论萨克斯音乐的表现

论萨克斯音乐的表现

姜晓辉

（艺术学院音乐学07级器乐班20073114366）

摘要：音乐表现并不是极个别人才有的神秘情感，他是可以通过后天的学习和锻炼而掌握的。尽管有些人有着超群的音乐表现本能。但是，通过本人多年对萨克斯的学习和实践经验来看，个人潜在的音乐艺术变现力可以通过学习基本的分句手段和情感练习，从而进行演释练习而掌握。当然，音乐若要表现的完整，需要各个方面的共同努力才行。这些问题，我将在论文中根据自己的亲身体验加以论述。

关键词：呼吸；自然颤音；音色；力度；音乐表现

Abstract：Music performance and not extremely individual talents some mysterious feelings, he can be acquired through studying and exercising and grasp. Although some people have super music performance instinct. But, by my many years to learn and practice the saxophone experience, personal potential music art realizable force could be learning through basic clauses means and emotional practice, and then practice and master upon taiji. Of course, if the music is complete, need to performance of all aspects of common to work hard. These questions, I will be in the thesis will according to your own experience were expounded.

Keywords：Breathing; Natural vibrato; Tone; Dynamics; Music performance

引言

既然要探讨萨克斯的音乐表现，我觉着很有必要先简单的介绍一下萨克斯的发展历史。1842年，阿道夫.萨克斯发明了第一支萨克斯，是一支上低音降E调萨克斯。通过他的好朋友柏辽兹的介绍，人们渐渐开始认识这种乐器。同时，人们根据阿道夫.萨克斯的姓来给乐器命名--萨克斯，一种音色最为美妙、造型最具特点的乐器就这样诞生了。1851年，阿道夫.萨克斯取得了一项孔距为二十四键金属大管的专利权，此种金属大管被称为"萨克斯体系大管"。1853年，法国军队开始启用萨克斯，使木管乐与铜管乐完美的结合起来。此时，欧洲几乎所有国家的管乐队都来购买阿道夫.萨克斯发明并生产的萨克斯。1886年前后，我国历史上第一支管乐队成立，由时任中国海关总务司的外国人罗伯特.德（Robert Hart）[1835--1911]创办。在我国三四十年代的上海厅中曾经出现过萨克斯，但是解放后，萨克斯被视为不受欢迎的乐器一度消失。改革开放以后，学习萨克斯的人又开始有所增多，而且在各类传媒及演出中，频现萨克斯的身影，其优美的音色也被愈来愈多的国人所喜爱，加之国外著名的萨克斯演奏家及著名的爵士乐团来我国交流访问，学习萨克斯的人愈来愈多，甚至在我国的北京、上海、西安等相当一部分城

市的小学校园里，已有部分小学生能够演奏萨克斯。随着时间的推移，萨克斯开始在我国风靡。

众所周之，同样的乐器演奏同样的乐曲，不同的人演绎的情感是不尽相同的。同样的旋律，同样的速度，为什么不同的人所表现的感染力又千差万别呢？这就是音乐的表现力。其实，音乐表现并不是神秘的音乐情感。他可以通过后天的学习和锻炼掌握的。尽管个别人有着超群的音乐表现本能。但是，通过本人多年对萨克斯的学习和实践经验来看。个人潜在的艺术表现力，完全可以通过学习基本的分句手段和情感练习，进而进行演释练习而掌握。当然，音乐若要表现的完整，需要各个方面的共同努力才行。因此，我将从呼吸、自然颤音、音色、力度这四个方面来探讨萨克斯音乐的表现。

一、呼吸在萨克斯音乐表现中的作用

（一）呼吸在萨克斯中的定义

呼吸看起来是人人都会的。可是，当我们把它运用到萨克斯演奏中时，就不是那么简单的了！众所周之，绝大部分的管乐器都是通过气流而发出声音的，而气流的稳定性及其强弱则是通过呼吸来完成的。可想而之，呼吸在管乐器的演奏中所起到的作用。在我看来，在我们萨克斯的演奏中，气息其实起到了骨骼的作用，是支撑整个乐曲进行的必要条件。其实，我们完全可以把演奏萨克斯的气流比作小提琴的琴弓。凡是注意观察过小提琴练习方法的同学都十分清楚，在发展正确的弓法过程中，要反复强调弓法的重要性，并且需要花费大量的时间去练习它。对于小提琴来说，正确的弓法贯穿于整个乐曲的演奏中。优秀的小提琴演奏者能够采用适当的紧张度，能够用较轻的力度拉出美妙的声音。而初学者往往要用很大的拉力，奏出的却是吱吱刺耳、缺少音乐效果的摩擦声。在我看来，小提琴的琴弦跟萨克斯演奏的呼吸是同样的道理。

（二）呼吸的作用

我们经常可以看到很多学习萨克斯的同学，演奏了多年的乐器，却一直没有认真的思考研究气流的控制和演奏方法，使得他们在日常的训练中没有得到本质的进步。并且在音乐的学习中屡遭挫折。很多同学往往会责怪笛头、哨片，埋怨口型不好。这些因素固然十分的重要。但是这些重要因素能否正确的运转都会受到呼吸气流的直接影响。其实，在我看来，从控制的意义上来讲，气息如果不能驱动震动媒介，那么这些媒介将绝对不会发挥出它们原本应该产生的功能与效益。

对于表演者来说，仅仅用一口气来完成整首乐曲是不现实的，是没有任何的实际意义的。所以说，在演奏乐曲时如何把呼吸自然而然的融入到整首乐曲的演奏中是至关重要的。对于我们萨克斯演奏者而言，许多萨克斯乐曲的很多乐句太长，已经远远超出了

我们人类本身所能达到的气息能力。因此，我们必须要设计出能够掩饰音乐线条中裂隙的方法。以免此种裂隙损坏音乐的整体效果。

（三）如何练习呼吸

那么，我们又将如何来完善萨克斯演奏中的呼吸呢？在我看来，首先要经常性的参加体育活动，这样不但可以强身健体，还可以提高自身的肺活量。以保证充足的气流。其次，则是通过每天的长音练习来提高肺活量和气息，从而提高对乐器的控制能力。很多练习者随着自身演奏技艺的提高，往往在以后的练习中会忽略这一点。良好的气息既是音色、颤音等音素的基础，又是音乐线条连贯流畅的保证。最后，则是通过分析解剖乐谱来设计呼吸点。在我看来，旋律乐句一般可以分为动与静两部分，在乐曲暂停下来呼吸以前，应该完成动的部分。当气息不能走到此点时，则需要考虑旋律和音乐的和声结构来处理。呼吸点应该在和旋转环之后来进行。万万不可笼统的将呼吸点设计在小节线的位置上。实际上，由于终止式的和弦转换大多出现在一节内的第一拍上，所以小节线处的呼吸点通常是最糟糕的位置之一。虽然大多数感受方面的妨碍不是那样明显，但是作为一个表演者，有责任仔细的分析解剖每一份乐谱，以确保在演奏乐曲时，乐谱能够传达出明确的易于被人理解的意图。

