有关钢琴演奏中的背谱问题

有关钢琴演奏中的背谱问题

大多数钢琴作品都是通过背谱演奏的，只有熟记乐谱，才能使演奏者从乐谱中解放出来，全身心的投入到演奏作品中以更好地表达作曲家和自己的意蕴。因此。背谱成为钢琴演奏中一个十分重要的环节。无论平时多么刻苦的练琴，若在演奏中出现“抛锚”现象，必然会使演奏者的水平大打折扣。那么如何有效地解决钢琴演奏中的背谱问题呢？首先，我们应了解音乐记忆的三种方式。

一、音乐的视觉记忆

视觉记忆是指试读过的乐谱在大脑里所呈现的谱面各种符号（包括节奏、力度、表情等记号）的映像，视觉记忆不仅指对乐谱本身的记忆，也包含了对键盘位置的记忆。眼睛看谱。谱面上的信息反映到大脑里。然后通过大脑把信息传送给手指，而此时还要对键盘有一定的熟悉，知道每个音在键盘相应的位置。手指才会对乐谱做出反应。

二、音乐的听觉记忆

音乐听觉包含“实音听觉”和“内心听觉”两个方面，“实音听觉”是指已听到的是真实的琴声，而“内心听觉”是在心里想象出听见了音符的力度、长度及高度。莫扎特有这样一句名言，“写在纸上的乐谱我能听到它听到的音乐我能看到它，”这说明他已能做到将视觉、听觉融为一体。证明莫扎特对乐谱的熟悉程度和“内心听觉”的发展程度是非常高的。

三、音乐的动作记忆

动作记忆是指弹奏动作的运动形态在大脑中的反应，在练琴过程中。由于手指的动作顺序被反复强调，形成了动作记忆：当他再次弹奏该曲时，手指神经。肌肉都按惯例运行，这是有意识的动作已转为下意识的习惯行动，即使头脑中出现暂时的空白，手指也会“自动化”的演奏。

当然。这几种记忆方式不是互相孤立的。而是紧密结合成为一个

整体，每种方式各有长处，在实际背谱过程中，每位演奏者都有自己的习惯和侧重面。然而不管是侧重哪一种记忆方式。有分析的记忆才是最重要的，钢琴大师阿劳曾说过“有分析的记忆才是最可靠的，”初学者通常习惯反复“机械式”的训练达到背谱的目的。然而在舞台上容易发生记忆障碍，记忆困难、中断，一般有这几种情况①音响复杂：②声部繁多，③位置困难；④风格生疏。为克服以上种种原因所造成的记忆困境，以下几点是非常值得注意的。

（一）仔细读谱和掌握正确练习方法是背谱的前提

有些学生在接手一首新作品时。往往急于求成。囫囵吞枣似的就把乐谱背熟了，表面上看，这种方法很省时，但实际效果却只是对乐曲“摸”了个轮廓。“抛锚”现象即是此种背谱方法的典型表现——症结就在于音响印象并不能；隹确地落实到手指上。正确的练习方法也是相当重要的一个环节，属于背谱的同步过程，应坚持视谱练习，仔细聆听，正确的视谱练习可及时发现弹奏中的错误。逐步提高视奏能力，培养音乐听觉。经常背谱弹奏虽然可训练记忆能力。却要花费很多的时间。且对视谱不利。直接影响了学习的进度。练习一首新的乐曲，应从慢练开始，慢练可以使我们的头脑有充分的时间，将音符、表情、力度等准确的弹出，但所谓的慢练并不等同于放慢速度练习，不是将一个音慢慢按下去又慢慢抬起来。手指僵化迟钝。使演奏的灵活性丧失，这就是为什么有些人花了许多功夫慢练却并不如意。一加快就容易出问题的缘故，

