西方绘画题材的变更

一种文化艺术的发展源远流长，时代的进步、社会的变更，不断地影响着这种文化艺术的嬗变。在西方绘画艺术史上，随着朝代的更替和社会经济文化的发展，绘画也一步一步地嬗变着。本文单从题材方面入手探讨西方绘画的发展与演变。

绘画题材的定义是美术家在审美地认识生活的过程中，按照一定的创作意图对生活素材进行选择、提炼、加工、改造，而在美术作品中具体描写的一定的现实生活。在西方绘画中，可以把题材划分为：宗教、神话、历史、风俗、风景、静物等。［１］（ｐ２１５）

最早的古代绘画在洞窟和岩石上，动物是原始人最感兴趣的题材，如西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画就画了许多野牛、野猪、野鹿等动物形象。“人类早期艺术品的题材以牛、马等动物和人的形象为主”

［２］（ｐ２２），原始人看重动物是由狩猎经济决定的，所以题材较单一。绘画发展至古希腊罗马时代，美丽而富有幻想色彩的神话故事成了主要的题材。马克思说过，希腊神话是希腊艺术的土壤。绘画跟雕塑一样，也追求一种理想的美，对神的描绘往往是按照现实的人加以美化的。哲学家曾说，人是按照自己的面貌创造神的面貌。现存的一些雕塑、壁画和陶瓶画，多数都以希腊神话故事和人物为表现的主题，如女神维纳斯、命运三女神、雅典娜等，男神有阿波罗、狄奥尼索斯等。这时期的题材范围广泛，包括了神话、历史故事和世俗生活的场景，如《狄俄尼索斯渡海》，描绘了希腊神话里狄俄尼索斯渡海遇盗的故事。古罗马艺术则继承了古希腊时期的风格，留存的绘画主要是镶嵌画和壁画，题材多是历史、神话故事和日常的生活，如庞贝古城发现的镶嵌画

《伊苏之战》，就生动地描绘了亚历山大与波斯王大流士三世在伊苏决战的情景；《面包铺夫妇像》则描绘了日常生活中的普通人；壁画《奥多布郎狄尼婚礼》形象地描绘了一种典雅、欢畅的宴会氛围。这时期已经出现有描绘自然风光、田园美景等的题材。古罗马艺术与古希腊艺术相比，则更具有高度的写实性和世俗性。

随着基督教统治的中世纪的到来，

“艺术和哲学一样成了宗教的婢女”

［２］（ｐ２６），这阶段的艺术也可称为基督教艺术。在这个时期，宗教崇拜的神圣要求限制了艺术反映生活的丰富性和生动性。［３］（ｐ１７）绘画艺术表现的都是基督教圣经的故事，否定了古希腊艺术。早期的基督教并未合法化，宗教活动都秘密地在墓穴里举行，该时期留下了一些墓室壁画，内容也都带有象征的意味，通常以隐喻的手法表现宗教内容。如罗马的普里斯拉地下墓室中的天顶壁画《善良的牧羊人》，牧羊人的形象象征耶稣，形象地表现了基督教的宗教意识，这就是早期基督教艺术最常见的题材。在基督教合法并成为国教以后，绘画的题材基本上就限制在《圣经》《旧约》等故事题材上，它的主题就是神，永恒的、全能的、智慧的神。

１３世纪末１４世纪初，文艺复兴开始萌芽。文艺复兴是复兴古

代希腊罗马文化，具有鲜明的反封建宗教的特色，出现了与宗教神权相对立的思想体系——

—人文主义，提出以人为本的世界观，艺术的首要任务是描绘人以及人存在的世界。该时期开始出现大量的肖像画和风景画，艺术家往往都按照现实中的人物来刻画圣母、耶稣和其他一些宗教传说中的人物。乔托是第一位脱离中世纪艺术风格的人，如他的壁画

《逃亡埃及》表现的就如同普通农户家的故事。马萨乔的《逐出乐园》，以宗教题材来传达宗教精神的绘画却传达出超宗教的人性激情。波提切利的名作《春》和《维纳斯的诞生》则以希腊神话为表现的主题。文艺复兴的盛期１５世纪到１６世纪末，出现了很多艺术大师，如达?芬奇、米开郎基罗、拉斐尔等。该时期，凡人也成为艺术表现的主角，如达?芬奇所作的

《蒙娜丽莎》、乔尔乔纳的《田园合奏》，都是对普通的市民、美丽的自然和幸福生活的赞歌。

文艺复兴后１７世纪，艺术开始出现多种流派。当时流行的巴洛克艺术是华美的、激情的、动态而且艳丽的宫廷艺术风格，专为宫廷贵族、教会和资产阶级服务，有浓郁的宗教主义色彩。题材则以寻欢作乐的神话故事、歌功颂德的历史题材以及更加世俗化的宗教题材为主。巴洛克主义的代表大师有鲁本斯和贝尼尼。卡拉瓦乔主义是１７世纪出现的现实主义，并且具有鲜明的民主主义思想色彩，宗教题材也用来表现下层民众的生活，如流浪汉、农夫、乞丐等都成了宗教绘画中的角色。因为深切关注下层的民众生活，所以其题材的选择更趋向大众化。荷兰的现实主义大师伦勃朗也以普通的平民和下层劳动者为主要的表现对象，如

《圣家族》。还有一些画家则专门描绘农民生活的题材，如勒南兄弟。西班牙的绘画大师维拉斯贵支也是现实主义的大师，曾画了《纺织女工》等进步题材的现实主义绘画。这些都反映了当时的社会生活场面。在这个时期，肖像画非常发达，最著名的肖像画家如伦勃朗和哈尔斯，曾画过社会各阶层、不同年龄的人物。在荷兰还出现了很多小画派，有专门画风景画、静物画的画家。风景画已经成为完全独立的绘画题材，多取材于荷兰当地的风光，描绘沙丘、

