产生，有利于幼儿心理能力的发展。幼儿心理能力全面起动又带动幼儿体、智、德美的全面发展。 2.形体训练有利于启发幼儿的求知欲。 形体训练内容丰富、形式多样，并以幼儿喜爱的游戏做穿插，能激发幼儿的兴趣，进而启发幼儿的“求知欲”。幼儿对形体训练的动作产生浓厚的兴趣，便会积极地投入，努力地去追求。幼儿形体训练实践使我们感到，幼儿对动作的掌握，准确、标准，精力集中，能专心听讲，发言积极，思维灵活，有一定自觉性，并有创造力和想象力。他们提出许多问题：“老师，这叫什么动作?”“老师，我长大能当解放军吗?”“老师，这个动作我想这样做行吗?”老师立刻表扬并采纳他的动作，这就启蒙了幼儿的求知欲。

专业舞蹈教案课程.doc

第1课时压腿（一） 一师生问候 二师：学习舞蹈先从根本功练起 三教育进程： 压腿 这是舞蹈根底操练中最为根本的操练内容，别离为压前、旁、后腿。压腿的操练有助于翻开学生腿部关节的韧带。压腿时要留意腿部关节的直立，脚背向外翻开绷直，并坚持上半身的直立。向下压至上半身和腿部之间的没有缝隙。单个学生韧带太紧，在压腿的进程中不要苛求必定要压下去，坚持正确的姿势，铢积寸累就能够拉长韧带，到达要求。特别留意的是胯部要端正。压旁腿和后腿的时分学生最简略出胯和斜胯，需求及时纠正。在压旁腿时，同侧的手扶住把杆，另一只手臂紧贴在耳边，向腿上接近并尽量向远处扩展，拉长旁腰。压后腿时，留意膀子端平，颈部不要缩，撑住头部别掉下去，并向后扩展。 配乐带：选用节奏感比较强的音乐 第2课时压腿（二） 一师生问候 二师：学习舞蹈先从根本功练起 三教育进程： 压腿 这是舞蹈根底操练中最为根本的操练内容，别离为压前、旁、后腿。压腿的操练有助于翻开学生腿部关节的韧带。压腿时要留意腿部关节的直立，脚背向外翻开绷直，并坚持上半身的直立。向下压至上半身和腿部之间的没有缝隙。单个

学生韧带太紧，在压腿的进程中不要苛求必定要压下去，坚持正确的姿势，铢积寸累就能够拉长韧带，到达要求。特别留意的是胯部要端正。压旁腿和后腿的时分学生最简略出胯和斜胯，需求及时纠正。在压旁腿时，同侧的手扶住把杆，另一只手臂紧贴在耳边，向腿上接近并尽量向远处扩展，拉长旁腰。压后腿时，留意膀子端平，颈部不要缩，撑住头部别掉下去，并向后扩展。 配乐带：选用节奏感比较强的音乐 第3课时压肩（一） 一师生问候 二温习压腿 三教育进程 压肩 这是翻开肩部韧带的操练。压肩时，双手臂伸直放在把杆上。两腿之间的间隔略等于肩宽。头部和脊柱都要放松，向下压时能够感觉到肩部韧带被拉长。 配乐带：中速，节奏舒缓2/4

戏曲艺术的“程式”化表演

戏曲艺术的“程式”化表演 “程式”化表演是中国戏曲艺术反映生活，塑造人物的一种独特而又鲜明并且极富表现力的演艺风格和艺术手段。它的表现特点和话剧、歌舞、杂技等艺术门类有着非常明显的区别。戏曲“程式”化的表演不是把生活本来的面貌原封不动地搬上舞台，而是通过模拟的手段对生活中的自然形态按照美的原则，进行艺术的提炼和再加工，并经过严格地精选和装饰，把生活中自然化的东西提炼成为一种风格化、标准化的表演动作，使自然化的东西音乐化、舞蹈化、规范化、节奏化、写意化。并通过精彩而逼真的表演，让观众相信这些客观环境的存在，恰恰不在于强调舞台环境的固定和真实。 众所周知，戏曲程式化表演的主要特征是虚拟化和艺术化，重虚而轻实，以虚衬实、以隐见显，以求虚实相生之妙。虽然说戏曲程式化的表演是虚拟的、夸张的，但是也不能在舞台上为所欲为地任意活动。它必须要受到一定的制约。因为一切“程式”表演动作都必须要在有节律的规范之中。戏曲演员在舞台上使用程式的时候。一定要注意和强调的是要根据不同的剧中人物，不同的年龄，不同的身份，不同的生活环境，不同的性格和不同的情感正确理解，准确而恰如其