（二）对作品要进行必要的分析和了解

如果学习一首作品只是从头到尾不停的反复练习，只关心技巧，就无法把握全曲，很容易弹得毫无生气。背谱也思维混乱。了解作品的曲式结构、调性、和声，便于将较长的乐曲分段练习，除此之外，还应对各个时期的音乐风格以及作曲家本人的独特风格有一定的了解。例如以“月光”为名的钢琴作品，其作曲家贝多芬和德彪西分别代表了两个不同的时期和两种不同的音乐风格。前者属于古典主义向浪漫主义音乐的过渡时期。强烈的感情变化使作品具有深刻的戏剧性，

而德彪西是印象派作曲家。其作品多通过音响的色彩描绘对客观事物的主观印象，《月光》的弹奏要求非常敏锐的色彩感觉，充分靠触键的改变寻求一种朦胧的音色。进入德彪西那令人恍惚，洋溢诗情的世界。了解作品的时代背景。理解其思想内容。并对作品的结构作必要的分析将有利于全面、完整的诠释作品，更有利于我们深刻地记忆作品。

（三）在不同环境中去背谱

在背谱演奏时也许会不自觉的出现这样的状况，我们的思维会把乐曲和许多其它无关的事物联系起来，这里所指的“事物”不仅是钢琴本身的机械作用，轻或重，而且也联系到琴木的颜色。墙纸的色彩，甚至钢琴在房间的位置等。我们的记忆会由于习惯了的环境发生变化而受到干扰。因此，要使记忆绝对牢固，必须设法在若干不同的场所练习。这样就可以在我们的记忆中将习惯了的环境与乐曲分离开来，在背谱时不能把乐谱放在面前供自己模糊时偷偷看一眼，这种视觉的瞬间印象。大多无法长久地留在脑中。也会使记忆变得迟缓。同时还会产生依赖乐谱的心理，约，霍夫曼有这样的建议，“把乐谱放到一边。用一整天的时间尝试在脑子里回忆这首乐曲的乐思。遇到接不下去的情况，你的脑子会下意识地不断思索，试图找到断掉的乐思。如果你觉得什么都记不起来了，就重新拿起乐谱，查看这个连接的地方——但仅此而已——既然你已找到连接的地方就继续在思想上回忆。在遇到接不下去的情况时。则重复以上的程序……”

（四）及时复习与巩固

复习不仅能强化保持的效果。还能使大脑中的音乐形象更明确，有益于逐步加深对乐曲思想内容的理解，根据艾宾浩斯的记忆遗忘曲线所揭示的原理。应该在刚刚学过后要多复习。以后复习的次数可相应地逐步减少，间隔时间也可逐步地拉长，如完成作品背谱后。隔一周弹一次，然后隔两周再弹一次。一个月一次。两个月一次……总之。要保证曲不离手，方能记忆犹新。

总之。背谱是习琴者必备的基础能力，我们在学习的过程中应掌

握科学的记忆方法，并在实践中不断探索适合自己的有效的记忆方法，诚然，方法只不过是解决问题的一把钥匙，并非全部，更重要的是要在此基础上持之以恒，付出很大的努力，才能逐步跨越制约熟练演奏的难关。

有关钢琴的基础知识

有关钢琴的基础知识 键盘与音符： 牢记中央七个音符的位置。 手指符号： 手指用汉字的一二三四五来标示 钢琴弹奏时的坐姿和手的状态： 坐姿1 坐姿2 钢琴的基本练法: （1）钢琴的基本练法就是慢练。 慢练尤如"大镜"，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。 （2）有计划、有目的地学习： 冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习，才能目的。 （3）以良好的心态学习钢琴： 学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。 钢琴弹奏中自然重量的运用: 关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。 （1）：认识体会到手臂的自然重量