所以我认为，良好的音乐表现力必须要有良好的呼吸作为基础。先要保证乐句之间的流动性与连贯性不被破坏。才能保证音乐的表现更为自然，而且给总体的构思带来清澈明晰之感。

二、自然颤音在萨克斯音乐表现中的作用

（一）自然颤音的意义

在萨克斯管的演奏中，有时为了加强乐曲的表现力和感情的抒发，我们必须加入自然颤音。萨克斯作为现在风靡全球的一种乐器，颤音的运用是必不可少的。自然颤音在音乐的表现中起到了非常重要的作用。西肖尔博士是一位音乐学科中最著名的权威，他在《寻求音乐之美》一书中说道：“良好的自然颤音是一种音高的搏动，一般伴随有音量和音色的同步搏动，各种因素以一定的幅度和速率搏动，从而是音乐听起来流畅柔和，丰满圆润，更加悦耳。”从中可以看出自然颤音的重要性。许多演唱家和演奏家在表演时也都加入了自然颤音。但有时自然颤音就像微笑和皱眉一样，不知不觉就用上了，而且恰到好处。同时，我相信，所有的歌唱演员都不曾练习过颤音，他们的颤音是在气息上自然形成的。因此，用我自己的话说，就是自然颤音是感情表现的自然结果，是在演奏中感情融入的音乐的自然的音高搏动。

（二）自然颤音的作用

有一位优秀的音乐家曾这样说过：“自然颤音就像是往食用的土豆中加盐，如果没有，食之平淡无味，但是如果能尝到咸味，则说明盐加的太多。”所以说，自然颤音的使用，看似简单，可是能做好就非常难了，这需要大量的音乐积累才能达到。自然颤音的产生其实跟我们的呼吸、气息以及身体因素如唇、颚和控制横隔膜的肌肉有着直接的关系。自然颤音可分为颚颤和腹颤两种。颚颤的表现力丰富，起伏变化大，频率快，操作简单，但是控制不好就容易呆板、机械、不生动。而腹颤的感情细腻、舒缓、圆润、生动柔美，但是频率慢、变化小、表现力不强且不好控制。总之，两种颤音各有利弊，各有各的特点。不同的演奏者所推崇的不同，有的认为颚颤好，有的则认为腹颤妙。但我个人认为，萨克斯的颤音应当是两者的完美结合。音乐中的颤音不可能是一成不变的。在颤幅和频率上应该随着不同音乐的处理做出相应的改变，以保证音乐的真实性和感染力。

（三）如何训练自然颤音

那么，我们又将如何能练就出具有感染力的颤音呢。著名SAX理论家托马斯-莱理(Thomas Liley)博士认为，最好的学习颤音的方法是模仿。最好是听老师的，听录音的效果没有现场听老师演奏的好。最常用的方法是将下巴上下运动，好象是发“哇-哇”的发音。声音由此而向下弯曲，气息也变得强烈了。很关键的是要保持持续的气息支撑，很多SAX学习者忘记了这一点。对付这个问题的方法是：在一个长音里先吹直音(4拍)、再吹颤音(4拍)、再吹直音(4拍)、再吹颤音(4拍)…记住:要在各个音区用不同的力度来练习。颤音的幅度有其一般的规律性: 大的震幅并不能为强音增加力量, 但是肯定会使弱奏不稳定和不集中; 相反, 小震幅的颤音合适弱奏, 但是对强奏却增加不了什么。在这里，我要特别强调的是，如果经常使用颤音，它的作用和效果会减小。一般颤音用在长音上，在连续的短音上用颤音会使演奏听起来不稳定。一定不可以将每个音符都用颤音。罗素教授的一本书中列举了几个不可以用颤音的情况：1)在乐队里的独奏乐句;2)加弱音器的乐段;3)和别的乐器演奏齐奏时。

所以说，自然颤音是音乐表现中一个非常重要的环节，良好的自然颤音给音乐带来了生命力，从而使音乐能跟为真实的被表现出来。所以我认为自然颤音在音乐表现中是非常重要的！

三、音色在萨克斯音乐表现中的作用

（一）音色的定义及影响因素

可以断言，就产生声音的多样化而言，还没有什么乐器能够与萨克斯管的才能相比。采用萨克斯这一乐器可以产生一系列名副其实的多种音色频谱。我们应该把这些音色充

分利用，从而来增强萨克斯管自身演奏的优势。如果说不分场合的只采用一种音色，是非常不负责任的行为，不但不合时宜，而且也大大的削弱音乐的表现力。比如某些通常用来表明音质的词汇如：“舞曲”音色、“录音室”音色、“正统”音色等等，这些都是含糊的不明确的词汇，它们至多只能提供一些模糊不清的含义，而且这些词汇是根据特殊风格的需求产生的，有很大的不确定因素在其中。当然，萨克斯的音色经常受到特定类型笛头或哨片的影响，也会产生千变万化的音色变化，还有制作乐器工艺、材质的不同，都会对音色产生影响，不过这些都是影响音色的固定音色。我在这里重点要谈的是在不变化笛头或哨片的情况下发展音色的变化，在我看来这是器乐演奏者的职责之一。比如尝试这采用略微变化口型的方式，改变气流柱和口腔的方法，还有现在比较流行的喉音等等方式。都可以产生多种变化的十分迷人演奏技巧，它能给音乐表演者带来无限的乐趣和音乐色彩的变化。能否巧妙的使用上述方法正是艺术家和初学者之间的主要区别之一。我认为，音乐多样变化的必要性在合奏表演中表现的更为突出。因为在合奏中，有的时侯萨克斯必须要演奏出靠近长笛或小提琴的音色，而有时又必须使自己的音色与低音铜管乐器相匹配。而且在许多场合里，有必要将自己的声音湮没于合奏中，有时甚至要达到不惜损失自己特有个性的程度。然而在独奏乐段中，则必须使自己的音色从合奏中脱颖而出，要做出突出的，生动的表演，而不是仅仅给观众留下了音量大的印象。在我看来，各种音色的灵活使用是萨克斯演奏者的必修课，同时也为萨克斯的演奏开辟了一个崭新的、充满乐趣的空间。我认为一个成熟的演奏家一定会经常考虑到音色的运用手段。

（二）如何拥有良好的音色

演奏者熟练的演奏技巧和高超的音乐表现力以及生动的音乐感染力都是有演奏基本功年复一年，日复一日不断地积累而来的，在萨克斯的演奏中能对音色起决定性因素的基本功只有气息和嘴型。在练习气息时，吹奏者应该特别注意长音的单独练习，从感情上长音练习是十分艰苦、十分乏味、十分枯燥的技巧练习，但是从演奏的要求和基本功的加强上来说长音的练习则是最基本的、最重要的，吹管乐器的演奏时必须依靠气息的支撑和嘴部力量的控制来实现的，长音的练习则恰恰是对上述技巧最直接、最有效的练习。嘴型则是仅次于气息的技巧，气息是通过嘴型之后才进入乐器的，嘴型的正确与否，是影响萨克斯音色最为关键的技巧，因为整个萨克斯都将在嘴型的控制下进行演奏，气息进入乐器靠嘴型的控制、少片的振动靠嘴型的控制、音高的变化也在嘴型的控制之下。在练习嘴型的过程中我们必须明确一点，即松弛，只有在嘴型相对松弛的状态下气息才能平稳、轻松地进入到乐器当中，也只有在松弛的嘴型和气息下演奏出的音色才松弛和具有变化性。当然，多听萨克斯大师的演奏，多听听现场对提高自身的音色都会有很多的帮助。