分地使用不同的符合人物身份性格的表演程式。只有这样，才能使程式起到烘托剧情，渲染气氛，塑造人物，丰满形象的作用。才能使演员、行当、剧中人物、表演程式有机地结合，和谐统一，达到完美的演出效果。坚决反对不顾剧情，不顾人物，盲目不加选择地去随意使用程式，更不能被固定的程式捆死。因为程式也应当根据不同人物的情感、环境的变化而随时变化的。 有人认为戏曲就是程式化的艺术，我觉得这种看法是不够全面的。戏曲程式化，并不意味着程式就是一种没有生气的“公式”化的东西，它是中国历代从事戏曲表演的艺术家们为了塑造出丰满、富有生命力的舞台艺术形象，经过长期的艰苦努力，从生活的实际出发，精选出那些适合于舞台表演的动作，再经过艺术的加工、锤炼而创造出的一整套特定的表演行为规范，以此用来准确、恰当地表达所塑造人物的行为意图和思想感情。这些行为规范是艺术家们经过审慎地选择并通过舞台的实践而得到了广大观众的认同的。 戏曲演员在舞台上的表演无论是唱、念、做、打、舞还是“翻扑跌滚摔”，其一招一式、一抬手一投足，哪怕仅仅是一个眼神，都几乎分分秒秒无一不在程式化的表演规范之中。比如在戏曲舞台上常见的“开门进门、上楼下楼、登山涉水、上天入地、骑马坐轿、乘车泛舟、迎风冒雪、腾云驾雾”等表演程式，都带有广泛的假定性。它是通过演员逼真

我的职业规划 舞蹈

班级： 学生：闫翠翠 人生规划 大学能让自己辉煌，同时也会让曾经优秀的人变得堕落；在大学有自己足够自由的时间。也没有谁能够去多管束你，要是自己不好好的规划，没有目标，也许自己会变得更加的差。所以在大学期间也能学到一些高中所不能学到的东西，把自己所存在的缺陷在大学期间尽量一一的给找出来，同时解决；我觉得大学就是一个放错误的地方，因为在学校也就是把自己所没有完善的地方全部完善一变，自己放的错误可以得到老师的点拔，同学们的帮助一起帮忙解决。这样来学到更多的知识丰富自己；为自己以后的工作生活铺下一条平坦的路线。所以我为自己以后职业的生涯做了一个小小的策划，让自己的生活更有目的性； 自我分析 我自幼非常热爱舞蹈艺术，很小就开始跳舞，从小学三年级开始接受专业舞蹈教育。刚刚跟着专业舞蹈老师训练时候非常艰苦，一切都从零开始，从简单的压腿、下腰练起。对专业舞者来说，从前几年才接受专业训练，前期的辛苦就可想而知，但凭着对舞蹈的热爱，我坚持走过最艰难的一段时间。后来凭着过硬的基本功，以优秀的舞蹈艺术分数，进入了现在学习广西艺术学校专业学习舞蹈，一边专业练习舞蹈，一边学习文化课知识。也是目前为止我最大理想的实现。 从身体及各方面的素质来看，我具备学习舞蹈并成为一名优秀舞者的各项条件；同时，我性格比较开朗，喜欢跟同学、老师交流，有较强的沟通和组织能力，在班级担任学习委员的职务，具备一定的个人能力和素养。所以我会利用好我自身的优势，努力的学习。 专业就业方向及前景分析 舞蹈教育专业主要培养从事民族舞蹈教育工作的高等专门人才。为全国各地的艺术院校、专业文艺团体、艺术职业学校等输送舞蹈教师；毕业生也可在艺术团体从事舞蹈表演、编导、编辑和研究工作。而民族舞蹈学科本科班的培养目标是为少数民族地区和全国各文艺团体培养和造就得、智、体、美、劳全面发展的是和新时代的新型的少数文艺人才。为社会的现代化建设培养高级的可从事师资、编导、表演的复合型人才 据文化部教科司的统计，当前包含舞蹈专业的高校共有五类，即专业艺术院校、师范类院校、综合类院校以及某些理工科或文科专业的院校。这些院校不仅是中国艺术研究院的主要招生来源，同时也是毕业生就业的主要去向。而近五年来，中国艺术研究院舞蹈学毕业生的就业中的主要问题体现在人才滞留方面。 从整个舞蹈学科对于理论或史论型人才的需求以及中国舞蹈理论的本体建设来看，舞蹈的理论建设与其它学科相比尚有待提高和完善，但在普通高校中却十分缺少专业舞蹈理论人才和推广型人才的，因此，舞蹈理论专业学生的就业去向理当不困难。 中国艺术研究院舞蹈研究所所长罗斌认为，当前舞蹈理论人才过分集中滞留现象主要原因在于舞蹈学科的发展与实际中对人才需求的标准产生矛盾以及舞蹈教育在观念上的误区。按照当下舞蹈学科的类别划分，主要包括创作、表演、教育和理论四个领域。在以往的舞蹈教育中也较为注重高、精、尖的实践型人才的培养，而缺少基层和普及型的建设。但现实需求中则以全能型或实用型为标准。而这种人才需求标准的原因在于舞蹈学科本身没有一个完整的系统。换言之，当前舞蹈学科的发展方向是在培养不同领域的专业人才，并不是全能型的实用人才，另外，过于关注高、精、尖的人才培养而忽视基层的普及型人才以及实践教育