海滩、风车、牛羊、土地以及茂密的森林等。著名的画家如扬?凡?戈因、小威廉?凡?德?维而德等等。静物画的画家们则专注于描绘各种日常生活用的器皿、珍肴果蔬等，对这些进行了最细致的刻画。

１８世纪，法国成为了欧洲绘画的中心，轻松活泼的洛可可代替了巴洛克，以至形成了在欧洲占统治地位的主流艺术风格。洛可可是一种柔丽香艳、纤巧而细腻的宫廷装饰风格，这一风格的代表画家有华多、布歇和弗拉戈纳尔等，他们都成了那个奢华时代的诠释者。创作的题材有神话故事，也热衷于描绘当时宫廷贵族生活的奢华沉迷、寻欢作乐以及一些谈情说爱的香艳题材。如华多的《舟发西苔岛》、布歇的《裸女》，还有弗拉戈纳尔的《秋千》等。西方绘画题材的变更

成晓丽

（浙江师范大学

美术学院，浙江

金华

３２１００４）

［摘要］文章探讨了从西方绘画的起源直至现代，题材在西方绘

画史中的演变，从中理出题材演变的一条清晰的脉络。西方社会历史的更替，各种绘画流派、各种文化思潮等都是影响题材演变的因素，而题材中也反映了西方社会的历史发展变化。

［关键词］西方绘画；题材；演变［中图分类号］Ｊ１１０．９［文献标识码］Ａ

［文章编号］１００３－３６５３

（２００８）０２－００８３－０２［收稿时间］２００８－０３－１８

［作者简介］成晓丽

（１９８３－），女，浙江义乌人，浙江师范大学美术学院２００６级研究生，研究方向：美术理论。

（下转第８５页）

艺术探索

ＡＲＴＳＥＸＰＬＯＲＡＴＩＯＮ，ＪＯＵＲＮＡＬＯＦＧＵＡＮＧＸＩＡＲＴＳＣＯＬＬＥＧＥ

２００８年４月第２２卷第２期

Ａｐｒ．２００８Ｖｏｌ．２２Ｎｏ．２

（上接第８３页）与洛可可风格并存的还有现实主义和古典主义风格。现实主义以夏而丹为代表，以穷苦的家庭生活场面为题材。到１８世纪末１９世纪初，随着大革命的到来，出现了为资产阶级服务的新古典主义，借用古希腊罗马的英雄题材来讴歌法国的资产阶级革命。英国的思想家卡莱尔认为“英雄崇拜”本来就是人的天性。大卫就是法国新古典主义的杰出代表，他作的《荷加斯兄弟的宣誓》《苏格拉底之死》《布鲁图斯》都是取材于古代的英雄故事，他还为拿破仑画了一系列以现实历史事件为题材的作品。而浪漫主义则将战争题材和英雄主义更加发扬光大，西班牙重要的浪漫主义画家戈雅就曾以当时的历史战争事件为题材画了《１８０８年５月３日的枪杀》等作品；另一位浪漫主义大师德拉克洛瓦也以当时的法国七月革命事件为题材绘画了《自由神引导着人民》，名作《希阿岛的屠杀》也是以历史题材创作的。在１９世纪，艺术流派更迭频繁，艺术家对题材的选择不再受限制。所以自中世纪以来的宗教主题在绘画领域的统治地位终于瓦解。现实主义则对希腊神话和历史题材不感兴趣，选择的题材都是来自现实生活的典型，注重艺术的真实性和客观性，如大师库尔贝和米勒，取材都是现实生活中的劳动者劳动的场景，一些作品则带有批判的意味。而巴比松画派则喜欢实事求是地描绘自然风光。

１９世纪末，欧洲的艺术开始从传统形态向现代形态过渡。印象主义就是这个过渡的阶段。印象主义既表现自然中的光和色，也表现社会生活，而且题材广泛，取材于普通生活中的人物。印象主义重色彩而轻造型，提倡户外写生，风景画占了很大的比重。莫奈的作品都是户外写生完成的，题材以风景为主。德加是印象画派中的人物画家，善画女工和芭蕾舞女。毕沙罗的作品更贴近社会问题，作品的题材多选择劳动者的真实生活。新印象主义即点彩派，取材基本以风景、人物和生活场景为主，代表画家有修拉、西涅克。后印象主义的塞尚，被称为“现代派艺术之父”，深入研究自然，表现与自然相似的有真实感和动态感的图像，题材选择风景、静物和人物。凡?高和高更侧重于精神性的表现，赋予画面以象征的意味。他们不注重题材，只重视探索新的艺术语言，表现内心的情感。凡?高

也对普通的劳动人民表达了很深的关注，有更多的人道主义精神。他也画静物画、自画像等。高更则更多地以土著人的生活场面为题材进行创作，作品中充满了神秘主义的色彩。

１９世纪末２０世纪初，西方社会进入现代工业社会，出现了新的视觉经验和价值观念。传统派的艺术特征是求实写真，而现代派的艺术则反对求实写真。［４］（ｐ２７５）现代派艺术占据了统治地位，诞生了许许多多的流派，异彩纷呈。如象征主义、野兽主义、立体、德国表现主义、意大利未来主义、达达主义、抽象表现主义、超现实主义以及波普艺术等。现代的绘画艺术都更重形式，题材来源更加广泛，以往未涉及的题材也都表现于绘画上，如抽象的几何形画面，表达情感宣泄的表现主义，还有超现实主义所描绘的梦境等等。题材甚至趋向虚无，被解构了。

