浅谈潮彩山水画创作

山水画写生心得

山水画写生心得 山水画写生心得 山水画写生心得胡阶庆一、山水写生之乐画山水画，不走进大山中去写生，是很难把握住山水的灵魂的，山水画写生心得。那么，当你背起行囊走进大山的时候，你便到了与世隔绝的另一个世界，让你超然随想，让你信笔挥洒。在山水间，听鸟唱虫鸣，飞瀑喧泄；观山润花放，云起云落。一派脱除尘俗的感觉。在这里要强调的是，要想在山水间写生，就要选择适合写生的地点。就连现在最时尚的旅游都时兴“无景点旅游”，因此，我们写生千万不要到著名的景点去，乡野山村最入画。在写生前，一般我都要先打听，山里能不能住宿。有些景区今天买完票，明天再画还要买票，最好别去，画着不方便。一般我选择买一次票进村，一呆十几天。比如离我们不太远的山西、河北、河南等地都有景区内有农户的，而且这些景点取得游客极少，一种原生态的味道。如果再近，那就是蓟县山区，津围公路和去盘山道路两旁的小岔口，进取都有不错的风景。在山里除了写生、放松心情以外，还感悟自然，写一些山水情怀的体会。比如，我在兴隆写生的时候，看到一株长在山巅的小松，向导说它叫“忍者”，问了原因，才知道：一颗小小的松子，在缺水、少养分的石缝山巅生长，实属不易。向导说这棵树有上百年，可它的粗细、高矮开上去也就像十几年，在旅途中，我有了感悟——正是它不事张扬才寿过百年。如果长得太高太壮，要么因养分不足而苦干，要么在山巅遭雷电击垮，这都难使它保全，正是这种涅槃的状态，让我们今天还能看到它的身姿。由此，我想到人和自然物象是一样的道理，回来后写了一篇散文《走进自然呈大道》。二、写生之险到山里写生，可谓：与自然亲密接触。往往会让人亲历险境，让我们终身不忘。比如，有一年去兴隆写生，向导把我们带到半山腰，然后指出路线，我们便去爬山。但到下午四、五点钟，山雨突至，天马上阴沉下来。这个时候肯定是马上下山，但是我们却找不到下山的路。这时，不远处传来大型猫科动物的“咕咕”声响，这更增加了我们的恐惧感。路旁和我们一样迷路的一直戴胜鸟，特别可爱，花纹奇特，可是已经无心欣赏。雨越下越大，我们灵机一动——顺着流水的方向走，

中国写意山水画教案

中国写意山水画教案 课题：中国写意山水画鉴赏与基本技法 上课时间：20xx年xx月xx日 课时：2课时（90分钟） 教学对象：高中普通班学生。 教学目标： 知识与技能目标: 通过理论讲解和示范教学使学生掌握中国山水画的笔墨技法。 并掌握如何用笔、用墨和笔法和墨法具体的实践操作，以便在 日后的在临摹、写生和创作中加以灵活运用。 过程与方法目标：使学生了解掌握中国山水画的分类和各类山水画具体的特点。 通过讲解山水画特点让学生用哲学的思想去感悟山水画的意 象造型原则，笔墨表现形式和意境要素的生成以及对时空处理 特殊性和诗书画印的完整性。 情感态度与价值观目标：通过了解中国山水画的发展史使学生对山水画在中国绘 画史中的重要地位有所感悟，体会山水画悠久的历史， 中华民族丰富的智慧和情感，崇高的审美理想、艺术追 求。提高学生审美情趣，激发学生对于传统艺术的热爱。教学方法：讲述法。 教具：课本。山水画图片。

学具：课本。笔记本。 重点：山水画的发展，分类，特点以及基本技法。山水画的鉴赏方法。 难点：山水画的意向表现原则。意境要素的生成。山水画的鉴赏。 教学过程： 第一部分：写意山水画的相关基础知识 一：相关概念 1.写意：国画的一种画法，用笔不苛求工细，注重神态的表现和抒发作者内心 的情感（区别于“工笔”） 俗称“粗笔”。与“工笔”对称。中国画技法名。通过简练放纵的笔致着 重表现描绘对象的意态风神的画法。写意画是国画的基本表现形式，与工 笔画并称。 分类：写意画分为小写意和大写意，所谓的小写意，更倾向于水墨画法写物象之实，上接元人墨花墨禽的传统；而所谓的大写意，更倾向于 以水墨画法表现画家的主观感情，继承的是宋元的文人墨戏传统。 特点：不着眼于详尽如实、细针密缕地摹写现实，而着重以简炼的笔墨表现客观物象的神韵和抒写画家主观的情致。写意技法 2.山水画：山水画简称“山水”。中国画的一种。描写山川自然景色为主体的 绘画。 二：发展 水画在中国绘画史上占有极其重要的地位，并在东方绘画中成为富有特色的艺术。据文献记载，早在两千多年以前的战国时期，山水画就已经出现在丝织品和壁画上。从北魏壁画和东晋顾恺之的传世摹本《女史箴图》，《洛神赋图》来看，这时期的山水画只是作为人物画的背景，山水画的技法还比较简单粗拙，往往“人大于山”“水不容泛”。正如唐张彦远所说的：“其画山水，则群峰之势，若细饰犀栉，列植之状，则若伸臂布指。”可见这时期的山水画还很不成熟，是中国山水画形成的孕育期。中国山水画，经东晋顾恺之发端，历南北朝至隋唐，才逐渐摆脱作为人物画的背景，而发展成为独立的画科。传为隋展子虔的《游春图》是现存最早的一幅山水画真迹，画中人物只不过是点景而已。它一变六朝墨勾色晕法为勾线填色、重彩青绿法，开青绿山水之先河。它标志着中国山水画的形成和进步。 到了唐代，由于经济的发达，社会的安定，以及宗教绘画的世俗化，中国山水画走向成熟并进入了繁荣昌盛的时期，因而有各种风格竞相出现的局面。总的说来，唐代山水画开创了两大流派：一派是青绿山水，它继承了隋代展子虔的传统表现技法，发展成为工细巧整、金碧辉映的风格，此即后世所称的“北宗山水”，