·舞台调度要点

·舞台调度要点 舞蹈艺术的舞台调度 舞台调度是为了揭示作品的思想内容而对演员在舞台上的活动所进行的设计和安排，它包括演员所处的位置和位里的变换。在戏剧上称为舞台调度。任何舞台艺术都讲究舞台调度，舞蹈艺术的舞台调度包括舞蹈的路线、群舞的画面、上下场等舞台活动。舞台调度是构成舞蹈艺术表现手段的一个重要方面，是为了展现作品思想感情的一种造型手段。舞蹈编导要根据作品的内容、规定情景、人物的思想感情、行为逻辑来作为处理舞台调度的根据。有些舞蹈的舞台画面是从美感出发的，但在设计上也应该有逻辑性，达到通顺和流畅。舞台调度应该是富有表现力的，能在观众中产生预想的情绪效果和戏剧效果。舞蹈艺术的舞台调度应该象绘画一样富有造型性，在静止时要象一幅画或一座浮雕。但是，它不是一瞬间的，而是空间艺术和时间艺术相结合的舞台活动，随着激情和舞蹈的变化，在观众面前展示出一幅幅有 美感和动势的舞台画面。 作为现实主义的艺术，舞台调度的处理应该是有目的性的通过调度的手段，可以突出人物的行动、揭示人物的内心世界(交待人物的相互关系，同时也可以引导观众视线的转移、渲染气氛、创造意境、推进戏剧性的高潮。在情节性的舞段中，调度要受人物内心情感的制约，比如《天鹅湖》二幕，王子与白天鹅初次相遇的场面，白天鹅惊愕地躲避，王子因爱慕而阻拦，就构成了这段双人舞的调度线。但在一些情绪舞蹈中，调度只体现舞蹈画面的变化，虽然单一的画面很难说清是表现某种意念，但总体上仍是在统一的构想下表现了作品的内容。比如《东方红》大歌舞中的”葵花向阳”就是依照这样的原则处理的。后舞台右后舞台中后舞台左2区 4区 6区

前舞台右前舞台中前舞台左 1区 3区 5区 舞台的区位有分成9个的，也有分成6个的，为了方便起见，还是讲6个区位。前舞台亦称下舞台，后舞台亦称上舞台。演员在舞台上的活动应该纳人编导计划中，:不能让演员在舞台上随意行动。有些大场面可以在讲清要求后让演员自己设计，经过编导检验后仍需固定下来。编导应该熟悉和掌握舞台上各个区位的特点，以便充分地使用它。 1区位的强弱:一般说舞台前部一、三、五区靠近观众，比舞台后部更有力量;另外，从人的视觉习惯总是先看左边，所以难成了左边比右边强些。我国戏曲就是将左边作为上场门。当然这不是绝对的，弱区经过导演处理也可变为强区。三区因为在前区中心，所以比较明显有力，善于表现紧张的冲突和高潮，很多舞蹈的结束都安排在这个地方。舞台的四区往往成为正统、高贵和有权势的区域，很多舞剧的主要人物都从这里出场或坐在这个位置上一区和五区处于舞台的两侧，距离观众很近，(又不占主要位置(习惯上认为善于表现人物的细腻的感情，一般戏剧中人物的内心独白经常安排在这里。第六区被认为是最弱的区位，中国戏曲称它为下场门。 2.区位的变化:了解各区的特点后应该避免把每段舞都放在舞台中间进行，要尽可能充分地利用舞台空间，舞蹈是空间性的艺术。培养编导有这样的课程:由教员在舞台面上划出连续的行动线，然后要求学生按着规定的行动线去编动作，以锻炼舞台调度的能力。 3.区位的重复:重复可以产生特殊的艺术效果，比如《吉赛尔》第二幕，群灵跪成了大斜排的画面，迫使守林人跌人沼泽地，后来再重复这个画面时，观众会预感到伯爵将遭到同样的命运。区位的重复可以增强情感的力度。 舞蹈编导还应该掌握运用舞台空间的能力，美国著名现代舞蹈家多丽丝?韩芙莉把舞台空间列为舞蹈创作的重要一课。她认为舞台是一个特殊的空间，既不同于广场，也不同于练功房。舞台有四个角，在结构上得到垂直线的支撑(后面两条垂