西方绘画题材不外乎三类：一是古代神话，二是基督教，三是世俗生活。［５］（ｐ１５５－１５６）风景画和静物画也属于世俗画类。原始绘画以狩猎为主要题材；古希腊罗马时期主要以神话故事为主；中世纪则是基督教统治下宗教绘画占主导；文艺复兴之后题材选择的范围趋向广泛，直至现代主义，艺术家甚至放弃表现具体的物象，表达内心的主观情感，题材被解构。纵观西方绘画的题材的发展，不难找出规律。题材的演变与社会的发展变化息息相关，世界的日新月异，也深深地影响了绘画题材方面的探索，新的题材不断出现，成为艺术家们表现自己主观精神和客观世界的一大内容，涵括了大千世界的方方面面。

参考文献：

［１］王宏建，袁宝林．美术概论［Ｍ］．北京：高等教育出版社，１９９４．［２］肖鹰．中西艺术导论［Ｍ］．北京：北京大学出版社，２００５．

［３］迟柯．西方美术史话［Ｍ］．北京：中国青年出版社，２００１．

［４］杨琪．你能读懂的西方美术史［Ｍ］．北京：中华书局，２００７．

［５］洪惠镇．中西美术比较史书——

—中西绘画比较［Ｍ］．石家庄：河北美术出版社，２０００．

（责任编辑、校对：刘绽霞）

种构成意识明显是来自于“轻墨落素，有象之以生，无形因之以生”的传统启示。从龚贤后期的作品中我们可以看到，许多小而黑的石块在画中十分耀眼，大面积较完整的石块旁边总是堆积着这些小的黑墨块，这种处理方法不但起着稳定画面的作用，而且与天空、水面这些空白处形成了黑白关系井然有序的节奏感。同时，石块上端的白又在整个黑重的画面上不断闪耀，使“黑龚”类作品透出了迷人的灵动感，也增添了大自然光影千变万化的明暗“神秘感”。龚贤的积墨法后面有着明显的明暗在支撑。他的这些众多大小不同石块的构成和造型，取法董源和黄公望的部分作品，显然也来自于传统构成的启发。不同的是龚贤不是简单地重复前人，而是结合黑白有自己的创新。我们从龚贤的黑白关系中看到了一种明暗在组织画面，这是一种有体积的明暗，有着与西方明暗同构的因素。这是龚贤对传统山水画在明暗和灰色层次上作出的巨大贡献。也正是这种黑、白、灰的层次，使龚贤的山水画作品创造了一个令人折服的另类世界。

３．画中的精神境界

细读龚贤的画，可以感受到他高尚的人格和他独特的美学品格，拓展了他笔下山水之境的精神境界。他做人心境淡泊，不逐名利，作画却感情真切，表达了对生命的经验。他热爱家国的一山一水、一草一木。他的每一幅作品都具平静心、平常心，但同时又法度森严，高境界，真正做到了“无为无不为也”。他性情高洁，超然不群，不与贪官世俗同流合污，耻于礼法之间周旋。他追求自由、超脱、宁静渺远、大自在的精神境界。在他的画中很少有人物或动物存在，唯恐人物的出现打破山谷的幽静。他对大自然的向往和对田园生活的满足，使他笔下山水林木清冷却不死气沉沉，孤高而无傲视之态；苍黑、深沉而并非浑浊、郁闷和压抑；奇妙、虚幻而又与生活相亲，令人向往。他不喜欢图解真实景物式的山水、人物、舟车之类，他认为局限于小真实的可游、可居的山水画是雕虫小技。可见，他追求的是心中理想的境界，深思飘荡、来去自如、不固止的精神境界。漫游才称得上诗情画意，才可能通向无边无际的大境界。这才是自觉或不自觉地超越时空，是宇宙意识的自然流露。

参考文献：

［１］萧平．龚贤书画精品集［Ｍ］．南京：江苏美术出版社，１９９３．

［２］龚贤．龚半千山水画课徒稿［Ｍ］．成都：四川人民出版社，１９８１．［３］潘运告．唐五代画论［Ｍ］．长沙：湖南美术出版社，１９９７．

（责任编辑、校对：刘绽霞）

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

黑白与明暗：龚贤山水画／狄德全

(完整版)中西方美术作品对比赏析

---------------------------------------------------------------最新资料推荐------------------------------------------------------ 中西方美术作品对比赏析 中西方美术作品对比赏析美术史的发展不是某个或几个所谓优秀民族的事，也不是能说是某几个民族优秀文化影响的现象。 在通往美术文化的进程中，各个民族都有独特的贡献。 中西绘画的审美特征区别是十分明显的，中国传统绘画重言志抒情, 西方传统绘画则重模仿自然，中国绘画讲究意境美，西方传统绘画则重视人体美; 中国传统绘画呈现出哲学化的审美倾向, 西方传统绘画呈现出科学化的审美倾向。 董源《潇湘图》： 画家以江南常见的远山近水为题材，山峦在远处，平缓连绵。 山下是荡荡江水，浩渺无际。 画面上的风景分为前后两个部分。 前半部分是水汀沙洲、荒疏芦苇，一条小船正迎面徐徐而来，小船上，端坐一红衣主宾，前有侍者下跪，后有侍者执伞，船头船尾，两个船工合力将小舟缓缓地荡向滩头，岸上，迎候的人们纷纷上前，挥手致意，浑然一幅充满诗意的潇湘游乐图。 画面的后半部分，山峦平缓地起伏着，山林清朗得绝无尘埃，林子的深处，隐约几家茅舍，在沙汀、苇渚之间又荡着几只小舟，江边，有人正拉网捕鱼这又是一幅令人陶醉的江南渔乐图。 多么令人神往的场景！山林淡远，河洲清旷，人们或访友迎宾，或荡舟渔乐，仿佛心神都和山山水水融为一体了。 1/ 5