所以在我看来，音色的多样化与乐段的情感有机结合，对于提高萨克斯的艺术表现水平有着非常大的促进作用！

四、力度在萨克斯音乐表现中的作用

（一）力度在萨克斯音乐中的意义

音乐表现的最后一个方面，我要说的是力度，尽管在许多的情况下力度标记不能充分表达作品的内涵，但仍需要按照力度标记实施演奏。按照艺术表演的要求标出所有的精细微妙的表情记号是不可能实现的事情。除此之外，力度表情的强度还要根据特定作品的性质确定。同样的强的力度标记，进行曲演奏的强度肯定要超过奏鸣曲。较小的转折变化对于表现音乐内涵起着十分重要的作用，但是在乐谱上却很少将其标记出来，原因是此种变化相当的微妙精细，而且令人难以捉摸，要根据个人内心的感觉来表现。作曲家则感觉到，音乐本身应该激发演奏者作出富有意义的细微的表情差异。标记的强弱记号仅能部分的告诉演奏者乐曲的表述方法。因此，力度标记是音乐最简单的表现方式，但是要做到恰到好处，强弱统一也是非常艰难的。

（二）作者对学习者的建议

关于音乐表现的力度练习问题，我在此不做过多的解释。其实它跟呼吸、颤音、音色等等因素都是一样的。都需要演奏者不断的练习，从基本功开始，循序渐进。当然，练习起来可能会枯燥无味。再此，我建议那些跟我一样学习萨克斯的同学，萨克斯的练习是枯燥无味的，希望大家解放思想，从枯燥的练习中来发现乐趣，从而使自己的技艺不断提高。再一个就是不断的聆听那些演奏大师的作品，多听现场，从中慢慢的感受音乐，来提高自己的音乐修养。

结语

总之，萨克斯的音乐表现是非常复杂的，单纯从音乐表现来说，假如将一部音乐作品比作是一幅画的话，那么有些主题可以表现在画中，而另一些就不可能在画中表现出来。培养音乐表现能力的学习，不仅仅是智力的练习，更是情感的练习。我们演奏者应该首先发现作曲家想要表现的究竟是什么，如果演奏者要向听众传达自己对音乐理解的信息，那么对于我们演奏者来说，乐谱必定具有相当重要的含义。比如格什温在他的作品《一个美国人在巴黎》中使用了汽车喇叭的声音，就非常的到位，给人以身临其境的感觉，如果把它用在柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖中》，就会显得荒唐可笑了。然而，有很多演奏者往往又会犯这样的错误。所以说，分句和演释作品一定要限制在作品的艺术范畴之内，但不能墨守成规。有的时候，突然改变演奏作品的基调可以激发人们对作品的兴趣，不过一定要合乎作品的逻辑，而且格调一定要高雅。

综上所述，萨克斯音乐的表现不是哪一个人的特殊才能，他是有许多不同的方面公

共努力才能做到，除了个人对音乐的理解的不同外，还要从呼吸，音色，自然颤音，力度等各方面入手，打好基础，对一些平常我们不太重视的技巧要精益求精，但这需要一个漫长的学习过程，把这几种技巧有机得结合到感情中来，在运用感情的同时，把他们以最美妙，最融合，最自然的方式展现出来，这才是音乐表现的最佳成绩。

参考文献：

【1】钟亚东.通俗萨克斯演奏技法[M].湖南:湖南文艺出版社.2008

【2】杨立岗.声乐教学法[M].上海：上海音乐出版社.2007

【3】李满龙.中央音乐学院校外音乐考级丛书萨克斯管[M].北京:人民音乐出版社.1988 【4】杨家祥.萨克斯基础教程[M].北京:航空工业出版社.2004

【5】路延荃.爵士萨克斯即兴演奏教程[M].北京:北京体育大学出版社.2009

【6】胡玻.萨克斯中外名曲168首[M].吉林:吉林音像出版社.2008

致谢

本文是在曲永利老师的严格要求和悉心指导下由本人独立完成的。在论文撰写的过程中，曲老师倾注了大量的心血和汗水。无论是在论文的选题、构思和资料的收集方面，还是在论文的研究方法以及成文定稿方面，我都得到了曲老师悉心细致的教诲和无私的帮助。在大学四年的器乐学习生活中，曲老师是一位严师，更是一位慈父。在学习上对学生严格要求，认真负责，在生活上对学生的关怀更是无微不至。曲老师广博的学术知识、严谨的治学态度和诲人不倦的精神将使我终身受益。我为有这样高尚的老师教导我而骄傲。在此我要对您表示衷心的感谢和最崇高的敬意！另外，在论文的写作过程中，本系的领导和同学给予了我热心帮助和大力支持，藉此深表感谢！

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然声音有时也出现在音乐作品中，西方先锋派，美国埃德加 瓦利《电离》使用汽笛声 2 非语义性——表情性（和语言比较） 音乐的声音不同于语言，人们通过语言进行各种社会交往活动，音乐声音仅仅限定 在艺术范围内只作为一种艺术交往而存在，如《梁祝》小提琴大提 琴对答 3、音乐的音响与某些语义性内容共同的表达因素：表情音调，通过高低，大小，刚柔，粗细等音 调变化表达 EX：小提琴协奏曲《梁祝》，梁祝在楼台相会——大提琴和小提琴的对答，情人离别时内心表达 4、音乐感性材料的非对应性特征（音乐中所体现出的自然声音或语言含义与这些自然的和语言的 声音本身并不存在一一对应的关系）：在音乐的声音和它的含义之间存在着一种中介因素，它促使人们去想象和联想，以沟通艺术与自然现象之间的联系，叫做表现。 1）音乐感性材料的模仿性：模仿即照某种现成的样子或现象学着做，音乐中的模仿主要指用音乐的音响模仿现实生活中和自然界的其他声音，也就是通过声音来表现声音。如，唢呐曲《百鸟朝凤》模仿鸟叫 2）音乐感性材料的象征性：即用一种现象去表现另一种在外形上和他完全不同，但在含义上相同或相近的现象，音乐的声音可以通过象征性的手段去表现某种客观现象或物质对象。 如，德彪西《大海》用定音鼓的弱奏象征大海的平静。 3）音乐感性材料的暗示性：即不去指明它而是靠人自己去理解，音乐声音的暗示主要是语义性的，往往从对现实对象的概括中而来的，通过声音造成的特定气氛去暗示某些事物和现象。如，柴科夫斯基《第六交响曲》引子通过声音所造成的惨淡的气氛暗示乐曲悲剧性内容