音乐表演艺术(1)

音乐表演 音乐表演就是音乐的再创作活动,通过乐器的演奏，人声的歌唱，以及包括指挥在内的多种艺术手段，将乐曲用具体音高的音响表现出来，传达给听众，以发挥其社会功能。音乐表演它是音乐创作与音乐欣赏的中介，是音乐活动中不可缺少的环节。由指挥家,演奏家,歌唱家等通过自己的艺术实践，对乐曲做出不同的解释和表现，从而给听众以不同的影响和感受。 在音乐表演这节课上让我学会了很多宝贵的知识，让我了解了许多在过去都不知道的一些音乐基础知识，而且深深地体会到学生在台上授课的过程中，很容易犯的一些错误，还有在教学过程中要学会合理的控制规划好教学的内容规模与范围，这都是一个教师需要具备的基本能力。让我知道了上好一节好课真的是非常的不简单的，在背后除了要做非常充足的备课收集资料，更重要的是自己需要拥有非常庞大的知识，这样才能解决学生在课堂上所出现的问题。我们现在都是师范类的学生，以后就业就会面临着上课这个模块，所以多上台演讲授课对于我们来说真的有着非常重要的意义。 在这课上老师先让三个研究生来讲课，然后我们对他们的课做出评价，同时他们身上的错误，我们也要借鉴，因为我们身上也会有这些错误发生。例如他们基本都会存在这些相同的毛病：语速偏快，授课的内容太广，没有很好的架构，教学点比较分散。但是他们都有很多的优点就是他们的备课非常认真，涉及知识面很广，他们对授课的内容有着丰厚的知识底蕴，有深入的了解，有去做田野调查，讲课都比较生动，会与学生互相交流，在台上讲课都会比较淡定，比较成熟与稳重。他们作为我们的师兄师姐为我们做出了一个良好的表率，让我们引以为鉴。到了我们本科生演讲，我发现我们真的都会有师姐师兄身上的毛病，但是优点相对比他们要少，这毕竟跟我们的阅历有着很大的关联。其中我觉得欧文涛已经算是不错的，因为他对他所演讲的内容有着非常丰富的阅历，他对演讲的内容有深入了解，更重要的是多年累积下来的宝贵知识。而且我知道他很喜爱声乐，因为这种喜爱，让他不断地拓展自己的领域，所以演讲的时候他比较淡定，得心应手的感觉。在最后第二节课上，陆诗婷同时为我们介绍一段非常有意义的视屏，这段视频就是薛伟的教学视屏《梁祝》。在薛伟的教学上他说：“演奏不是表演一个简单的音符，而是审美层次上的追求。所以音乐的意境情感的层次，比外在的声音的质感和高超的技术，更重要的是它能传情，能动人。音乐表演更重要的就是在细节的刻画，每一个呼吸都能让音乐变得栩栩如生。我真的非常喜欢陆诗婷同学为我们推荐这一段薛伟老师的小提琴教学视频，我觉得这段视频让我对音乐表演有了更深入的理解，不单是停留在很表面上的认识，对音乐表演有了另一番自己的见解与体会。汤润哲同学讲的是声乐演唱中如何克服紧张的情绪，让我们都学会如何在舞台表演中控制不良的情绪，学会在舞台上调整心情，学会怎么样放松才能够在舞台上表演得完美。他们三个人的演讲都各有千秋，是我们班的榜样，他们除了拥有勇气，更重要他们都有丰富的知识与各自在学习过程中的经验与体会，跟同学们分享他们学习的感受与心得，所以我对他们三人都非常敬佩，值得我们学习借鉴。 在课堂上老师曾经播放一段关于朗朗表演学习的经历以及他跟我们分享他一