山水画写生与创作

山水画写生与创作 1、定心静观： “万物静观皆自得”；“静坐、凝神、存想”不要只看到表面的东西，要寻找内涵的、本质的规律和奥秘。正如常说的：“心有成见，视而不见”，所谓成见，就是说，你只看到表面的一些现象，就认为您对它的整体以及内部规律都了解了，就认为它非常简单。所以，有了成见或一般的常识性认识之后，在写生的时候就观察不深入，所以，成见和常识是写生时候的最主要的障碍。要剥开常识和成见的表面，去观察内部的规律，自然界的规律都是内涵的，要把眼前的一切对象都看作是生疏的，要加以重新认识，使一切都充满了新鲜的感觉之后，再开始描绘。 2、凝神构思： 好的作品是“若不经意”，但是，若不经意，并非是真不经意，是“经意之极，若不经意”。 3、意匠加工： 意匠是艺术家对生活素材的加工手段，也是一个艺术家水平高低的一个标志。意匠是创造意境的必要的加工手段，中国艺术长于大胆剪裁，有时候几乎剪裁到零，所以中国画上经常有大量的空白，这和中国戏曲艺术的处理是完全一样的，即，以虚代实。 4、夸张： 夸张是感情强化的表现，在感情上给人以最大的满足。具体到画面上，要密处更密，疏处更疏。强化与减弱。

5、山水画的透视： （1）“三远”法：“自下而观其上，谓之高远”（仰视）；“自前而观其后，谓之平远”（平视）；“自前山而观后山，谓之深远”(俯视)，深远，层层叠叠，不知其有几千万重，深处宜曲，此最难处理。 （2）散点透视：必须打破焦点透视的局限与束缚，特别是较长的竖幅和长卷，尤其如此，在一个画幅里要有多个视点，也就是说视点是不固定的，是游走的，否则画面易散。围绕每个视点使画面内紧外松。 （3）云遮雾挡法：为消除散点透视在画面中所产生的矛盾，可巧妙地用云雾（空白）进行调和，使画面趋于协调。 （4）剪裁与取舍：“取近不取远，取远不取近”，一般要将描绘的重点放在中景。 （5）门板式透视：视平线的位置要尽可能的高，前后景物透视变化不能太大，这样，可以使画面有更大的容量，可以把远处的景物表现得更清楚、更具体。 （6）中国山水画的透视法则，在创作实践中可互相结合，灵活运用。 6、构图形式与法则： （1）开合：绘画上的构图的“开合”与作文章的“起结”是一样的，一篇文章大致有起、承、转、

中国画山水画写生技巧分享

中国画山水画写生技巧分享 中国画山水画写生技巧分享 中国画的"写生"，往往是"皮袋中置描笔在内，或于好景处，见 树有怪异，便摸写记之，......"(元·黄公望《写山水诀》)。中国 传统的山水画写生观中，实在是把对自然的深入观照和细微体悟放 在首位，并使自然山水与画家心灵互融神会，最终达到顾恺之所说的"与山川神遇而迹化"的目的.为达此目的，光是"模写"是远远不够的。遍游名山大川，融汇于胸，然后发于毫端，而至传神。观照与 体悟的功夫是必须到家的，只有这样，才有可能神遇而迹化。 中国古代山水画的写生观，其实是把人与自然山水融为一体，山水即我，我即山水，所以在"物我"之间了无阻碍，既然山水之神已达，必定形神俱足。这一点是目前现代意义的"写生"无法达到的。 但其精神，对现代山水画写生教学，也有其积极作用。 一、现代山水画写生的作用 1.写生的.桥梁作用 中国画的学习，一般均从临摹入手，并且往往始终伴随着学习的全过程。作为学习国画的一种重要手段，通过临摹，能在短期内高 效率地迅速了解国画的各种基本技法，从而达到事半功倍的效果。 但由于国画技法，如山水中的皴法等，经过前人反复锤炼，已成十 分完善的程式，临摹一久，很易被其完善的程式所迷惑而不能自拔。而通过写生，就能使学习者在传统技法下的程式化山水与真山实水 之间架起沟通的桥梁。一方面，以所习技法表述真实山水，另一方面，用大自然中山水的万千姿态，印证传统山水程式，明了这些程 式之由来。 2.写生的记录作用