浅谈古典诗词对现代流行音乐的影响

浅谈古典诗词对现代流行音乐的影响 我们知道古诗词属于高雅文化，现代流行歌曲则属于通俗文化，二者的区别很明显。所以将中国古典诗词与现代流行歌曲联系起来似乎有些与理不和。“明月几时有，把酒问青天，不知天上宫阙，今夕是何年……”著名女歌手王菲、邓丽君等人倾情演唱苏轼著名的词《水调歌头》。还有歌曲《月满西楼》童丽、邓丽君等人演唱的李清照的词“红藕香残玉簟秋，轻解罗裳独上兰舟，云中谁寄锦书来，雁字回时月满西楼，花自飘零水自流，一种相思两处闲愁，此情无计可消除，才下眉头却上心头，却上心头。”当我们听着这些朗朗上口的古诗词歌曲时又有一番别样的风情。不仅让我们体会到古代文人的诗意情怀，又让我们领略到现代流行音乐的魅力，给人以动人的现代感。 又比如演唱的《关山月》明月出天山，苍茫云海间，长风几万里，吹度玉门关也一度被翻唱。这些是流行歌曲还是古典诗词，古典诗词进入流行歌曲，是还原，是普及还是融合？不得不说这些创作的歌曲对于生活在现代的人来说，一方面是传承和发扬传统文化的很好的方式，另一方面也丰富了现代人们的精神文化生活。 下面谈谈现代配乐古典诗词演唱的类型： 一是拟古型（还原型）、李叔同的《送别》，地道的长短句，用的是十九世纪美国作曲家奥德维的《梦见家和母亲》。汉乐府民歌《上邪》在电视剧《还珠格格》中有呈现。这种创作还原了当时诗词内容中的场景、意境、情感等等。 二是普及型：主要是为了初学者更好地学习曾经有用外国歌曲配中国诗词的情况，如《小路》配《独坐敬亭山》，用《红河谷》配《夜泊秦淮》，但并不适合。但是却有一首特别适合的就是李叔同的《送别》，用的是十九世纪美国作曲家奥德维的《梦见家和母亲》。对于文学素养不高的人来说，流行歌曲成了他们认识诗的重要途径。曾经有过这样的事，一老师讲英国诗人威廉叶芝的名作《当你老了》时，用英文讲，学生没有反应，用中文，学生也不知道，当把中文译诗读出来，念到“多少人爱你青春欢畅的时辰，爱慕你的美丽、假意或真心”时，学生才恍然大悟，说这不是那首“水木年华”的歌吗？"多少人爱慕你年轻时的容颜，可是谁能承…… 三是融合型：音乐的融合，作者并不拘泥于古曲，作曲家的才情尤其具有特殊的意义《淡淡幽情》邓丽君《绿蓑衣》杨小琳。总体而言，词较诗更易于进入流行歌坛，婉约词人的作品较豪放词人更受欢迎。词体参差不齐的句式更易于与现代流行音乐匹配。 融合型的最有可能进入流行歌坛。尤其是文字融合型：现代作者或沿袭、或取意像、或取意境而再度创作在音乐的融合中，作曲家的才情才有特殊的意义。如《新鸳鸯蝴蝶梦》以李白的《宣州谢眺楼饯别校书叔云》为蓝本。原作抒发的是知识分子怀才不遇的抑郁，而黄安抒发的不求天长地久，但求曾经拥有的爱情观。不仅如此，还有从古典诗词中吸取元素来创作流行歌曲的作品。其中墨明棋妙乐团创作歌唱的一系列歌曲就很不错，例如《人面桃花》、《如梦令》、《临安初雨》、《镜花水月》，虽然很多没有直接演唱古诗词，而是利用古诗词的意境发挥及展开。 当我们听这些古典诗词创作的流行音乐时，通过古今的创造、融合、加工、整合等一系列的思维活动后，把原来诗人抒发的各种情感呈现在现代人的面前。这些情感或抒发知识分子怀才不遇的人生机遇，或盼望天长地久的爱情，对知己红颜无尽地相思的爱情观，或抒怀。我们通过这些歌词中，作者把古典诗词的意境和现代人的情感成功地进行了对接，展示了现代人的离情别恨。比如著名的一首融合很多古诗词意境的流行歌曲《烟花三月》：“牵住你的手相别在黄鹤楼，波涛万里长江水送你下扬州，真情伴你走春色为你留。二十四桥明月夜牵挂在扬州。扬州城有没有我这样的好朋友，扬州城有没有人为你分担忧和愁。扬州城有没有我这样的知心人，扬州城有没有人和你风雨同舟。烟花三月是折不断的柳，梦里江南是喝

论音乐欣赏的重要性

论音乐欣赏的重要性 音乐欣赏，顾名思义，是欣赏者通过听觉对音乐进行聆听，并从中获得音乐美的享受、精神的愉悦和理性的满足的活动。它以一定的音乐为审美对象，以参与欣赏活动的人为审美主体，形成一种特殊的审美观，是一种最直接、最具体的审美教育活动。美国音乐学家默塞尔说过：“音乐欣赏在一定意义上是音乐活动的基本形式，是作曲家和演奏家工作的出发点和归宿。”随着音乐教育应是审美教育最终目的这一观念的深入，音乐欣赏活动日益引起理论界和各级学校的关注，音乐欣赏也正从以前的边缘地位向遵循音乐听觉艺术感知规律的中心地位迈进。它与其他的艺术形式有着本质的区别，音乐是以声音来表达内心情感的艺术，人世间的喜怒哀乐都可以找到相应音乐来表达。一切音乐都可以给人听觉上的愉悦感。但音乐的情感不是任何人都能准确、深刻感受到的，更不是任何人都能恰当地表现出音乐情感的。正如马克思所说“对于不懂音乐的耳朵来说，最美的音乐也是毫无意义的。”但是，对音乐的欣赏并不困难神秘，只要大脑、听觉健全的人都能欣赏音乐。但要真正理解音乐作品、把握住作品的内涵，并引起相应的共鸣，就需要有一定的方法和具备相应的知识，并经历一个长期反复聆听和学习的过程。 一、音乐欣赏的教育教学作用 我个人认为音乐欣赏在音乐教学中有着举足轻重的作用。通过欣赏课不仅使学生学到多方面的知识，更能获得精神上的享受，提高审美情趣，同时也能培养学生的创新精神和实践能力。所以，音乐欣赏是欣赏者对音乐作品的审美活动，也属于一种创造性的精神活动。随着社会和教育改革的不断深入，当今学生们的视野开阔了，他们给自己的大脑补充各种知识，手不释卷地学习着，努力成为新型的知识型人才。新课程改革标准指出“音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。”就一般人而言，其感受音乐的能力要远远超过创造和再现音乐的能力。没有专门学习过作曲的人，创作不出声部众多、布局严谨、优美动听的乐曲；没有接受过演奏演唱训练的人，难以演奏、演唱出技巧性很强的乐曲。但是只要稍加指点，这些人就能对音乐有不同层次的领悟。因此，在教学中我们一定要重视音乐欣赏课并上好欣赏课。 二、音乐欣赏是一种积极的创造性活动 有人认为音乐欣赏活动是一种被动的接受行为，只不过是用耳朵去听，通过听觉去感知音乐，这是片面而缺乏能动性的。事实上音乐欣赏绝不仅仅是一种被动性的接受行为，而且还是一种积极的主体性创造活动。如果将谱曲看做是第一度创作，演奏演唱是第二度创作的话，那音乐的欣赏则可以看做是第三度创作。 欣赏是听觉，感知和联想相结合的特殊认识过程。在听音乐时，往往使我们想到听觉以外的事物。在传统教学中，教师常常把作品背景、内容、特点、思想等直接传授给学生，或者只是从这几个方面简单地进行介绍，然后欣赏；由于学生经验不足和音乐的“不确定性”，创造性教学就应该从多方面，多角度挖掘作品，

论艺术歌曲《望乡词》的审美特征与演唱风格

学校代码：11460 学号：00923207 南京晓庄学院本科生毕业论文 论艺术歌曲《望乡词》的审美特征与演唱风格 Theory“hometown words”the aesthetic characteristics of art songs and singing style 所在院（系）：行知学院 学生姓名：吴同建 指导老师：岳李 研究起止日期：二〇一二年九月至二〇一三年五月 二〇一三年五月