中国舞基本功“蹲”的训练

中国舞基本功“蹲”的训练 一、“蹲”是舞蹈基本功训练的基础 所谓“蹲”在舞蹈学习中是指腿的屈伸和弯直的训练。这种训练有单腿蹲和双腿蹲，全蹲和半蹲之分。双腿蹲包含有：小八字步半蹲、全蹲;大八字步半蹲、全蹲;踏步半蹲、全蹲;弓箭步（正、旁）;移动穿掌扑步（男）。单腿蹲训练包含有：端腿蹲、掖腿蹲、跨腿蹲、环动掖腿蹲（旁腿环动到后面成后抬腿后再掖蹲的动作）。 在我的最新认识中，我可以这样阐述“蹲”的训练：蹲要求两只脚和两条腿有正确的开度，胯膝盖脚尖永远在一条横线上，臀部和脚跟在一条垂线上。蹲式腿上的动作，应该从大腿根开始，而不失从腰开始。上身保持正直，腰腹和背肌必须收紧，好像有两块夹板将脊柱钳住向上提的感觉，当我们在下蹲与起立的过程中，腿部是具备有一种内在的对抗性力量。因为在下蹲时，腿本身不愿意弯曲，但又有一股强迫的力量往下蹲。而在起立时，头顶好像被重担压着，两腿用膝盖的力量将上身推起直到两个膝盖伸直为止。我在训练过程中的这种感觉即为“蹲”的最有效的训练结果。 弹跳能力又来自蹲的推动力，“蹲”训练为跳跃技巧创造了有利的条件，没有好的蹲力就难以有好的弹跳和好的落地舞姿，而蹲和弹跳力又主要来自踝关节、大腿和小腿肌肉的能力。通过“蹲”的练习使腿的关节韧带与肌肉富有柔韧的弹性，不仅跳跃要有弹性，而且各种大小舞姿上的旋转也要有弹性，几乎所有的技巧都离不开蹲的练习。

二、“蹲”的训练意义与作用 “蹲”的训练，能使舞者的腿部肌肉群得到全面均衡的发展，能力得到增长与提高。同时，对于跟腱的伸展有着明显的作用。 1.蹲、起的反作用用力。在蹲的位置上向上起的时候，脚后跟向下踩，五个脚趾抓住地面，从踝关节开始向上推膝关节，膝关节再向上推胯，上提下踩的两头拉劲同时进行，这三个关节要在统一的时间用力，才会形成这种两头的拉力，腿的膝和踝关节的力量和发力就会逐渐形成。 2.蹲和臀部的关系。下蹲时大腿的内侧肌向旁边方向打开的时候，臀大肌由两旁向尾椎方向收紧，形成前面内侧肌向旁拉开的同时后面臀大肌向里收紧的反作用力。 3.髋、膝、踝三个关节的作用。要想“蹲”的好，必须强调三个关节要在统一的屈伸规格上进行，向脚尖的方向屈伸，这样才能有一个真正好的蹲，有一个关节的动律不对就会影响整个蹲的用力方法。从髋关节的放松拉开，到膝关节的韧性弯曲，一直到踝关节的拉开。特别是在全蹲时，要强调踝关节和小腿内侧肌向旁拉开的感觉，如果没拉开就不能起脚跟，踝关节和小腿内侧拉开后再起脚跟，训练跟腱拉长。 三、“蹲”在中国古典舞基本功中的重要性 要有技术基础。基础部分首先培养学生基本的站立形态，对于基本站立形态的训练主要有几对关系：脚与地面关系――脚要向下推

舞蹈专业就业调查报告-

舞蹈专业就业调查报告 一、中国舞蹈教育格局下的舞蹈专业现状 中国舞蹈教育目前的格局似乎是两类:一类是以北京舞蹈学院为龙头的专业院校,毕业生就业面向的是某些专业院团或机构;另一类是其他普通综合性高校的舞蹈系,这些院系强调的是复合性人才的培养,培养目标是普通中小学或者幼儿园师资等舞蹈普及型人才。表面上看,这两种培养人才的方向似乎满 足了不同层面的社会需求,形成了一套互补的系统,各有侧重。然而近年来随着高校扩招和艺考热的社会大环境的营造,实际上这两种人才的出路俨然失衡。高校扩招外加艺考热,艺术院校或艺术专业正处于大发展时期,每年的学生量都在增长,使原本相对薄弱的师资队伍显得捉襟见肘,专业舞蹈院校的毕业生除了就业于部分专业的院团和机构,更多地把就业方向投向了高校教师或舞蹈教育行业,炙手可热,供不应求。而另一面,由于专业水准上参差不齐,高不成低不就,既胜任不了专业院团机构和高校的标准,又面对竞争激烈的就业市场、行业人才饱和的现状而走投无路。 二、舞蹈大学生毕业后去向, 按照行业性划分, 主要有以下几种: 1进入某艺术演出团体。该类学生通常身体素质和专业素质都很好, 外在形象较好, 日后随着年纪的增加和经验的积累, 可以从事相关编导或教学工作。毕业生大部分都在从事该类工作。2进入事业单位从事舞蹈教育工作或群众性艺术工作。该类学生通常为舞蹈学专业学生, 此行业对学生的文化素质要求相对较高, 但是对于学生的外在形象要求相应的比较低一些。然而学生选择教育行业, 必须要有教师资格证, 这就在一定程度上增加了学生从事教师的难度。除此以外, 如各级群众艺术馆等也是舞蹈大学生就业的途径之一。 3考研或通过其他途径继续深造。由于就业面广度的限制, 部分家庭条件较好的舞蹈专业大学生毕业后会选择考研或通过其他途径继续深造, 这方面主要对学生的文化素质要求较高, 且由于我国现在对考取硕士学位的要求较为严格,