作为游历山水时的感受的记忆手段，写生也有其重要作用。且不论古代没有相机、摄像机，对不可能长游细察的山水记上一"异"十 分必要，即使在现代，有了相机等现代化记实工具，但当面对真实 山水时所得的感触，同时因地、因气候变化的阴晴明晦、云蒸岚飞，都会有许多变化。这些用写生记录，往往比较切合感觉，而一拍成 照片，往往反而因太"真实"而缺乏感人力量。 3.写生的体微作用 比较山水画的临摹与写生，临摹等于是在求教名师，只要精研细察，必能得莫大收益。但光从临摹上得到体会，毕竟是吃别人嚼过 的馍，"纸上得来终究浅"。如不能把这些临摹所得与自然真山水相 比照，一不小心便会陷入泥古的泥潭而不能自拔。在这里，直接面 对活生的自然山水，通过细致入微的观察，往往会有自己的独特体会。这些独特体会经过多次强化，并反复去粗存精，就会成为个人 绘画风格面貌确立的起点。 也正是这一点，才是现代山水写生教学向传统山水写生观靠拢的起点。 二、现代山水写生教学的两个误区 误区之一："泥古不化"。过分强调临摹所得的山水画技法，特别是山石皴法等，结果是要么活山水被程式所囿写成死山水，要么是 思路被真山实水所束缚，而找不到表现的方法。 误区之二："食洋不化"。是以西画速写的方法直接移植入国画山水写生中，把国画写生等同于硬笔明暗速写或线描速写。其直接恶 果是当速写得心应手之后，无论平时随手挥写，或严肃的创作，所 画之作几乎全为一副"速写相"。这些画作，如果光从画面视觉效果看，可能也不错，但却不能称是中国山水画。因直露和肤浅，直接 决定了其品格的低下。 当前，"速写相"现象几乎泛滥了全中国，其形成的历史原因已无庸多言。令人担忧的是，在许多学者和教授者，甚至能够左右美术 发展方向的领导者，仍热衷于此类"嫁接"。一些人全不顾东、西方 艺术之间的巨大差别，结果将中国画体系弄得千疮百孔，自断生路。

如何欣赏古代山水画教案

第三阶段 如何欣赏古代山水画教案 红光中学美术教师周剑梅 课型：中国山水画鉴赏课。 教学目的：在中国的山水画里,东方文化的体现优为深刻.有中华武术的阳刚之美,也有高山流水的韵律之美,更充实着华夏人的朴实无华,勤劳勇敢,热爱和平,追求和谐的大度之美. 我们的国画远源流长,博大精深,承载着丰富的文化和思想。 欣赏山水画,只注意笔法,墨法,章法及色彩,还远远不够.当然这是基础,必须从这里入手.山水画描绘的是大自然的山山水水.云树石木,它的形式美,色彩美,甚至充满着节奏美,旋律美.其结构是开放的,自由的,无拘无束的, 这正是其博大,充满生机活力的原因.中国山水画 讲究写意,讲究气韵生动,讲究意境,讲究气势,讲究天人合一.和谐共处.大山圣水赋予人灵气,智慧和博大的胸怀。 教学重点：有针对性的对学生的知识结构，审美缺憾进行梳理和调整。 教学难点：让学生学会比较、学会思考、学会评价，学会将新旧知识串成串，融会贯通； 教学过程： 一、组织教学： 二、引入新课： 1、师提问：经过前两次的中国古代山水画相关常识的学习，谁能说说怎样欣赏中国山水画？ 学生分组讨论，并以组为单位派一代表阐述讨论意见。 本课内容为通过对典型的中国古代山水画名作的评析，了解中国古代山水画的欣赏方法。 ⑴中国古代山水画的性质和它在中国古代绘画中的重要地位： 上两节课我们已经了解到，中国古代绘画习惯按传统分成人物、山水、花鸟三个画科。 中国古代山水画的主要描写对象是自然风景。它不但表现了丰富多彩的自然美，而且体现了中国古代人民的自然观与社会审美意识，甚至从侧面间接地反映了社会生活。 中国山水画作为一个独立的画科比人物画晚，但它在中国绘画史上得到了突出的发展，并且在长期的发展中，形成了多种画法和艺术风格。主要的有：青绿山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。 （2）其次，中国古代山水画在空间的处理上，采用“以大观斜、“小中见大”的手法。 就是把山水画家自己看作是一个巨人，面对自然，就象人观盆景状。这样，千里江山也可尽收眼底，或用长卷的形式表现，如《千里江山图》，长达11米。或以中国画特有的高远、平远、深远的构图方法，画十分繁复的山岭，如《溪山行旅图》、《早春图》、《青卞隐居图》等，其空间处理突出地体现了中国山水画独特的构图方法。中国古代山水画创造的这种独特的处理空间关系的艺术手法，既体现了中国画家独特的观察自然的方法，同时也蕴含着中国民族的审美胸襟，体现了中国人的自然观。 （放映录象） （3）此外，中国山水画在长期的发展中，形成了许多行之有效的表现程式。 如表现各种山石就有各种皴法，什么披麻皴、雨点皴、荷叶皴等。在这些表现程式的应用上，主张灵活运用，不断有所发展。在山水画的笔墨技法上，也更为丰富多变，如笔法中包含上述的山石的多种皴法和点苔法等；墨法中湿者为“染”，干者为“擦”，还有“破墨”、“积墨”等等。可见，中国古代山水画也同样形成了自己独特的艺术传统和体系。 （放映录象）