画面上的两组人物，看似互不相关，却在山水的映衬中和谐一致。 这是江南乡野间的生活场景，是画家眼里的真山水，这里没有苍山夹乱流的险峻，而是草木葳蕤的绵延。 这里没有仙风道骨今谁有的禅问，而是平平常常的大自然、真生活。 在这幅画中，董源用细细密密的点子皴，由远及近、由疏及密，由淡及浓，呈现出云霭雾气，烟水微茫的一片江南。 这是何等的诗情画意？足以让人忘却宠辱，寄情其间。 想来，董源的受宠，还是得益于画面上呈现的一派澄静气象的，1000 多年前，偏安江南的南唐王室，只有这片青山绿水是聊以慰藉的。 与其戚戚然茫茫北望，不如守住一方丰饶，看花红胜火，水绿如蓝。 或许，是江南层层山岭上苍翠欲滴的树木和水汽朦胧的烟云滋养了他，或许，他天生就是爱山水的人，董源，执拗地、快乐地行走在烟雨江南，描画山水，江南山水的那种气息，那种平静、润泽、蓬勃的气息，仿佛就从画卷里扶摇升腾，沛然于画家的心胸。 你看吧，在《潇湘图》里，水面只是淡淡的皴染，已是一片烟波浩渺的江湖；山林也只是细密的皴擦，却有一派蓊郁勃发的气势啸荡。

结合中西方绘画作品,比较中西方绘画艺术之间的区别与联系_百度重点

结合中西方绘画作品，比较中西方绘画艺术之间的区别与联系 中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。中国绘画注重表现与写意，即强调感性；而西方绘画注重再现与写实，即强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。如范宽的《溪山行旅图》和黄公望的《富春山居图》等，它们虽不能准确地再现现实景象，但却气韵生动，能带给人一种意境之美。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表现近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。如文艺复兴时期的拉斐尔的《雅典学院》和西班牙的著名画家委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世像》等。所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。中国的山水画充分表现了自然之美，表现的是人格化的自然，能让人融入山水之中，怡情自然。如展子虔的《游春图》是一幅描绘自然景色为主的青绿山水画卷，表现人们春天出游的情景。画家在不大的绢幅上以妥善的经营、细劲的笔法和绚丽的色彩，画出了青山叠翠，花木葱茏，波光粼粼的春光佳境，图中山青水秀，水天弥漫，在波光潋滟的湖面上，一艘华丽的高篷游艇随波荡漾。船中三位女子纵目四望，陶醉于明丽的湖光山色，流连忘返。湖边数人或骑马或漫步于山间小道，或袖手仁立岸边，兴致盎然。画家通过对各种自然景色和人物活动的生动描绘，成功地体现了《游春》这一主题。中国花鸟画既形似 又神似，不仅表现了花鸟之美，而且花鸟都被赋予了画家的思想感情，形象生动。《鸡雏待饲图》描绘的是两只卧立各一、茸茸可爱的雏鸡，通过它们张开的小嘴以及向同一方向张望企盼的情态，我们似乎可以听到它们对画外母鸡迫不及待地“叽叽”呼唤，这呼唤可能是它们表达见到母鸡的喜悦之情，也可能是诉说它们饥饿难耐之苦。画中两只雏鸡虽然向同一方向张望，但它们的动态却完全不同，一只是欲立前瞻，一只为侧身回顾，给人以静中寓动之感。这幅画没有任何配景，显得非常单纯，但却笔墨无多意更浓。中国的人物画虽不能明确表现出人的相貌，但人物的动作神情却非常真实。《洛神赋图》是以曹植的文学作品《洛神赋》为脚本加以

中西方绘画艺术赏析

中西方绘画艺术作品比较赏析 —父亲和蒙娜丽莎的微笑 国贸1002 XXX 指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。油画在当时历史条件下体现着一种新型审美价值——意境审美，而这，其实是古老的传统审美。这听起来就是一个悖论，是油画在中国的传播和发展上存在着的众多的悖论之一。但悖论往往孕含着生机，随着对西方绘画的深入研究，越来越多的人们更加清晰和准确地发现了自身传统文化的优势。重新认识古典的意境审美，并将之在当今油画创作中进行解读和转换，是油画创新的资源之一，也是油画由走向自主发展的必由道路之一。 在《中外美术鉴赏》这门课中见到了许许多多的世界名画，其中很多都给人留下了深刻印象，我最喜欢的是罗中立的《父亲》和达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》随着对达芬奇了解的深入，对大师创作的背景、时间和境况也有了更多了解。花费了很长时间才完成，它为达芬奇大师的绘画生涯画上了一个圆满句号。至今大家还都会被这幅画深深震撼，也被达芬奇大师对绘画的热情和执著追求而感动。 【关键词】中西；绘画；父亲；蒙娜丽莎 【正文】 1 《父亲》 在油画中追求意境，开拓油画审美的本土化的路途中，罗中立的《父亲》堪称是一幅意境深远的经典之作。这幅作品描绘的是一个普普通通的老农形象，却像一首扣人心弦的沉重又悲怆的奏鸣曲令人震撼令人感动。 《父亲》这幅中国油画史上的“名作”，主要从意境审美角度进行分析。绘画的意境由象内之境和象外之境构成。首先，《父亲》的象内之境：人物形象。这是一个农民形象的父亲，画里的“父亲”脸上布满皱纹、额头流淌着汗水，手里端着一个粗瓷大碗，望着前方。对于油画《父亲》，相信观众不会把它当作画家罗中立本人的父亲的肖象来看待。即便知道这个“父亲”的真实身份，观者的欣赏还是不会就这个形象而止，还仍然会产生很多联想和感触。这其实触及到了意