音乐剧与其他舞台表演艺术的异同

音乐剧与其他舞台表演 艺术的异同 公司内部档案编码：[OPPTR-OPPT28-OPPTL98-OPPNN08]

音乐剧与其他舞台表演艺术的异同 音乐剧与其他舞台表演艺术一样都是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演、舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。与歌剧、舞剧、话剧等舞台表演形式有相似之处。独特之处在于对歌曲、对白、肢体动作、表演等等因素给予同样的重视。 音乐剧中的音乐、唱词、舞蹈、美术、灯光都是用来说故事的，歌舞必需和故事相结合，唱什么歌，跳什么舞，每一个安排都应该有戏剧理由，歌舞必须非常自然地融进剧情，非常有机地整合在故事中，不是生搬硬套歌舞，堆砌歌舞。以《猫》为例，所有的表演就是围绕着在讲杰里科猫族每年都要举行一次舞会，众猫们会在一年一度的盛大聚会上挑选一只猫升天这样一个简单易懂的剧情进行的。这也是音乐剧与相声，曲艺等只有表演没有剧情舞台艺术的区别所在。以《囚中之舞》为例，舞蹈推动了剧情发展，各色歌曲刻画了不同的人物性格，尽可能地简化故事情节，将复杂的剧情、角色的情感以及戏剧的冲突用音乐，舞蹈，演员的语言动作和其他艺术形式表现得淋漓尽致。 音乐剧的舞蹈形式不拘泥于一种，如《猫》就融合了芭蕾、爵士、踢踏舞等多元化舞蹈元素，观众从一场音乐剧中就可以享受到不同的舞蹈方式，美轮美奂。音乐剧的舞台设计也相较其他舞台表演形式逼真，如《猫》的3倍于原物搭建的猫窝舞台——“垃圾场”，《囚中之舞》阴暗晦涩的女子监狱让观众有如同在观赏电影一般真实感受。

音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富有幽默情趣和喜剧色彩，不得不说是一场美的盛宴。

芭蕾舞的基础训练及其重要性

生活舞蹈是人们为自己的生活需要而进行的舞蹈活动;艺术舞蹈则是为了表演给观众欣赏的舞蹈。各种舞蹈五彩缤纷，种类繁多，诸舞种体态迥异，各具特色，但它们也有其内在的共同性和基本规律。芭蕾基础就是各舞蹈练习者必不可少的一课，它在各种舞蹈表演中都起着非常重要的基础性作用。而提到“芭蕾”人们就会很自然地联想到它那优美、非凡的舞姿和高贵、典雅的气质。芭蕾以它独特的艺术表现手段吸引着世人。 一、芭蕾的发展历程 “芭蕾”在西方剧场舞蹈艺术中占统治地位达300余年，至今已历四个多世纪。中国的芭蕾自1958年北京舞蹈学校成立引进俄罗斯芭蕾至今，也已半个世纪。芭蕾在数百年的发展过程中演变出多种学派，其主要有意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派和法国学派等。这些学派之间，风格与动作略有差异，如：意大利手臂基本是直的，但平腕有些下垂;而法国肘和平腕都是弯曲的;俄罗斯则线条强调圆孤形等。 芭蕾的发展过程是一个日趋成熟和日臻完善的过程。“芭蕾”在其发展过程之中经历了五个发展阶段，也称五大发展时期，这就是“早期芭蕾”、“古典芭蕾”、“浪漫芭蕾”、“现代芭蕾”和“当代芭蕾”。这五大时期是以芭蕾在不同的国家形成的发展主流而言的，每个后来的时期都汲取和保留了前一个时期的精彩部分，取其精华，去其糟粕，是对前一个甚至前几个时期的继承和发展，而不是简单的否定或取代。芭蕾在其漫长的发展过程中逐渐形成了芭蕾中所特有的脚和手的基本位置、一些固定的舞姿，以及相应的美学原则。 二、芭蕾的基础训练 芭蕾舞基础训练以科学性、规范性、严谨性为特点，芭蕾舞通过对“开、绷、直、立”等严格的舞蹈磨练，逐渐形成挺拔、匀称、完美的体态，并且使心与形相交融，在意念与感觉的延伸中，使演员们在“气质”上得到培养。芭蕾有一套比较科学的规范要求和训练法则，正是依靠了这些法则，培养出了一大批出类拔萃的优秀舞蹈家，形成许多著名流派，推出了上百个优秀的舞蹈作品。但不管它如何发展和演变，多年来，芭蕾基础训练中的“开、绷、直、立”是一直要严格遵循的，它是芭蕾的基本元素。 1.开。芭蕾最基本的审美特征是对外开、伸展、绷直的追求，包括脚的五种基本位置。这五个位置中表现出“向外”的本质，这通常是指两条腿于髋关节处外旋，即“外开”。外开不是人们自然而然形成的动作习惯，但它对于一种发源于皇家宫廷中的、极具贵族风格的舞蹈