本人郑重声明： 1.坚持以“求实、创新”的科学精神从事研究工作。 2.本论文是我个人在导师指导下进行的研究工作和取得的研究成果。 3.本论文中除引文外，所有实验、数据和有关材料均是真实的。 4.本论文中除引文和致谢的内容外，不包含其他人或其它机构已经 发表或撰写过的研究成果。 5.其他同志对本研究所做的贡献均已在论文中作了声明并表示了谢意。 作者签名： 日期：年月 【摘要】 本文结合自身的兴趣爱好及平时学习声乐的心得体会，受老师启发，对艺术歌曲这一体裁，从歌曲的创作、曲式、演唱风格及审美特征等多个角度进行分析，在用情用声的表达上，对古典诗词歌曲的创作和演唱风格上进行剖析，探索出其独有的演唱特质和规律，以达到挖掘作品更深层次的内涵和情感。

[Abstract] According to own interest hobby and the usual learning of vocal music ,inspired by the teacher,for art songs,this style from the creation of songs, melody, singing style and aesthetic characteristics,and other Angle carries on the analysis,in mood with sound on the expression of the classical poetry of song writing and singing style,explore its unique characteristics and laws,in order to dig deeper connotation and emotion . [Key words]art songs；hometown word; the aesthetic characteristic; singing style 目录 绪论 (1)

音乐美学论文

内容摘要： 经过一个学期的音乐美学课的学习，我的体会颇多。尤其是老师在讲音乐欣赏活动的美学原理中的音乐欣赏的一般本质时深深触动我。音乐欣赏是音乐审美实践活动最基本的形式。聆听音乐已成为人们日常生活中不可缺失的一部分。而理解音乐欣赏的本质则有助于我们对音乐作品欣赏与理解。 关键字： 音乐欣赏音乐欣赏的本质韦伯《自由射手》歌剧 从美学上认识音乐欣赏的本质 在经过一个学期学习音乐美学，老师孜孜不倦的讲解，让我懂得什么是美，美在音乐中是如何体现的，也让我逐渐感觉到音乐的美其实就在我们的周围。音乐美可以大到一步庞大的音乐著作，小到我们身边几个动作发出的音响。也让我明白了罗丹的一句话“美到处都有，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现”。今天，我就从美学角度上谈谈我对音乐欣赏本质观点欣赏的理解。 音乐欣赏是音乐审美实践活动最基本的形式。聆听音乐，感受音乐的美，早已成为人们在日常生活中不可缺失的一部分。脱离了音乐欣赏，离开了听众，音乐创作活动和表演活动也就会失去意义。在课堂上，老师已经为我们详细的讲解了音乐欣赏的本质有： 1.听觉审美的需要是人类本质力量的显现。

我们人的耳朵不仅有接受外部信息的功能，还有对音乐美与丑的判断，即听觉审美的能力。 2.感性体验是音乐欣赏的根本目的。 我们人通过听觉获得对音乐内容的体验，享受从美好的音乐感觉来获得音乐价值。 3.理性认识对音乐欣赏活动具有强化作用。 理性认识我认为就是在欣赏一部音乐作品之前，我们对作品所作的功课，即了解这部音乐作品创作的背景，以及作曲家的生平品经历和他所处的历史环境。 下面我用实例来解释一下我对音乐欣赏活动的本质的理解。 我第一次听《自由射手》歌剧时，只是知道到这部歌剧大概内容是讲，一个守林园马克斯与护林官的女儿相爱。为了能与阿加特成婚，马克斯必须在射击比赛中获胜。第一天马克斯在射击比赛中失败了，为此他忧心忡忡。这时出现了一个猎人轿卡帕尔，卡帕尔把自己的灵魂卖给了魔鬼，为了赎回自己的灵魂，他骗了马克斯去与魔鬼交换一种叫百发百中的魔弹。魔鬼给了马克斯七发魔弹，并告诉他第七发子弹打中的猎物要归魔鬼所有。第二天，比赛时马克斯六发全中。王子命马克斯用最后一发子弹射向一只白鸽，但是没想到这只白鸽居然是与他相爱的阿加特化身。王子特别生气，决定要治马克斯的罪，就在这时，丛林中走出一位老人为马克斯求情，最后马克斯与阿加特终于结为伴侣的爱情故事。 欣赏音乐剧时，我其实很不理解音乐为什么这样出现。只能感觉

论古典音乐与现代音乐的区别与融合

论古典音乐与流行音乐的区别与融合古典音乐是穿着优美的礼服静静端坐的豆蔻，可远观而不可亵玩焉；流行音乐是热情奔放在阳光下快乐旋转的少女，伸开双手邀你共舞。 这就是最初对古典音乐与流行音乐的理解。而事实也证明由于发展历史不同，聆听者的不同，确定了她们在组织方式、表现主题、表现形式、表现乐器等方面存在巨大的不同。 在组织形式方面，古典音乐讲究音乐的逻辑性，动机的统一性，音乐发展的连贯合理性。因此，就算是一部庞大的恢弘的古典交响乐，他在音乐的衔接与内容的表达上也会和谐统一，不会有突兀或冒失的地方。但是流行音乐在组织形式方面缺乏严谨的理性思维方式，只拥有一些比较简单的逻辑，但也正因如此，在初听时更能给人一种爽朗的感觉。 在表现主题方面，古典音乐透过严谨而完整的结构，优雅而曼妙的旋律表达完整的乐理，散发出严谨、庄重的气质，传达丰富而深邃的思想内涵，颂出赞美歌咏的圣歌，他能通过悠悠的旋律表达出人类最深层、最炽烈的感情和最为跌宕起伏的情绪变化，但又保留着含蓄与内敛，因此深刻、多变且耐人寻味，给予我们遐想、思考、回味的余地，即使时代变迁也能常听常新，带个我们其他音乐类型无法实现的心灵安慰与精神鼓舞，让我们在凡尘中寻得一片世外桃源。相对而言，流行音乐透过跳跃的音符，大幅度的音阶变化来表现与刻画突然的情感因素与感情变化，更具有娱乐性，更加直白，在现代社会带给我们更多的冲击与当时的快感。 在表现形式方面，古典音乐是教堂音乐，长于合唱，是室内乐、交响乐、歌剧音乐。注重营造典雅华贵、祥和隆重的气氛，以此来衬托以及更加突出古典音乐的端庄，利于其传达思想。而流行音乐更乐于将自由的天地作为舞台，以增加其娱乐性与欢乐性。 在表现乐器方面，古典音乐的主要表现乐器是钢琴、小提琴、中提琴、大提琴以及其他的管乐器，统一婉转，来表现和谐的和声等，突出起整体性。而流行音乐的主要是爵士乐、摇滚、电子合成乐等，用自由的节拍，不规则的节奏来营造一种太空般的幻境，以强调感情的突发性。 古典是经典，流行是潮流，但是随着世界文化的交流，经典与潮流的结合成为必然，古典与流行的距离越来越近。 现在的流行音乐注重挖掘音乐深层的内涵，古典也力图改变自己过于拘谨、与大众较为疏远的传统形象，因此流行与古典的联姻也是大势所趋。而且，我们也看到，这些结合取得了可喜的成就。 女子十二乐坊用创新的表现形式与演奏方式拉出了现代的古典音符。流行音乐借用古典音乐的曲调，例如，SHE的《不想长大》歌曲部分旋律参考莫扎特第四十交响曲，古典的华丽，让莫扎特穿越时空绚丽起舞；蔡依林的《离人节》改编自肖邦的《离别曲》E大调练习曲，温婉可人;SHE的《波斯猫》改编自科特尔比的《波斯市场》，迷人诡异。古典音乐取消了过于严谨的演出方式，著名的柏林森林音乐会就是很好的例证，在那里人们可以以悠然自由的欣赏古典音乐，不拘泥与服饰是否得体，不顾忌于是否正襟危坐，可以随心所欲地鼓掌喝彩等。 总而言之，古典音乐正影响着现当代的艺术作品，而流行音乐尤甚。而现代的流行音乐也只会在领会、借鉴、融合了古典音乐之后才会有更好的发展，升华到一个更好的发展，才会升华到一个新的层次，给观众更新的感受和冲击。而古典音乐也需借助流行音乐才能拥有更强的生命力与发展势头。