中西方绘画艺术作品对比赏析

《中西方绘画艺术作品对比赏析》 ——泼墨仙人和吹笛少年 会计专科1105班万毅指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术表现。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。在漫长的历史发展过程中，中西方的绘画艺术也在逐步完善，各自都出现了很多优秀的代表作品。由于中西方的地域环境、文化、历史等等人文环境的不同，因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，也使的艺术形式和表现的多样化。在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。本篇论文就是通过分别介绍一幅中西方的代表作品，来认识中西方绘画的差异。通过分析和对比中西方文化的差异，做到相互借鉴，取长补短。更好的去发展和弘扬中方文化艺术。 对比作品为梁楷的《泼墨仙人》和马奈的《吹笛少年》 【关键词】梁楷；泼墨仙人；马奈；印象派 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在一堆，似醒未醒，似笑非笑，一脸怪相，似乎有着无限的智慧，看透了宇宙的一切，他袒露胸腹，无拘无束，精神在自由自在的天地中飞翔。这种极度夸张了的形象，是人，也是神，或者说是人化的神。 在这幅画中，画家梁楷对画中人物以简化和夸张、变形等处理使之“传神”。相比于西方人物画，中国人物画除了在手法上不最求科学真实外，中国作品留下的印象却一时难以找到恰当的现代词汇来概括，这时还是觉得“气韵”二字比较符

中西方美术比较的总结

以下是对此次研究中对中西方美术比较的总结 1.中国画讲究"气韵生动",西方绘画主要讲究形的要求. 2.作画方法,中国画讲究"默写"即获取素材之后回房作画,西方讲究写生. 3.观察方法,中国画讲究在游玩中无意中获取素材,而西方讲究刻意的取景. 4.构图,中国画讲究留白,而西方绘画出现留白则视为画面不完整. 5.透视,中国画为散点透视,西方绘画为焦点透视. 6.诗书画印的利用,中国画里诗书画印为一体,是画面的重要组成部分,而西方绘画没有此论. 7.西方美术以注重实际，光影效果要求严格为主，形似神不似创意抽象留出想想空间为辅； 中国美术以中国画为代表，注重意境，注重人的情感，神似形不似。以画家的意志为转移。 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求“妙

在似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当然在明清两代发展起来的工笔绘画，在一定意义上也偏重了西方绘画的焦点透视（工笔建筑要稍少一些）。 绘画工具的不同也造就了中西方绘画的差异。毛笔，纸张，绘画颜料可谓独树一帜，更体现了中国古代人民的智慧，当然整个当时西方社会的工艺水平也是很高的。 总的来说，中国绘画讲究的是意境，画面的构图可以北地之山，南河之水，成竹在胸，山林水楼，人物花鸟，增减不在

专题三 中西方绘画比较(二)

专题三中西方绘画比较（二） 昌邑市补习学校2011年10月20日星期四 【学习目标】 1.了解掌握西方风景画与中国山水画的不同表现方法和审美方法。 2.了解掌握西方静物画与中国花鸟画的不同表现方法和审美意境，以及文人画的产生发展，及 代表画家。 【学习重点】 在掌握审美方法的基础上，掌握不同国籍不同画种的代表画家及代表作品。 【知识梳理】 一、中国传统山水画 1、起源：魏晋南北朝 2、特点：采用散点透视的方法，追求情景交融的意境，讲究程式化的笔墨技巧和 情趣，空间处理上追求“以大观小，小中见大”的手法 3、中国山水画“三远法” （郭熙《林泉高志》） ①高远法：自山下而仰山颠（高度） ②深远法：自山前而窥山后（体积） ③平远法：自近山而望远山（空间） ④下列图片分别属于哪种观察方法？ 郭熙《早春图》范宽《溪山行旅图》倪瓒《六君子图》 （）（）（） 4、中西方山水画比较 5 ①现存最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》。 ②北宋范宽的《溪山行旅途》主要描绘北方山水的雄伟磅礴之美。“得山之骨”“与山传神”、 ③北宋郭熙《早春图》深远法和平远法的运用，表现春日来临，大地复苏，山间雾气浮动的景象。用山间早春欣欣向荣的气息来赞美皇帝宋神宗的魄力与英明。 ④北宋王希孟《千里江山图》青绿山水的代表作，采用散点透视法，运用深远、高远、平远的构图方法表现祖国雄伟壮丽的锦绣河山。 ⑤南宋米友仁的《潇湘奇观图》米芾、米友仁父子创立了“米氏云山” ⑥“宋四家”李唐、刘松年、马远、夏圭，“马一角、夏半边”其作品构图采用边角式构图 ⑦元四家：黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇 二、中国传统花鸟画 1、高峰：宋元 2、特点：具有以写生为基础，借物抒情，托物言志的优良传统。写意花鸟画在造型表现方法上大多追求“似与不似” 3