[浅谈戏曲舞台的虚拟手法]舞台调度图

[浅谈戏曲舞台的虚拟手法]舞台调度图 摘要：本文主要通过对戏曲表演艺术的特点的分析，针对戏曲舞台结构虚拟手法的运用谈几点看法，不断创新戏曲表现形式让虚拟手法继续保持其艺术特色，进一步提高戏曲演员的艺术表现力，增强戏曲演员自身的综合艺术素养。关键词：戏曲舞台；虚拟手法；表演艺术；艺术素养戏曲表演艺术的特点，是有深厚的历史根源，起初舞台没有前幕，对观众毫无掩蔽之处，而空间的变化又非常灵活，不可能全都运用实物装置来表现环境，由于戏曲舞台表现处理有虚有实的这个特性就决定舞台结构采取虚实结合的表现手法，虚拟的手法是我国戏曲艺术中特有的表现手段之一。让虚拟手法继续保持其艺术特色，不仅能创新戏曲表现形式，更能进一步提高戏曲演员的艺术表现力，增强戏曲演员自身的综合艺术素养。有一付十分精辟的对联：舞台小世界，世界大舞台。以世界来看舞台，不外分寸之地，却要表现纷纷庞杂的世事，大至沙场征战，小至花生钻介；天上风雷雨电，地上骡马车舟，这个戏曲舞台的容量也实在太大了，而也大大地超了负荷，舞台因为小，便有诸多限制，为了适应这种限制，便要想出许多办法，于是，戏曲舞台的虚拟手法便应运而生。戏曲舞台结构虚拟手法的运用，主要有两种：一种可以说是以简代繁，以少胜多，以点带面。就是以局部来表现整体，局部的东西一旦与演员的表演、规定的情景、气氛的渲染结合起来，就能够唤起观众的想象，把其它不存在的东西通过观众的想象补充上去，

在虚境中造成全局，比如，以桨代船，以鞭代马、以桌代山，以椅代墙等等。戏曲舞台上常常出现“大摆酒席”，“饮酒作乐”的场面里，这些场面的处理就不能按照生活中的摆设，如果鸡、鸭、鱼、肉、羊、猪、菜、汤及大盘小盘的食具和生活的真实一样，在舞台上就是显得太繁琐也不符合戏曲舞台艺术的规律，有杯无筷，端起酒杯，向各位客人说声：“请”，来一举袖掩面的饮酒动作，大家就吃喝完好了。不必端碗动筷，拣菜喝汤，省略这种生活锁事，对艺术的真实感毫无影响，反而显得简洁、精炼、集中、夸张的艺术效果。戏曲舞台上，可以用四人龙套来表现千军万马，可以代表三军兵马行军布阵，冲锋格斗。公堂用刑“四十棍杖”当堂只打一十、二十、三十、四十棍而已。另一种是以虚拟实，以虚代实，以虚现实，这主要是通过演员的虚拟动作来实现的。所谓虚拟动作，就是演员在表演本来需要附着实物所做的活动，不用实物或只用部分实物所做的动作。因为这种动作是从实际生活动作仿效而来的，它和生活有直接联系的一面，是“虚拟的”！这就使观众通过演员在舞台上实拟的表演动作，联想到虚拟中的图景，看出周围的东西。比如：以扬鞭虚拟骑马，不用门而虚拟开门、关门。不用楼梯而虚拟上楼、下楼等等。例如：潮剧《拾玉镯》中孙玉姣在门前搓线，并没有线因搓线的动作是模仿生活，搓线和线是有联系的，这样就使观众从实联想到虚，并从虚境中获得真实感，从逼真的搓线动作中看到线. 虚拟这一表现手法，是有条件的，就是要虚中有实，实中有虚，虚实相生，有虚有实，两者并存，虚实结合。比如没有船要有桨，没有马要有鞭，没有