以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。 （2）：手指要承受并支撑整只手臂的重量 手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节（以下简称"掌关节"）必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重 弹奏钢琴时身体的协调: 身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。 （1）保证身体协调的根本： 保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。 （2）坐姿的基本要求： 臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。 （3）身体的左右调节： 身体的左右调节主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面。 （4）身体的前后调节： 身体的前后调节可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。一般规律是，较弱的力度时，身体可处在较正的位置，力度越强，身体可越向前倾一些。整个身体臆后活动的范围以坐直为基准，随音量加大而逐渐前倾。反之，随着音量减小从前倾的位置逐渐回到身体的坐直位置。前后调节，应是灵活、协调，并随时变化的。 手指的能力与训练： （1）手指的能力： 手指的能力是指每个手指是否有独立活动的能力，是否灵活和有力。表现在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度。 （2）手指的训练： A：指根关节练习 训练应从指根关节入手，即掌关节的主动性和灵活性。一般来说，在结束断奏练习进入连奏的训练后，就应明确：连奏时每个手指都要主动，绝对不允许在连奏中每弹一个音手腕往下压一次。 B:"快下放松"--手指能力练习 在经过一个阶段，就可通过音阶、哈农等练习，来专门训练手指的独立性和能力。练习方法，简称"快下放松"。如图1练习

钢琴演奏技巧研究

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/2f1020836.html, 钢琴演奏技巧研究 作者：郝宏图 来源：《戏剧之家》2018年第05期 【摘要】钢琴演奏技巧的训练和研究是钢琴演奏中非常重要的一部分，对于呈现流畅出 色的演奏起到举足轻重的作用。传统的师徒相承的模式使得许多训练技巧都是经验的总结和沿袭的结果，缺乏一定的科学性，难以避免出现演奏者手部肌肉损伤的现象。拥有超高的技巧并且远离伤痛的影响，是钢琴演奏者一直追求的目标和境界，因此，研究钢琴演奏技巧中的手部肌肉训练和手腕的运用，显得尤为重要。本文简要概括了钢琴演奏技巧的内涵，指出手部肌肉训练和手腕运用对于提高演奏技巧的重要性，并且也对如何正确进行手部肌肉的训练和正确运用手腕提出了建议。 【关键词】钢琴；技巧；手部肌肉；手腕运用 中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2018）05-0057-02 一、钢琴演奏技巧的含义和内容 钢琴演奏技巧从技术层面上概括，包括音阶、琶音、双音、八度、连续、断奏等多种弹奏法，还有力度和音色的变化等。钢琴演奏技巧有时也被总结为出色流畅的经过句演奏、快速的手指动作、放松但是具有重要辅助作用的手臂和手腕的运用等。钢琴演奏技巧是通过对手指、手腕和手臂的科学系统的训练来实现的，彼此之间只有配合协调，才能够最大限度地达到最好的演奏效果。 钢琴演奏技巧虽然包含许多方面，但是其中最为重要的还是手指和手腕两个部分。松弛灵活的手腕和严格的手部肌肉训练，是实现弹奏的连贯性和艺术性的重要基石，良好的钢琴触键一定是手指的独立和手腕灵活松弛，以及手臂自然重量相互协调的结果，手腕和手部肌肉训练得当，才能够使音色清晰、明亮而又均匀、细腻，透露着轻快的声音变化。 二、手部肌肉训练和手腕运用在钢琴演奏技巧中的重要性 （一）手腕运用在钢琴演奏技巧中的重要性 手腕在钢琴演奏中起着非常重要的作用，通常也决定着钢琴演奏的成败与否。手腕具体指的是连接前臂和手的部分，起到大臂向指尖传递力量的桥梁作用，同时也起到调控手和手臂的重要作用，手腕松弛是演奏的关键。 1.手腕松弛是获得重力弹奏的关键。手腕作为大臂向手指输送力量、连接手和手臂的重要部分，与钢琴演奏的力度息息相关。演奏者想要将手臂的力量输送到手指，手腕发挥了非常重要的作用，决定了手指触键是否能够达到相应的力度。当手腕由于精神紧张不能够得到有效放

考试要点解析与练习(一税收基础知识)