从文化差异浅谈中西方绘画艺术的不同

从文化差异浅谈中西方绘画艺术的不同 中西方美术由遥远的原古时期发展到现在的文明时代，由古延伸至今其形成演变到逐渐完善，可谓此涨彼伏、异彩纷呈。无论是中国美术抑或是西方美术，它们都是人类的精神创造。只是由于东西方文化传统、哲学观念的差异，我们会发现两者在艺术创作和表现形式中的共鸣与差异，同时促进双方之间的了解与融合。 一、中西方审美意识的比较 中国绘画与西方绘画由于文化环境、审美倾向的异同，侧重点是有所不同的。中国美术在表现与再现、抒怀与求真关系中，强调主观情感的抒发，使人在融入自然的同时感受到心灵的愉悦，从而达到“天人合一”的和谐。西方艺术相对强调客观地再现，以求真求实的理性精神，偏重于强调对象客体的方向。中国绘画是由笔墨营造气氛，重视传神与意境，追求神情意趣的氛围。它一方面要求形与神的结合、情与景的互映，另一方面还要求创作者以中国哲学所独具的智慧和心灵、以笔墨艺术独有的语言形式表现出一种“境生象外”的审美境界。然而西方人眼中的人与物皆是宇宙的本体，人与物的关系是并列关系，人只能站在与自然一定距离之外，借助眼睛等主观能动因素去理解把握自然之美。因此，西方绘画尤其是西方古典艺术，则是真实自然的再现和模拟，是对自然的真实表现。这种主观把握情感、再现自然的把握性与中国古代哲学那种人与自然统一、人是自然的组成部分的世界观是有很大差异的。 然而无论中西方在文化背景与思维方式上存在着多少差异，但人类对于“美”的追求和对“和谐”的探究永远是一致的。东方的“天人合一”思想体现出中国人对自然的眷恋，实现了主观意志与客观规范的统一，是中华民族文化的精髓；西方以“摹仿说”为代表的古典主义强调客观再现的真实性，实现了个别性与典型性的统一，其理性主义精神点燃了人类生命的光芒，体现出对人类命运的终极关怀。二者从不同的方向和角度完善了古典艺术美学的和谐理想，使人类的心灵得到了慰藉，这是东西方艺术重要的契合点，也是中西方哲学观在艺术领域的反映。 二、中西方绘画题材与表现方式 中国的文人画家尤为重视书法与绘画之间非同寻常的关系，他们把握了书法艺术的精髓，说到底中国的艺术其实就是线的艺术，是对线的不断追求变化的艺术。历朝历代的画家都自觉遵循着前人积淀下来的经验，尊重传统，因此致使在

如何欣赏西方绘画艺术

如何欣赏西方绘画艺术 对于油画的鉴赏，油画与国画一样，同样讲究构图、布局和画面立意及意境，更重色彩。但画油画的工具不同，是用油彩画在布上，所以色彩和技法比其他画种更丰富、更多的变化手段。油画的层次也很丰富，表现力、立体感和三维空间都特强，真是可以把人带到一个真实的意境之中。 对于油画的鉴赏,油画与国画一样,同样讲究构图、布局和画面立意及意境,更重色彩。油画的颜料色彩是非常丰富的，与中国画比较，色彩更鲜艳，更立体，更丰富，视觉感更强。当然并不是讲一幅画的色彩越多越好，油画在西方已经有三四百年的历史，形成了许多的流派，不同的流派的颜色，色彩的使用各不相同，一幅好的油画作品它整体的色彩是非常协调的同时有些色彩是有视觉冲击力的。 油画很强调真实感，表达的手段也越来越丰富了，例如可用刀刮、用笔画、贴麻布、贴报纸，甚至贴金属丝、纤维等等，力图给人视觉冲击力。 油画创作就其题材划分，可分为主题画，风俗画，风景画，人物肖像画与静物画等。但不论何种题材，作品主要是依靠造型与色彩两大要素。也就是说，油画使用的是形，光，色这三大表现手段。 形，也就是形体。这就要求画家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。没有很好的素描基础，要想画好油画，如同没有地基的高楼，是立不起来的。 光，也就是光效的表现。法国印象派兴起之后，引发了人们对光的研究与表现。画家对光的理解趋于了科学与理性。因而对光影的表现也就更加逼真生动。光与光影是烘托气氛的重要元素。这个道理只要看看戏剧舞台的灯光效果就不难理解了。 油画最重要的元素是色彩。色彩不同于调色板上的颜色。画家从来不会把调色板上的颜色，也就是工厂制造出来的颜料，原封不动地搬上画布的。这些颜色必须经画家精心地加以艺术化的调制，以求得色彩的柔和，逼真，色块与色块之间搭配的和谐统一。这就是人们通常所说的调子或色调。一幅油画的颜色不能是

中西方绘画作品比较赏析

中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。 绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种 类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。

中西方绘画艺术作品比较赏析

中西方绘画艺术作品比较赏析 ——《富春山居图》与《星空》 【内容摘要】每一件真正的艺术作品都具有独立的价值。有人曾说，艺术就是艺术，犹如水就是水一样，它的美学价值无需依赖其他事物而存在。不过，如果我们想更好地欣赏个别艺术作品，还是要首先了解人类艺术的全貌，唯有在这个历史全景中，才能凸显具体作品的创造性特性。而且，艺术是人类精神王国中的一个特殊领域，它是精神和物质相互结合的审美产品。因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂。 【关键词】：中西；绘画；艺术；黄公望；富春山居图；凡高；星空 【正文】 1.《富春山居图》 元代著名书画家黄公望的一幅名作，世传乃黄公望画作之冠。黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望把“毕生的积蓄”都融入到绘画创作中，呕心沥血，历时数载，终于在年过八旬时，完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。 明代的著名文人周知麟对此赞叹说：“黄志久，画之圣者也，书中之右军；至若《富春山居图》，笔端变化鼓舞，又右军之《兰亭》也，圣而神矣。”这幅作品以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。黄公望非常喜欢在富春江两岸带着画本游历写生，他画《富春山居图》前后共用了三四年的时间，在他画完最后一笔时，已是80多岁的高龄。 图绘富春江两岸秋初的景色。画中景致，是他一生对富春江的记忆的积累。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。在布局上采用积树成林，垒石为山的方法，山和水的布置疏密得当，层次分明，