中国古代山水画鉴赏论文

中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含

水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，

中国写意山水画的特点及举例

1、以形写神，以神写意。 从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。 最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。二者都没有把形神的关系界定清楚。对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。似与不似之间就有了一定的空间，画家在作画过程中，积极地去作物象的内在本质即神韵的追求，为了达到目的，就要对物象的特征加以强调、夸张，对形进行必要的概括、取舍、归纳。这个过程叫做“遗貌取神”，这种造型观念叫做“意象造型”。 2、骨法用笔、以书入画。 “骨法用笔”是谢赫六法中第二位，它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”是指客观物象的形神结构，“用笔”则是用笔方法，用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”。说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的，它不但要表现客观对象的基本结构、神韵，还要表达画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨还有独立的审美价值，表现为特殊的用笔方法所产生的形式美，也表现为笔墨情趣。 黄宾虹先生根据中国画的审美要求，总结前人和自己的创作经验，把用笔归结为平、圆、留、重、变五法，他说：“用笔须平，如锥划沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山堕石。”以上是用笔所追求的一种境界，至于具体操作中如何灵活掌握，还要懂得一个“变”字，要留有余地，要掌握好分寸，过分了同样也是弊病。黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚，注重留的作用，因此行笔相对较慢，但也并不是处处都慢，该快时还是要快的。有的画家追求线的流畅，行笔速度相对较快，有气势磅礴、一气呵成之感。至于怎样才好，这与每个人的实践经验、审美情趣有关，不可强求一律。至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果，一个“变”字都能概括，靠在实践中去体会去灵活掌握。

浅谈中国画的写生与创作

浅谈中国画的写生与创作 在中国画的造型艺术中，写生与创作是两种不同的表现形式，两者是紧密相连，逐渐转换的因果关系，写生与创作是中国画家终生探索与追求的热门课题。 历代有成就的中国画家都重视写生。唐代的山水画家张操，十分肯定姚最的“外师造化，中得心源”的观点。明代沈颢在其画论中说：“董源以江南真山水为稿本；黄公望隐虞山即写虞山，皴色俱肖，且日囊笔砚，遇云姿树态，临勒不舍；郭河阳取真山惊涌作山势，尤称巧绝”。现代国画大师徐悲鸿先生提出“吾所师法者造物而已，碧云之松吾师也，栖霞之岩吾师也，田野牛马、篱外鸡犬……亦皆吾所习师也，窃愿依附之而谋自立焉”。他认为写生是“外师造化”的基础，也是画家认识自然，认识生活的重要手段。“外师造化，中得心源”是中国绘画中最有活力、最有朝气、最能反映生活、也最能表达画家思想感情的画论，它是绘画遗产中的精华。 “搜尽奇峰打草稿”是石涛的名言，也应该是山水画中的核心。石涛的早年，屡游安徽的敬亭山、黄山，中年时苦行江、浙、皖等地的名山大川，二十多年间，云游四方，成了“诸方乞食苦瓜僧”。他长期在山川中漫游，使他的感情融化在大自然中，感受到“山川使予代山川而言也，山川与予神遇而迹化也”。他客观地对待自然中的山川——“搜尽奇峰打草稿”，主观地表达他对客观事物的认识——“予代山川而言”，他和山川成为一体，从而名山之精华，大川之灵气为“神遇”，并将画家自己对名山大川的认识“迹化”成幅，这样的作品便是徐悲鸿大师所说的“感觉敏锐，韵趣隽永”。石涛说：“得山川之理者山川之质也，得笔墨之法者山川之饰也”。得山川之理，是说画家对大自然的认识、理解，只有对大自然认识的深化才能得其精华。 写生是发展艺术，推动艺术，积累素材的重要手段，是画家对客观事物的认识，再认识，并不断深入的过程。画家通过长时期的体验生活，进行写生，才能更加深入地了解大自然，认识大自然。就会对春、夏、秋、冬，风、雪、雨、云，以及朝晖、夕霞中的山川景物的变化了然于胸。因为能够对自然景物有充足的时间观察，还可以在不同季节，不同天气情况下，了解到自然景物的不同变化，所以说，这时的画家对自然景物的认识和理解是深入的，细致的，甚至是本质的。如果在深入生活进行写生时，如同旅游团一样地观光游览，走到那里都是蜻蜓点水，走马观花，不能深入下去，那就只看到大自然的表面现象，而不能得到自然景物的真性情和内在美，甚至不能激发出真实的，深邃的情感。中国山水历来提倡不但要画其景，更要画其情，画其性。只有得山水之灵性，才能得到绘画的真谛。正如明代李日华在其《六研斋》笔记中所讲：“凡状物者，得其形不若得其势，得其势不若得其韵，得其韵不若得其性”。清代王翠在《题画》中说：“昔黄子久日坐湖桥，看山饮酒，以造化为师，得其神韵，不在形似，遂尔入妙”。 “以造化为师，得其神韵”，是中国画家对生活深入认识的结果。大自然的形是直观的，而气韵却是感知的。在写生的过程中，如果不能抓住山川景物的神韵灵性，而只是画其形，画其景，即只看到和抓住山川景物的表面和外在的东西，