音乐欣赏在音乐教学中的重要性

音乐欣赏在音乐教学中的重要性 雨母山乡中心学校殷姿 音乐欣赏，顾名思义，是欣赏者通过听觉对音乐进行聆听，并从中获得音乐美的享受、精神的愉悦和理性的满足的活动。音乐欣赏是一种最直接、最具体的审美教育活动。它以一定的音乐为审美对象，以参与欣赏活动的人为审美主体，形成一种特殊的审美观。通过这种对音乐的聆听，实现对音乐美的感受和鉴赏。从音乐实践的总体来看，音乐欣赏的存在不是可有可无的。正如美国音乐学家默塞尔所说：“音乐欣赏在一定意义上是音乐活动的基本形式，是作曲家和演奏家工作的出发点和归宿。”它与其他的艺术形式有着本质的区别，音乐是以声音来表达内心情感的艺术，人世间的喜怒哀乐都可以找到相应音乐来表达。一切音乐都可以给人听觉上的愉悦感。音乐是最富于情感的艺术。但音乐的情感不是任何人都能准确、深刻感受到的，更不是任何人都能恰当地表现出音乐情感的。这主要是因为音乐的情感不单是人的本能生理现象，而是一种高级的、社会性的美感。 但是，对音乐的欣赏并不神秘和困难，只要大脑、听觉健全的人都能欣赏音乐。但要真正理解音乐作品、把握住作品的内涵，并引起相应的共鸣，就需要有一定的方法和具备相应的知识，并经历一个长期反复聆听和学习的过程。马克思说：“对于不辨音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义。”德国音乐评论家舒曼也说过：“发展听觉是最重要的事情，要早点学会辨别调性和个别的音。”“要及早注意各种乐器的声音和性质，把它们的独特音色深深地铭刻在听觉记忆里。”这种感知能力的获得，只有通过欣赏的实践才能提高。 初中音乐欣赏课是一门新的课题，在担任初中音乐教学的几年中，我一直在探索适合初中音乐课的上课方法，我个人认为音乐欣赏在音乐教学中有着举足轻重的作用。通过欣赏课不仅使学生学到多方面的知识，更能获得精神上的享受，提高审美情趣，同时也培养学生的创新精神和实践能力。所以，音乐欣赏是欣赏者对音乐作品的审美活动，也属于一种创造性的精神活动。 随着社会的发展和教育改革的不断深入，对于祖国下一代的美育教育日趋倍受人们的关注。新课程改革标准指出“音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。”如果学生缺乏最起码的体验感受

浅论现代音乐美学特点

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/ae244472.html, 浅论现代音乐美学特点 作者：井鹏 来源：《黄河之声》2018年第02期 摘要：随着科学技术的兴起和社会生活的发展，人们对于音乐美学的认识也来到了一个 新的阶段，相比于传统而言，现代音乐美学肩负着它的时代任务，体现着它的时代特点。首先，现代音乐美学理论体系强大，作品的理性思考更加明显;其次，现代音乐美学体现了较强的民族情怀;再次，现代音乐美学融入了很强的科技元素;再次，现代音乐美学注重对人的多重感官的强烈刺激;再次，现代音乐美学讲求技法高超，功利化趋势明显;最后，现代音乐美学一定程度上融入了较强的商业元素。 关键词：现代音乐;美学特点 一、现代音乐美学理论体系强大，作品的理性思考更加明显 随着近现代以来，科学理念的兴起发展，学科化、专业化的要求遍及了所有事关人类学习的行业和领域。音乐美学也不例外，我们在不断的将所有音乐美学的内容概括化，系统化，试图将它们有关联的、有组织的、有目的的融合成一个严密的体系，然后用它去分析音乐作品，去引导后人的音乐创作取向和审美意识。因此，现代音乐美学有着十分强大理论体系，被这些系统思维所武装的音乐创作者其作品也体现着非常明晰的理性思考。 二、现代音乐美学体现了较强的民族情怀 现代音乐美学其主要的起源之一就是近现代世界的交流与冲突。相比于古代比较单一、狭小的民族交往而言，新航路开辟以后的不同世界之间的文明交往才是正真的交往。随着一次又一次的世界级的文明与文化的冲突，民族主义成为一种济世的情怀，并且还在现代音乐美学的怀抱中打下了深深的烙印。每一个民族都有一段耀眼的灿烂史，也有一段艰辛的奋斗史。所以，它们将这一切用音乐去记录下来，体现在现代音乐美学里面，最明显的就是各个国家的国歌。 三、现代音乐美学融入了很强的科技元素 现当代是一个科技的时代，我们生活的方方面面都离不开科技元素的融入，在这样的大背景下，现代音乐美学也体现了很强的科技性。我们能够运用良好的工业化条件来批量生产的乐器，降低乐器本身的基础误差，另外，现代的电子技术也日新月异，电音也成为了一大主流。这些科技因素的融入的确使得现代音乐美学之中，音乐的科技感更强，时代感也更强。 四、现代音乐美学注重对人的多重感官的强烈刺激