中国绘画与西方绘画的差别

中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。 1.中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。 2.中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。西洋画是表象的，非常写实的。中国画是写意的，这个写意可不是大概其，是写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养. 中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式, 3,中国绘画讲究的是所包含的思想以唯心为主，而西方讲究的则是唯物主义。以及绘画时所用的工具以及画面的构图和画的风格都能说明中西方文化的差别，绘画的差别。下面就来简略的分析一下: 中国绘画是以唯心为主，所谓的唯心，个人解释就是说比较随意性，画家看到了所能引起他灵感的对象，比较随意性的来突出个人的想法，比如画一个古代美女，不一定忠实的把对象反映在画面中。而是很大程度上主观表达了自己的情绪及感觉的意向，他可以用线条来勾画出美女的轮廓，也可以用比较写实的方法来画。但是突出的是自己的想法。老师曾经讲过，中国古代的宫廷绘画人物时，皇帝的头部一定是在所有人里最大的，而最小的也是官位最低的，几乎所有的宫廷画都是这样，有一点是因为社会原因所导致，但是基本也能体现出来画家构想是唯心的。而西方画家给君王或者贵族画肖像时，是写实的，高矮，胖瘦，以及脸上的阴暗面都会画出来，中国画皇帝是没有阴暗面的。 4.西方绘画主要偏向于写实。用眼睛看见的东西就要画出来，画苹果的话，他不可能画成方的。画什么就得像什么。而且也有个纪实性，当时画面所形成的空间和明暗是什么样就是什么样，画家自己的主观意识很难能体现在画中。有一点能体现出来唯心和唯物的区别。从光线讲，西方画一眼就能让人看出光源的方向，而中国的绘画就没有光源。这也是一个大的区别 5.在从构图来讲，中国绘画讲究的是留白，有些画的画面空白的地方占据空间要比画面所要画的主体都要多。甚至有些画的主体只是几个线条组成，多大部分都是空白。这是中方古代绘画的一个特点。 在西方绘画中，讲究的就是把画面填充满，蓝天，白云，树木，人物，都要把画面填充满，即便是有留白的地方也要用白涂料上色。还有绘画所用的工具的区别。西方绘画可以用很多中道具来画画，几乎是任何东西。主要是有铅笔，碳笔，粉笔，水彩，水粉，油画颜料。而中国基本也只是墨水跟毛笔。所以最终的画面也是不一样的。中国的比较飘渺，西方的比较写实。 6.中国绘画是可以看出当时画家的心情的。画家是高兴，是悲伤，是喜是怒都能体现在画中。而西方绘画是看不出当时画家的心情的，很难体会到当时的情景。主要是西方写实画把画家也给局限性了。中国画的一般都是画在宣纸上，西方可以画在纸上或者布上。而中西方

中西绘画的差异

东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点： (一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显着。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显着的。 (二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显着的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 (三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。 (四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。 (五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》、《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。 上述五条，是中国画与西洋画的异点。由此可知中国画趣味高远，西洋画趣味平易。故为艺术研究，西洋画不及中国画的精深。为民众欣赏，中国画不及西洋画的普通。

中西方美术的主要差异

中西方美术的主要差异 摘要：美学和哲学有密切关系，中国美学深受儒道思想的影响，可以说儒道思想是中国艺术所依存的美学基础。西方受基督教的影响，认为神圣的价值在人和世界之外存在，需要去看，去听。根据基督教义的理解，艺术家对外在美的准确、完美的体现，是想完成对上帝的靠拢，是对上帝的一种贡献。这些美学思想体现在西方不同文化领域，具有不同的美学价值。中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，正是这些差异才让我们感受到了不同风格美术带给我们的震撼和美的感受。通过中西方美术在绘画、建筑、园林三个方面的差异，我们可以从中领略到中西方美术各自的魅力。 关键词：美术差异绘画建筑园林 正文 中西方美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同,艺术的发展是要有哲学做指导的,西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的。 中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，但这也更好的给了我们多样的选择。我再次选取了三个方面。从绘画、建筑、园林三个方面谈谈中西方美术的差异。 绘画方面的差异 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求在 似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。 绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。 西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当

东西方绘画观念差异

《星夜》梵高 文森特·梵高（1853 - 1890）是继伦勃朗之后被认为是荷兰最伟大的画家。他和高更、塞尚并称为后印象派。 梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。 1、奔马图 1941年，纸本水墨 130×76厘米 徐悲鸿纪念馆藏 徐悲鸿擅长以马喻人、托物抒怀，以此来表达自己的爱国热情。徐悲鸿笔下的马是"一洗万古凡马空"，独有一种精神抖擞、豪气勃发的意态。 从这幅画的题跋上看，此《奔马图》作于1941年秋季第二次长沙会战期间。此时，抗日战争正处于敌我力量相持阶段，日军想在发动太平洋战争之前彻底打败中国，使国民党政府俯首称臣，故而他们倾尽全力屡次发动长沙会战，企图打通南北交通之咽喉重庆。二次会战中我方一度失利，长沙为日寇所占，正在马来西亚槟榔屿办艺展募捐的徐悲鸿听闻国难当头，心急如焚。他连夜画出《奔马图》以抒发自己的忧急之情。

中西方绘画文化艺术作品比较赏析

《中西方绘画文化艺术作品比较赏析》 ----泼墨仙人与站在窗口读信的女人 计算机科学与技术吴涛指导老师李雅娟 【内容摘要】中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考 梁楷的《泼墨仙人》和维米尔的《站在窗口读信的女人》是东西方绘画中最杰出的肖像性作品之一。梁楷与维米尔的画风在当今的中国画家中影响也愈来愈大。维米尔的《站在窗口读信的女人》中人物微妙的神情，是通过精确的写实手法获得的；而《泼墨仙人》中仙人的神采，则是通过夸张、变形和狂放的笔墨来表现的。二者鲜明地体现了中西绘画不同的风格。 【关键词】中西；绘画；艺术；泼墨仙人；站在窗口读信的女人；梁楷；维米尔 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，