浅谈山水画学习的心得体会_1

【标题】浅谈山水画学习的心得体会【作者】罗礼洪【关键词】?山水画??学习方法??写生??艺术?? 【指导老师】陈文安【专业】美术学【正文】 引??????言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的

技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下： 一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国

中国山水画对传统的继承与创新

大 众 文 艺大 38摘要：本文是通过对中国山水画的传统研究，探讨当代中国山 水画的发展是如何继承传统，而又不断创新的。本文具体介绍了在中国山水画发展中对传统继承的重要性以及通过创新来适应国际化发展的潮流的必然性。 关键词：山水画；传统；继承；创新 引言 在越来越强的全球化趋势下，民族传统文化就显得尤为重要。中国山水画作为国画的重要组成部分，无疑在我国传统文化中扮演着重要角色。中国山水画在经历了千年的发展，逐步形成了自己完整宏大的艺术体系。而山水画对传统的继承与创新使得中国山水画的体系更加丰富和完善。传统并不是一成不变，而是要在继承的基础上，不断创新。要发展中国山水画，不但要研究山水画的传统，也要积极而慎重吸收外来文化。在传统中继承，在继承中创新，以创新求发展。 一、中国山水画的发展历程 1.中国山水画的起源 中国山水画源远而流长，几乎贯穿了整个中国画史。源于古代宗教的影响，人们利用山水刻画出神灵的各种形象，用于瞻仰或祭祀，来表示对神灵的敬畏与崇拜。人们在这样的敬畏和崇拜中经历了一段漫长的历史。古代圣人贤士必会寄情于山水之间，打开了人类与大自然之间的屏障，开始了与自然的精神交流。这种“优游”不仅是生活，更是一种文化，它体现着中国人对大自然的爱好，也展现了中国人将文化与自然联结在一起的独特方式。 2.中国山水画的发展历程及现状 我国的山水画与西方风景画相比，大概早了1000年。在七千多年以前，先族的觉醒便用图案的方式纪录下来。在新石器时期，已开始借助线刻来表达观念性文化的内涵。艺术不仅是对征服大自然的想象，更是一种象征。先祖一开始便使用艺术的方式与自然对活，艺术与逻辑的结合，将天人合一的独特的中国图式清晰地展现在人们眼前。 诗人王国维在《人间词话》中写到：“四言敝而有楚辞，楚辞敝而有五言，五言敝而有七言，古诗敝而有绝句、绝律敝而有词，盖文体通行既久，染指遂多，自成习套……”揭示出文学不断的创新发展，绘画亦如此。五代宋初的巨然、范宽、荆浩等丰富了山水画的艺术形式，“元四家”在前人基础上进一步完善了中国山水画的水墨技法，明清两代的“四王”，也承袭了古代山水画之辉煌。到了20世纪50年代，在改革旧文化的时代要求下，“新山水画”应运而生。在继承传统的基础上，反映着新时代的审美，找到了新的生存及发展模式。 到了21世纪，中国山水画在各种思潮及多元文化的影响下，也呈现出了多元化并存的趋势和挑战。山水画的画家们并没有放弃历史赋予他们的责任，依然在为这传统艺术之花的绽放孜孜以求。 二、中国山水画对传统的继承 1.继承点 中国山水画历经几千年的发展变化，确始终没有改变其对文化诠释的作用。 从远古时期，人们受原始宗教及神话的影响，中国人借助山水的观念来刻画出山水神灵形象，体现着那个时代人们的思想与文化，可以说神话和宗教促进了山水画的成形。 而古代“天人合一”的思想又使人们在哲学方面有了关于自然的定义。人们开始借助大自然这个载体，表达自己的种种情感憧憬。山水的“质有而趣灵”观念，进一步肯定了山水的价值。而魏晋玄学也为山水观念的转换做出了应有的贡献，为山水加入了新的美学意义。人们更加关注山水，寄希望于青山绿水的表现。 