论管乐学生如何提高音乐表现力

论管乐学生如何提高音乐表现力 在管乐演奏的学习中，“音乐表现力”无疑是一个最重要的课题。我们在演奏乐曲时，除了要把基本音符演奏准确外，更主要的是发挥我们的音乐表现力，给乐曲注人生命，这样才能使音乐感染自己，感染听众，使演奏达到预期的效果，使乐曲本身得到充分的展示。那么做为管乐学生应如何来提高自身的音乐表现力？本人就是踊名接受了三年专业训练的管乐演奏学生。以下是我在学习训练中对提高音乐表现力的一些看法。 一、要正确认识“模仿”：说到“模仿”是一个提高音乐表现力最直接的一种方法。它是通过我们去听专业老师或演奏大师们的演奏对其进行效仿的过程，这种方式对我们提高音乐表现力很有帮助，但我们一定要正确认识“模仿”。我国晋代著名书法家王羲之有一个典故：一次他的小儿子王献之模仿父亲的笔体练字，光是调墨用的水就用了三缸，写的字挂了他家一整院，当父亲看到儿子写的字时发现有一个字漏掉了一个“点”，便提笔帮儿子添上。之后王献之的母亲在不知此事的情况下也来看儿子的字，看后感叹曰：“我儿费尽三缸水，‘唯有一‘点'似羲之”。在这里为什么要举这个例子呢？在这个典故中蕴涵了两层意思。一是称赞王羲之本人书法的功底之深。‘二是说凡事不能只看事物的表面，为何儿子用三缸水模仿的字却抵不过父亲的一“点”，这说明了他没有抓住父亲写字的内在本质，而是局限与模仿外表，这样的模仿是得不到成功的。当然，王献之领悟了其中的道理，所以长大后也成为了一位伟大的书法家。我们模仿演奏也是如此，不能只用耳朵去一味的模仿，更主要一定要用“心”去模仿，抓住其本质特点。当我们在欣赏一位专家的演奏时，而且很想去模仿，一定要用“心”去感受他们演奏的状态，分析他们对音乐的处理方法，总结其演奏的特点，通过自己实践，把最终模仿到的东西形成一种自身情感的自然流露，在通过这样的多次模仿、练习使自己对音乐的处理有了更深更新的认识，使自己的演奏得到更加完善的效果，这样才真正起到了“模仿”的意图。 二，提高自身素质，丰富音乐想象力：我们在演奏音乐时，大都是在缺乏实体对象的前提下进行的，是靠音响的效果把人们精神、情绪带到某种境界。比如当演奏轻快活泼的音乐要使听众感到心情偷快舒畅；演奏忧伤、凄凉的音乐要使听众有种心情沉痛悲伤的感觉等。当然音乐的魅力并不只是能让人们感到快乐或悲伤，他的真正魅力是无法用语言来形容的，他甚至可以控制人的灵魂。所以培养自己有着丰富的音乐想象力也是对我们提高表现力极为重要的。那么想丰富自身的音乐想象力就要不断的提高自身素质，尤其是对艺术的修养。在平时要多听、多看、多联想，而且涉及面要广泛，不要只局限于音乐门类的艺术如书法、美术、舞蹈等多欣赏一些对提高我们的音乐表现力以及丰富音乐想象力都很有帮助。本人在平时就非常喜欢欣赏书法作品，虽然不会写，但通过欣赏发现书法与音乐的联系非常多，尤其是与我们管乐的联系特别多，我们在吹奏时讲究气息的运用，气息运用的好会使乐曲能够抑扬顿挫，这与书法当中的线条感极为相似。书法作品如果用音乐的眼光去观察就好象一部能看得到的音乐作品，它里面每一个笔画之间的组合，字与字之间的连接使我联想到管乐演奏中气息的运用，音符之间的连接以及全曲的布局。这些都是极为相似的。比如我们观察书法中的一个笔画时会发现他的起笔收笔和我们演奏时起音收音的感觉极为相似。如果我们在演奏时能够和这个笔画加以联想，这个笔画其实就成了这音符的气息示意图。在把他运用到

音乐美学

1音乐美学作为一门学科的概念是德国哲学家鲍姆嘉通1750年最初提出的,知、情、意！2《论音乐美学的思想》的书是舒巴特写的沿用了音乐美学这个概念。 3 《论音乐的美》是汉斯立克写的。 4音乐美学的这种双重属性，说明它是美学与音乐学之间的一门交叉学科，它的特点在于美学与音乐学的结合。 5儒家的音乐美学思想：代表人物：孔子、孟子、荀子，奠基于孔子，发展于孟子，成熟于荀子，成熟的标志是提出“中和”、“礼乐”。 6《乐记》的音乐美学思想 ①对音乐本源问题的深入探讨； ②对音乐特征问题的深入探讨； ③提出成熟形态的“天人合一”音乐美学思想； 7《声无哀乐论》的作者是嵇康。 8.18世纪的欧洲音乐论坛，以法国为中心，曾发生过三起重大的争论：①马泰松是“旋律派与和声派之争”； 9黑格尔的音乐美学观念在浪漫主义音乐家李斯特那里得到进一步的诠释。 10西方音乐美学思想有哪些主要特征？ ①强调实证，重视逻辑思辨， ②注重音乐本体研究，善于理论联系实际； ③由古至今，呈现出加速发展的趋势； ④积极抛弃传统，不断开拓创新； ⑤崇尚理性，忽视感性。 10音乐的功能 ①艺术功能：音乐被用于非实用性的审美和思想感情的表现时，具有艺术功能。 ②实用功能：音乐被用于教化、宣传、教育、认识、宣泄、科学利用等 11音乐的价值 ①音乐自身的独有价值：音乐作为听觉艺术，在满足人们的听觉审美感性需要时，具有不可替代的独有价值。 ②音乐作为特殊工具的价值：音乐在实用中所具有的价值是特殊工具的使用价值。由于所有的实用目的都在音乐之外，因此音乐作品是作为工具发挥实用功能的。 ③音乐多种价值的混合：音乐的审美价值往往跟其他价值混合在一起。 12为什么要回唤音乐的美？ ①音乐的美是人的本质需要，只要是美的音乐，就必须满足感性、有序性、丰富性、这三个基本条件，所以审美在将来一定要提高。 ②音乐艺术发展的生态观，音乐作为一种艺术类型，它需要优化文化生态才有利于发展，主要包括以下两方面：⑴其一，音乐作品个性特点的合理张扬；⑵其二，音乐各种功能功用的并存并举。 13何为雅乐，以及分类。“雅乐”的意思即“优雅的音乐”。雅乐是中国古代的宫廷音乐。雅乐的体系在西周初年制定，与法律和礼仪共同构成了贵族统治的内外支柱。以后一直是东亚乐舞文化的重要组成部分。宫廷雅乐乐谱在中国、韩国、日本及越南尚有保存。 雅乐一般可以分为三部分：①国风歌舞，为历代宫中举行最高祭殿仪式时所采用；②外来乐舞，主要有唐乐和高丽乐。唐乐有管弦合奏曲和舞乐伴奏曲。高丽乐的所有节目，都是作为舞乐的伴奏曲而存在，没有单独演奏的曲目。③日式歌舞，专为贵族演奏的声乐曲。形式多样，既有在歌词中吸收了古日本的民歌的“催马乐”，也有以汉诗为歌词进行歌唱的“朗咏”等。

浅谈音乐的审美特征

浅谈音乐的审美特征 摘要：音乐是人类抒发情感的一种特殊活动，又是诉诸听觉的时间艺术和想象艺术。音乐审美是音乐整体艺术构成的重要组成部分，作曲创造音乐美，音乐表演呈现音乐美，而音乐审美发现音乐美，并且在某种意义上揭示音乐艺术最有价值的东西。音乐是人类抒发情感的一种特殊活动，又是诉诸听觉的时间艺术和想象艺术。音乐审美是音乐整体艺术构成的重要组成部分，作曲创造音乐美，音乐表演呈现音乐美，而音乐审美发现音乐美，并且在某种意义上揭示音乐艺术最有价值的东西。研究音乐审美意识的感性特征对于培养人们的音乐审美能力、提升人们的音乐鉴赏水平、提高人们的音乐审美判断力，都有着十分重要的思想意义与理论价值。 关键词：情感艺术、时间艺术、想象艺术、音乐艺术、审美特征 音乐艺术是人类最伟大的创造，也是人类最美的艺术。在人类社会发展的历史进程中，音乐以它特有的艺术魅力，抒发着人们的情感，拨动着人们的心弦，陶冶着人们的惰性，美化着人们的心灵。聆听美妙的音乐，你会感到美的气息扑面而来，你会感到怡然自得，如痴如醉。列宁曾无限感慨地说：“我不知道还有比《热情奏鸣曲》更好的东西，我愿每天都听一听。这是绝妙的、