也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在 一堆，似醒未醒，似笑非 笑，一脸怪相，似乎有着 无限的智慧，看透了宇宙 的一切，他袒露胸腹，无 拘无束，精神在自由自在 的天地中飞翔。这种极度 夸张了的形象，是人，也 是神，或者说是人化的神。 《泼墨仙人》是典型 的大写意。中国画的人物 画，由于形象要求严格， 在表现上远不如花鸟、山 水自由，因而在笔墨上也 难以允许有更多的随意性 和偶然效果，如用泼墨， 便很容易失去形似，浸渍 为一片墨污。所以古代画 家很少用泼墨画人物。但 梁楷为了充分表现画中仙 人的自由狂放和自己豪放

西方绘画艺术鉴赏

上节课我们讲的是《西方绘画鉴赏》，那么今天，我们要讲的是中国绘画艺术鉴赏。我们知道西方绘画呢，以油画为主，而中国绘画艺术与之不同的是，我们是以水墨画为主。这个是在绘画材料方面的区别。另一方面呢就是在题材方面。从上节课学过的知识，我们得知，西方绘画取材大多是来自于希腊神话以及圣经故事。而中国画的取材多是来自于对生活的体验和感知，对祖国河山的歌颂，对古代当权阶级的描绘等等。 这是我们本节课的教学目标： 1.。。 2.。。 3.。。 4.。。 最重要的呢，是想让同学们通过对本节课的学习，能够开始对中国画产生兴趣，能够关注中国画，甚至可以在闲暇之余自己动手尝试一下自己绘制。 在课程的开始，我们从一部经典的国产水墨动画片《山水情》来初步认识一下，到底什么是中国画。这部动画片是由上海美术电影制片厂1988年出品。 水墨动画片可以称得上是中国动画的一大创举。它将传统的中国水墨画引入到动画制作中，那种虚虚实实的意境和轻灵优雅的画面使动画片的艺术格调有了重大的突破。1960年，第一部水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》诞生，其中的小动物造型取自齐白石笔下。该片一问世便轰动全世界。大家可以在课下自己找找看一看。 关于纸张：写意花鸟画和工笔花鸟画需要使用不同的纸张，写意要求生宣纸，工笔要求熟宣纸，市场上生宣纸的品种多，选择性强，而熟

宣纸由于使用量较少，所以它品种少，很难找到轻薄细润，有弹性和韧性，不能漏矾的熟宣纸。特别是现代注重肌理制作的工笔花鸟画，对纸张就有更高的要求，市面上很少有符合要求的纸张可买，只有自己动手加工制作，才能称心如意。 荷花：为花中仙子，花叶清秀，花香四溢，沁人心脾，自古就受到人们的喜爱和追捧，寄托着人们心中洁身自爱、不同流合污的高洁追求。荷花在佛教中是神圣洁净的圣物，在人们心中是真善美的化身。 国画中荷花有很多的不同寓意象征，周敦颐的《爱莲说》为我们塑造了一个出淤泥而不染，中通外直，不蔓不支的君子形象；“一品清廉”，“莲”通“廉”，荷花寓意公正廉洁，是对清官的赞扬；“本固枝荣”，荷花枝繁叶茂，用荷花丛生比喻根基牢固，兴旺发达，世代绵延，家道昌盛。 工笔花鸟画：在专用的熟宣纸或矾绢进行严谨精致花鸟画创作的一种花鸟画技法。特点是严谨精致。 写意花鸟画：而写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象一种画法。特点是简练和概括。 兼工带写：一幅画中的形象，有笔法工整细致的部分，亦有较放纵写意的部份，用工、写二种笔法，表现出物象的形神，这种技法多见于花鸟画、人物画。 史前及先秦——萌芽时期 早在七千年前的浙江余姚河姆渡遗址中，就发现了柄上外饰有阴线双鸟饰纹的骨匕；尔后在新石器时期的仰韶文化遗址中，又出土了一批

中西方绘画的比较

中西艺术比较 东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。中国传统建筑注重环境气氛的营造意境含，追求和谐统一；西方古典建筑体现了人与自然对立的“人神合一”的宗教观念。 《蒙娜丽莎》代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔,及身份和阶级地位，显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了，背景曾有蓝天。“蒙娜丽莎”那神奇而专注的目光，那柔润而微红的面颊，那由内心牵动着的双唇，那含蓄、模棱两可的微笑，总让人琢磨不透……在一幅

画中，光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜.丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。《蒙娜.丽莎》画中的那一双手也是令人赞赏不已。这双手其表面衔接得天衣无缝，根本无法看出笔的用法。从达·芬奇自己的笔记中我们得知：他使用的是按他的特殊要求制成的笔，是薄薄的软笔，他认为用这种笔画皮肤最好，而且还用了大量的油，用轻快的笔法一层层透明薄涂，以他特有的技法把这双手画得很美而且十分含蓄。 《张卿子像》是一件肖像的国画作品。这件作品本来是一件长轴，这里选取的只是里面的主要人物部分。作品中张卿予身穿淡青色长袍，乌巾朱履，指甲修长，悠然捻须。仪表端雅，意态安详，有栩栩如生，呼之欲出的艺术效果。画像面部，先用淡墨多层烘染，神形毕现后，再行敷彩，色调柔美；接着在耳朵等部位用较浓的赭色笔勾提，达到笔墨色浑然一体，艳而不俗，形神兼备的效果。 总体来说，中国传统艺术是写意的--注重的是人与自然的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。绘画多写意，音乐重感受，书法写胸臆，舞蹈讲合一；西方古典艺术是写实的--注重的是对自然的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行理论。绘画多写实，音乐重和鸣，舞蹈表情绪。而这种区别与中西哲学的差异有关。中国的哲学思想是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学