至此，对山水的观念，从宗教到哲学进而再到玄学，山水无疑在其中体现出文化的意义及历史的飞跃。当代亦如此，山水画体现了人们的生活理想，拓展了人们的生活空间。山水画依旧是人们抒发情感的完美载体。 中国山水画始终追求的是与自然统一，强调的是主观的统一无间，力求眼到，心到，意到。中国山水画将客观物象与审美主体交融之后就蜕变成了一种精神状态中的物化方式，不再拘泥于客观事物度量标准，以线条为魂魄，使得描绘的对象可以挣脱其物理形态，从而获得提炼，发挥出远超出客观形体自身的精神效应。从古至今，山水都凭借其传统的手法，发挥着与精神世界交流的价值。 3.2必要性 中国山水画是中国的古老文化，是珍贵的文化财富。艺术是时代的产物，过了相应的时代，它就成为了传统。而作为世界艺术财富宝库中成就卓异，独具特色的中国山水画，是中国宝贵文化的高度凝聚的体现。从对我国文化发展角度来看，任何艺术形式的形成和表现都是为了阐释一种文化。从我国优秀山水画作品的研究来看，无一不凝聚着强烈的时代文化内涵。所以，不论时代如何变迁，中国山水画依旧担负着承载文化，继承传统和体现时代精神的历史重任。 三、中国山水画对传统的创新 1.创新点 中国山水画经历了漫长的发展历程，不仅仅是对传统的继承，也在发展过程中，适应时代发展不断地调整，创新。 首先，山水画的创新源于固本。黄宾虹当年曾在对传统绘画的研究、传承基础上提出了“师古人”跟舍置理法。不仅强调研习和传承前人理法的重要性，还主张兼收并蓄，进行严格筛选。正是这种对继承传统严谨执着以及有机选择，为黄宾虹之后在山水画史上的大“变”打下了坚实的根基。所以在实践当中，从固本入手，以古为新，以承为变是山水画发展要始终坚持的原则。 其次，山水画的创新是在相互融合于借鉴中来的。随着各国间交流的日益密切，文化上的交流也进入新的阶段。中西美术各具优势，虽然存在差异，但也是可以相互补充的，异质文化的交融从未停止过。固步自封，只会是阻碍山水画的发展，有眼光的借鉴才能使传统得到延伸和发展。我国山水画在构图、光影、意境、色彩处理等方面融合了西方的元素，使其在继承传统笔墨的基础上，既保持着鲜明的民族特色，又开创了中国山水画新纪元。 最后，山水画的创新是源于现实的。进入了21世纪——信息高速发展时代，在文化全球一体化的大趋势下，我国山水画要在从传统中汲取营养的同时，面对时代审美的挑战。随着社会日益开放，现代山水画获得了更加广阔的发展空间。什么样的时代，就该有其相应的笔墨表现。因此，中国山水画就是要融入和感悟生活，在现实中进行创新。 2.必要性 艺术是可以超越国界限制的，人类的社会心理及审美心理需要同时代共同进步的艺术。传统山水画可以给人民族归属感，而伴随时代的创新可以赋予山水画时代的新意，获得时代的共鸣。一成不变的沿袭并不是对传统文化的真正继承，而是阻碍其发展的步伐。所以，中国山水画一定要在扎根于传统的基础上，立足现实，中西融合，不断地创新，才能永远屹立在世界艺术丛林之中。 结论 历史演绎着一个又一个的时代，每时代都在构筑新的观念和传统。中国山水画的发展就犹如这嬗变时代一样不断繁衍演变。当代中国山水画的创作正处于重要的转型期，对传统的继承与创新关系着山水画的延续、发展。只有正确把握继承与创新的原则和方法，才能更好的推动中国山水画不断进步。 参考文献： [1]吴中杰.中国古代审美文化[M].上海:上海古籍出版社，2000年. [2]冯友兰.中国哲学简史[M].天津:天津社会科学院出版社，2005年. [3]林同华.中华美学大辞典[M].合肥:安徽教育出版社，2000年. [4]刘继潮.构建古代山水画空间理论的话语体系[J].美术研究，2004年2期. 浅谈中国山水画对传统的继承与创新 蔡文利 （广东省珠海市斗门区文化馆 广东珠海 519100） 理论研究·美术