人间所没有的音乐。我总带着也许是幼稚的夸耀想：人们能够创造怎样的奇迹啊！”为什么音乐会有如此诱人的魅力和神奇的力量？这是因为美妙的音乐中蕴涵着一种与人类息息相通的审美 特质。音乐是反映现实生活，表达人们思想情感的艺术。它通过旋律、和声、节奏、速度、力度、音色等多姿多彩的变化，在一定的时空环境内塑造音乐形象，反映社会生活，使人赏心悦目，它不仅以独特的艺术魅力和审美特征给人们的精神生活提供美 的享受，而且对改造人们的审美结构，提高人的审美能力和整体素质具有重要作用。任何音乐作品都具有一定的思想内涵，反映时代气息，无论它表现什么，只要能在作者和欣赏者之间产生共鸣，就能起到审美作用。 音乐艺术具有强烈的艺术感染力，能够在人们的心灵深处产生强烈的共鸣，有感化人心的力量。音乐艺术对人的意义不只是给人们精神生活提供的享受，而且还直接参与改造人的审美结构，提高人的审美能力，激活人的审美自觉。音乐艺术具有与其他艺术不同的独特的艺术魅力和审美特征。探讨音乐艺术的音乐形象及其审美特征，不仅对丰富音乐艺术的美学内涵具有理论价值，而且对实施音乐艺术的审美教育具有实践价值。 一、情感的艺术 音乐擅长表现情感，没有情感的音乐也就没有了它的灵魂。黑格尔说过“在音乐中外在的客观性消失了，作品与欣赏者的分

浅谈中国流行音乐与古典音乐的结合

浅谈中国流行音乐与古典音乐的结合 音乐存在于人们的生活中，音乐为人们的生活增添了希望与动力。而在当今的社会中音乐文化以一种多元化的形式存在着，在流行音乐中融合了古典音乐的内容与形式，丰富了音乐文化的艺术形式，在现实中具有强大的意义。流行音乐凭藉融合了的音乐获得巨大的商业效益，同时对古典音乐市场的繁荣与发展产生了很大的促进作用，丰富和加强了流行音乐的审美价值，带动了一股新颖的音乐风尚，为音乐注入了新的元素、新的生命力。那么在具体的音乐中两者是如何有机融合的，现就这一问题浅谈以下两点： 一、西方古典音乐在中国流行音乐中的运用 1.在歌曲的前奏部分融入古典旋律 每一首歌曲在开唱前均有一段不同的旋律，而在中国的流行音乐中往往会引用西方古典音乐中的某一旋律作为前奏，前奏播放完再进入正曲。欣赏者会陶醉在前奏中而顺势进入整首歌曲的倾听中。如的《波斯猫》和《不想长大》两曲在前奏部分就分別运用了英国作曲家亚伯特科特比的管弦乐作品《波斯市场》和奥地利作曲家莫扎特《第四十交响曲》之第一乐章旋律片段；而范晓萱的《我要我们在一起》则在前奏部分运用了挪威作曲家格里格《培尔金特》中《安妮特拉之舞》的旋律片段。再如蔡依林的《离人节》和林宝的《蓝色月光》在前奏部分也分别运用了波兰钢琴家肖邦E大调练习曲《离别》和德国作曲家贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章的旋律片段。又如刘若英的《分开旅行》的前奏部分运用了法国作曲家德利伯的歌剧《拉克美》中的咏唱调旋律片段。以上几例不但选取了管弦乐合奏曲、钢琴独奏曲等器乐作品的旋律片段，更有运用歌剧的旋律片段作为歌曲开头的前奏，从而引出正曲，使得歌曲风格突变，出其不意，给人一种别样的感觉，吸引欣赏者将整首歌曲倾听完毕。 2.在间奏部分融入古典旋律 有部分歌曲在间奏部分也会选用融合一些西方古典音乐旋律，在间奏出现前以流行歌曲自身风格发展，进入间奏后突然以古典音乐旋律片段出现，给人以别样的新鲜感与听觉冲击，增加戏剧性效果，也加强了作为流行歌曲的旋律感深度。如五月天的《知足》在间奏部分就出现了奥地利作曲家莫扎特的C大调《小星星变奏曲》；再如4 In Love的《一千零一个愿望》在间奏部分采用了德国音乐家巴赫《G大调小步舞曲》的主题旋律片段。在间奏部分融入古典旋律可增加流行音乐的深度，让欣赏者进一步感受到戏剧性的歌曲，在倾听的过程中始终保

论音乐教育的重要性

论音乐教育的重要性 广东省龙川县教师进修学校龙川517300 【摘要】音乐教育是其他学科不能替代的，音乐教育与素质教育有着千丝万缕的关系，音乐教育在提高学生的审美观念、理想、能力、意识、修养、情趣等方面都有很大的作用。 【关键词】音乐教育素质教育音乐欣赏教学音乐表演与活动 音乐教育作为艺术教育的有机构成部分，既是素质教育的内容，又是实施素质教育的重要手段。在音乐教学过程中审美、情感、节奏、音准、创意等内容，都是学生素质教育的构成要素，其中最基本的要素是情感培养和能力培养，它是衡量学生素质的基准。 我国古代教育家孔子提出“兴于诗，立于礼，成于乐。”指出音乐教育的目的是完善高尚的人格。德国音乐教育家奥尔夫说：“音乐应该同其它学科一样成为学校教育的重要组成部分，因为音乐能够培养学生的情感、想象力和个性。”音乐教育是进行美育的重要手段之一，实际上音乐教育从根本上说是一种素质教育。音乐教育是人的全面素质培养的重要途径，通过音乐提高学生们的精神境界和综合素质，也是其他学科所不能替代的。音乐教育既能提高学生们的文化知识水平，又让学生们在审美观念、理想、能力、意识、修养、情趣等方面得到全面提高。 1.音乐欣赏中陶冶学生情感 音乐教育能陶冶情感——德国作曲家瓦格纳说：“心灵的器官是乐音，心灵的艺术意识语言是音乐。”当我们接触一部音乐作品时，我们正感受着作曲家的灵魂，并直接触摸到了他们的情感，不管是欢快还是悲伤的音乐都能引起听者的共鸣，这就是音乐的语言。在平时的课堂音乐欣赏教学中，笔者就着重培养学生在音乐欣赏中获得真、善、美和获得心灵的净化。 例如，从作曲家冼星海的生平、作品的历史背景入手，在音乐欣赏中注重学生们情感的体验。冼星海的代表作品《黄河大合唱》是人们早已熟悉的作品，但对生活在温室的学生们来说，他们还不太了解也很难理解那个时候的历史，于是笔者从钓鱼岛事件入手，给学生们讲解抗战时期的有关历史，还把自己大学时观赏纪录片《南京大屠杀》的经历和感受与大家探讨。当学生们再次聆听《黄河大合唱》时，他们的内心都能感受到音乐作品对心灵的震撼，都有一种深深的感动，同时也激发了大家的爱国热情。 优秀的音乐作品能使人形成良好的思想品德，优秀的民族音乐，渗透着民族文化的精髓，具有民族文化的独特气质，学习优秀的民族音乐作品，可以激发学生的民族自豪感和爱国主义热情，热爱祖国的大好河山。例如，在学生们感受华