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性 摘要：舞台表演艺术在对流行音乐的表现力方便起到非常重要的作用。每一部音乐作品客观而准确的演绎，都需要用适当的“肢体语言”补充流行演唱的表现手段，通过情感的合理性和理性投入及完备的综合素养的共同协作，才能形成自己独特的音乐舞台表演艺术风格。本文就此课题进行了探讨，希望通过研究能够帮助到流行演唱中的舞台表演。 关键词：流行演唱；舞台表演；重要性 Introduction to pop singing of the importance of stage performance Abstract:In popular singing, in the proper performance means, "body language" by reasonable emotional and rational investment and perfect comprehensive literacy work together, to form their own unique style of music performing arts, stage, objective and accurate interpretation of each music piece. Stage performance art plays an important role in popular music expressive force, this article on the subject are discussed in this paper, in order to pop singing stage performance in the study help. Key words: Pop singing; Stage performance; Importance 音乐舞台表演，在音乐艺术实践中将音乐创作与作品欣赏衔接中起到桥梁的作用，它的技术过程体现着音乐作品从平面形态变为时空形态的变化，也展现着是音乐表演者的音乐表演实践能力。良好的音乐舞台表演能力培养包含：表演技术、技巧；合理情感与理性投入；良好心态；优良的综合素质；恰当“肢体语言”的补充等几方面。 一、丰富的舞台表演是流行歌曲演绎所必须的 出自《音乐美学基础》里有一句话说，音乐是感性的材料，但这声音又并非一般意义上的声音，它是在创造性的基础上建立，在模仿、象征、暗示和表情等表现

舞蹈教育的重要性分析

舞蹈教育的重要性分析 摘要：中华民族有着悠久的舞蹈教育传统。舞蹈作为一门艺术教育学科能够和谐地将身体、精神、情感以及社会的不同层面融合在一起。我们需要知识全面、可塑性高的人才来满足新的需要。舞蹈作为一种教育手段帮助我们更好地完成这一教学宗旨。 关键词：全面智能发展不可缺少作用意义 我们不难发现，随着社会的不断进步，教育问题愈来愈受到全社会的共同关注。对于如何促进青少年的全面智能发展，国家教委提出了一系列新的教育改革方针和教育理念，新的教育理念更是强调要以培养人的综合素质为目标，促进受教育者身心的全面发展。美国心理学家加德纳就曾在上世纪80年代提出过关于智能发展的重要理论。近20年来，不仅在心理学界产生了深远影响，也在教育领域里引起了强烈的反响，在各门的学科教学中也引发了许多新的探索。最重要的是，这些探索都强调本学科对促进其他学科能力的作用，同时注重通过与其他学科的渗透与结合使本学科的能力得到充分发展，其中就包括了舞蹈教育。加德纳认为，人的智能是多方面的，它包括各种不同领域，如：语言智能、空间智能、身体运动智能（包括舞蹈智能）、音乐智能、人际智能等。这些智能具有相当的独立性，而在人们的实践活动中常常是结合在一起发挥作用的。在这些智能的发展过程中，互相影响、互相渗透是非常广泛的。在教育上，一方面应当根据个人的能力发展的独特的优势领域和弱势领域进行有针对性的培养；另一方面应当改变以前的不同学科分别以特定的智能发展为目标的分工模式，转向各个学科都围绕发展多元智能的整体目标来设计和实施教学内容。最早的教育家之一柏拉图清楚地意识到全面教育的重要性。他说：“教育的目的就是赋予身体与思想最完美、最理想的能力。”而舞蹈教育作为一种艺术形式更是这一实施过程中不可缺少的一部分。 一、优秀的舞蹈教育传统 首先就文化艺术的历史传承性而言，中华民族有着悠久的舞蹈教育传统。有关中国上古时代的舞蹈教育记载已屡见史籍。《史记五帝记》言舜时“以夔为典乐教樨子……诗言意，歌长言，身依永，律和声，八音能谐，毋相夺论，神人以和。夔曰：於予击石拊石，百兽率舞。”此记载在《竹书纪年》中得以印证。《竹书纪年》载舜“十七年春二月入学初用万”即远在舜的时代，已经在官方学校里对贵族子弟实施万舞教育。万舞，乃是一种以干羽为舞具的宫廷乐舞。因此，至少在舜的时代，我国已经在学校中实施了乐舞教育。至周初时，舞蹈教育已成定制，且蔚为大观。当时，对不同年龄的学童，在教学内容方面，已有了明确的教学要求：“十有三年，学乐，诵歌，舞勺。”“成童舞象”（《礼记内则》）并且依周礼的规范，在不同时令阶段，对舞蹈教学的内容有相应的规定：“凡必学时，春夏学干戈，秋冬学羽，皆有序。”（《通典卷53》序）就是周代官办之学校。如果说，周代“学在官府”，只有贵族弟子才有机会“习舞”的话，则孔子在唇枪舌剑末所办之私学，在其所教弟子所习之“六艺”中，也同样充实有乐舞教育的内容。《晏子春秋》中载孔子“歌鼓舞以聚徒”，以歌舞形式聚众多门徒弟子，足见歌舞教育在其时社会下层民众中也是颇具影响力和感召力的。同时，也证实了即使在两千多年之前的古代文化氛围内，舞蹈教育也是普通平民教育中不可或缺的重要内容。