山水画写生的学习心得

浅谈山水画写生的学习体会 山水画是国画重要的组成部分，自南北朝独立成科，迄今大约已有1300多年的历史。历经各代艺术家的实践，业已形成了其相对独立的艺术体系。 传统山水画的学习途径主要是通过临摹、写生、创作来完成的。写生是“外师造化”的过程，是从“所见”到“所知”，由“视觉”到“传达”的过程，它需要一个长期积累的过程才会有所结果。通过对生活的真实体验，用写生的方法把生活中有意味的形式加以记录，从而为以后的创作积累素材；素材是创作的基础，只有掌握了丰富的素材资料，进行创作时，才能有所选择。写生的形式是多样的，无论是浅绛、水墨或者青绿，其目的都是在于对作品内在精神的表达。“写境”，即寄情于真实的自然景观；“造境”，即建立在自然物象的基础之上，强调作者对情感的表达。 我们从熟悉的校园来到新鲜的大自然，空间的变换给了我们不同的感受，身处自然，感触自然。才能更深刻的表现自然，画家石涛就曾久居深山数十载，之后在自己的画作上无限感慨的题写：“搜尽奇峰打草稿”的字样，其意在于，告诫后辈在进行绘画创作之前，一定要有大量的实践积累作为基础，做到成竹在胸，这样才能创作出生动而丰富的作品。下面是我在前一段时间的写生中的几点体会： 1、感悟自然。首先要培养自己的情感，用心去热爱自然，感受自然，把自己置身于自然，去感受山川的空灵。古人云：“悟对通神”，想要准确的领悟山水画的绝妙境界，最重要的一点就是在创作的过程中能够全身心地投入，用自己的真情实感去体会。让自己的心灵融入到纯美的大自然当中，真切地感悟山水的灵魂。只有这样，才能使画者的心灵得到净化，进而使山水画的精神得以升华，做到“情境合一”。 2、观察自然在感受大自然的同时，还要注重培养自己的观察方法，认识大自然的形态、特征和生长规律。春景则协和销烟笼，长烟引素，水如蓝染，山色渐青。夏景则古木蔽天，绿水无波，穿云瀑布，近水幽亭。秋景则天如水色，簇簇幽林，雁鸿秋水，芦岛沙汀。冬景则借地为雪，樵者负薪，渔舟倚岸，水浅沙平。凡画山水，须按四时。此为自然之理法。自然界物与物之间的关系，山与山之间，山与水之间，山与树之间，树与树之间，水与水之间，人与山水树木之间等等，既要整体，又要局部，整体去观察山的势，局部看精彩的部位，总之，摆在我们面前的自然界犹如一幅画。既有山的开合，又有精彩的画眼和严谨的局部，而关键就在于你要如何去发掘它潜在的魅力。 3、描绘自然学生通过前一段的临摹以后基本有了一定的技法基础，根据我们对自然的观察和感受就应该细心的描绘，在描绘自然的同时还应该注意以下几个方面： 构图因为中国画与西洋画在构图上是有根本区别的，西洋画的构图属焦点透视。而中国画一般都是散点透视，不受定点的约束，意在体现“望秋水，神飞扬：临春风，思浩荡”的感受。 取景可分全景和局部(小景)，取全景时要体现主次关系，还要注意加减，山可以加可以减。也可以加些生活素材，如房子、人物、树木、河流等用以点缀，也可取小景，比如山之一角。水之一涯，可构成一幅小画面。 意境在画的同时就是你创作的同时，你可以用心去感受，可以把春天画成

中国写意山水画教案教学提纲

中国写意山水画教案

中国写意山水画教案 课题：中国写意山水画鉴赏与基本技法 上课时间：20xx年xx月xx日 课时：2课时（90分钟） 教学对象：高中普通班学生。 教学目标： 知识与技能目标: 通过理论讲解和示范教学使学生掌握中国山水画的笔墨技法。 并掌握如何用笔、用墨和笔法和墨法具体的实践操作，以 便在日后的在临摹、写生和创作中加以灵活运用。 过程与方法目标：使学生了解掌握中国山水画的分类和各类山水画具体的特 点。通过讲解山水画特点让学生用哲学的思想去感悟山水画 的意象造型原则，笔墨表现形式和意境要素的生成以及对时 空处理特殊性和诗书画印的完整性。 情感态度与价值观目标：通过了解中国山水画的发展史使学生对山水画在中国 绘画史中的重要地位有所感悟，体会山水画悠久的历 史，中华民族丰富的智慧和情感，崇高的审美理想、

艺术追求。提高学生审美情趣，激发学生对于传统艺 术的热爱。 教学方法：讲述法。 教具：课本。山水画图片。 学具：课本。笔记本。 重点：山水画的发展，分类，特点以及基本技法。山水画的鉴赏方法。 难点：山水画的意向表现原则。意境要素的生成。山水画的鉴赏。 教学过程： 第一部分：写意山水画的相关基础知识 一：相关概念 1.写意：国画的一种画法，用笔不苛求工细，注重神态的表现和抒发作者内心 的情感（区别于“工笔”） 俗称“粗笔”。与“工笔”对称。中国画技法名。通过简练放纵的笔致着重表现描绘对象的意态风神的画法。写意画是国画的基本表现形式，与工笔画 并称。 分类：写意画分为小写意和大写意，所谓的小写意，更倾向于水墨画法写物象之实，上接元人墨花墨禽的传统；而所谓的大写意，更倾向于 以水墨画法表现画家的主观感情，继承的是宋元的文人墨戏传 统。

山水画创作技法

山水画创作技法 构图的基本步骤 传统的“六法”用笔中讲“经营位置”，其 实就是讲绘画布局的章法，即构图。所谓绘画中 的“位置”应该用心去“经营”，要根据对象的 结构和格局，苦心加以组织和布置：在创作的时 候，要注意表现对象的特点和神韵，落笔要肯定， 一下笔就抓住物象的特征，主题要鲜明。 先用墨线勾画出景物的大感觉，构图注意重 心(见图1)。先落墨点出小山丘，一般起笔落墨 为有浓淡的湿墨，接下来干笔走线条向外扩张， 线条由简到繁、由疏到密；最后加点、擦、皴。 注意点擦时变化要多，以中锋点、散锋点、侧锋擦，营造出山村郊外的苍野和自然(见图2)，主题不断的深入，使画面更加丰富多彩。

传统绘画的程序是皴、擦、 渲染，最后上色。渲染是统一画 面的后一道工序，待墨线干后， 再用湿墨染出山石图像的明暗 (见图3)，注意要保留一些光亮 的地方，即留白。处理画面的留 白要讲究虚实对比。 上色可根据画面的需要和你想要表现的题材与内容。一幅画可以是水墨淡彩，也可以是浓墨重彩。同一幅作品可以给人两种感觉，这要取决于你在设色时选择了哪一种表现方式。水墨淡彩给人“雅致”的感觉，而浓墨重彩则给人以厚重和强烈的视觉冲击力。 山石结构与皴法 骨法用笔是传统“六法”中最基本的技法之一，是 关于绘画用笔的问题，也是运用“线”表现对象形体的 重要技法，骨力、骨气，形似皆于本意，而归乎用笔。 因此，“骨”便是指“线”的力度与变化，以及整幅画 的“骨架”。 中国画表现山石的基本技法就是皴、擦、渲染。先 皴石的外形轮廓以及轮廓以内山石的不平纹理。所谓皴， 就是山石结构的纹理线条；擦是指在山石轮廓线旁擦出

心得体会 山水画写生心得体会

山水画写生心得体会 山水画写生心得体会第二篇、浅谈山水画学习的心得体会_1 山水画写生心得体会 【标题】Bstyle=color:black;background-color:#ffff66>;浅谈/B>;山水画学习的心得体会【作者】罗礼洪【关键词】?山水画??学习方法??写生??艺术??【指导老师】陈文安【专业】美术学【正文】引??????言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下：

一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国家，在中国美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，

山水画写生方法

山水画写生方法 山水画写生方法 说起"写生"，就令人想起那种支起画夹，对景描画，一坐半天一天的经历，这一般是西画的写生方法。而在中国画，所谓"写生"，往往是"皮袋中臵描笔在内，或于好景处，见树有怪异，便摸写记之，……"（元〃黄公望《写山水诀》）。中国传统的山水画写生观中，实在是把对自然的深入观照和细微体悟放在首位，并使自然山水与画家心灵互融神会，最终达到顾恺之所说的"与山川神遇而迹化"的目的。为达此目的，光是"模写"是远远不够的。遍游名山大川，融汇于胸，然后发于毫端，而至传神。观照与体悟的功夫是必须到家的，只有这样，才有可能神遇而迹化。 中国古代山水画的写生观，其实是把人与自然山水融为一体，山水即我，我即山水，所以在"物我"之间了无阻碍，既然山水之神已达，必定形神俱足。这一点是目前现代意义的"写生"无法达到的。但其精神，对现代山水画写生教学，也有其积极作用。

（一）现代山水画写生的作用 1．写生的桥梁作用 中国画的学习，一般均从临摹入手，并贯穿全过程。作为学习国画的一种重要手段，通过临摹，能在短期内高效率地迅速了解国画的各种基本技法，从而达到事半功倍的效果。但由于国画技法，经过前人反复锤炼，已成十分完善的程式，临摹一久，很易被其完善的程式所迷惑而不能自拔。而通过写生，就能使学习者在传统技法下的程式化山水与真山实水之间架起沟通的桥梁。 2．写生的记录作用 作为游历山水时的感受的记忆手段，写生也有其重要作用。当面对真实山水时所得的感触，同时因地、因气候变化的阴晴明晦、云蒸岚飞，都会有许多变化。这些用写生记录，往往比较切合感觉，而一拍成照片，往往反而因太"真实"而缺乏感人力量。 3．写生的体微作用 比较山水画的临摹与写生，临摹等于是在求教名师，只要精研细察，必能得莫大收益。但如不能把这些临摹所得与自然真山水相比照，就不能有大收获。直接面对活生的自然山水，通过细致入微的观察，往往会有自己的独特体会。这些独特体会经过多次强化，并反复去粗存精，就会成为个人绘画风格面貌确立的起点。 2：山水写生应注意的地方 （1）不要"泥古不化"。 过分强调临摹所得的山水画技法，特别是山石皴法等，结果是要么活山水被程式所囿写成死山水，要么是思路被真山实水所束缚，而找不到表现的方法。 （2）避免"食洋不化"。 是以西画速写的方法直接移植入国画山水