项目一税收基础知识 一、税收的概念（了解） 1.税收的定义 税收：全称“国家税收”，简称“税”，是以国家为主体，为实现国家职能，凭借政治权利，按照法律标准，采用强制性手段，无偿取得财政收入的特定分配形式。 2.税收与国家、经济、财政、法律之间的关系（关联知识点） （1）税收与国家的关系 税收以国家为主体，与国家政权紧密联系的一种特定分配。国家的存在是税收产生和存在的一个前提条件（税收产生的政治条件；税收产生的经济条件是剩余产品的出现和日益增多），而税收又是国家赖以生存的重要物质基础，是国家财政收入的主要来源。 （2）税收与经济的关系 经济决定税收，税收能调节、影响经济。 （3）税收与财政的关系 税收是财政收入的主要形式，是国家财政的重要支柱，国家财政收入的90%左右来自税收。 （4）税收与法律的关系 税法是法学概念，税收是经济学概念，二者密不可分。税法是税收的法律表现形式，税收是税法所确定的具体容。 3.税收的本质（关联知识点） （1）税收的主体是国家和政府； （2）国家征税凭借的是国家的政治权利； （3）国家征税的目的是为了实现其职能； （4）税收是国家参与社会产品分配的一种特殊形式。 二、税收的特征（了解） 税收作为一种特定的分配形式，有着自身固有的形式特征，即：

（1）强制性（保证） （2）无偿性（核心） （3）固定性（两者的必然结果） 这三个特征是税收区别于其他财政收入的基本标志。税收的“三性”特征是相互联系的统一体，其中无偿性是核心，强制性是保证，固定性是上述两者的必然结果。 【关联知识点】：税收的职能 （1）组织收入职能（最基本的职能） （2）调节经济职能 （3）社会管理职能 三、税收的分类（了解）

钢 琴 演 奏 练 习 中 的 注 意 事 项

钢琴演奏练习中的注意事项 陈欣 (海南大学三亚学院海南三亚 572000) 摘要：一位优秀的音乐教师或者音乐人是应当与时俱进的。如果只停留在当时学习的程度，不继续学习是会误人子弟的。我们应当树立活到老学到老的信念。在钢琴的学习中，有许多可以提高我们学习效率的方法。以下是我总结了几点在钢琴演奏、练习中的注意事项，希望对大家今后的钢琴教学与演奏起到督促的作用。 关键词：钢琴演奏注意事项 1.练习时．读谱要准确 许多学生在钢琴演奏过程中，不注意读谱，认真读谱不仅仅是节 奏、节拍、休止、表情术语、拍号、调号、指法等等，我的一位钢琴 老师曾经告诉过我：一位好的钢琴演奏者是对乐曲的二度创作， 前提是你对作品已经很了解。许多孩子读谱不仔细，误解了作曲 家的意图，把八分音符弹成十六分音符，把切分节奏看的不准 确．这都是应该注意的地方。 2.乐曲的呼吸、律动、歌唱性 一些学生只停留在把谱面弹出来的程度上，他们到底在弹 什么自己根本不清楚，而且他们很少思考，错了也不知道。这是 一个很常见的问题．所以在演奏或者练习的过程中．一定要有乐 句的概念，乐句乐句的呼吸，律动，歌唱性，音与音之间的连接 在弹奏中起到重要的作用。就犹豫形容有的人弹琴像白开水一 样，这是打动不了人的。所以我们要将把曲子细致的分析。音乐 是打动人心的．我们要让手指会唱歌才行。 3．关于触键 有多数学生在钢琴弹奏中只会一种弹法，就是高抬指，他们 弹奏的颗粒感很强，手指很灵活，但是遇到连奏的曲目他们的缺 点就暴露出来了。我们要带领学生学习多种触键的方法，不仅是 高抬指，还有贴键，德彪西的作品只着重用手指的一关节。因此， 不同的触键的学习也是一门不可忽略的学问。 4．综合能力的培养 综合能力的培养不仅仅是视奏能力、伴奏能力、合奏能力、 协奏能力、试唱能力等等方面．需要我们平时多方面、全方位的 锻炼。在锻炼的同时也是一种艺术修养的提高。我们可以与自己 的同学进行双钢琴的合作或者与小提琴、双簧管等进行室内乐， 或者为同学弹钢琴伴奏等等．多种能力的培养对于一个音乐学 生的学习也是很重要的。 5．多听多看多积累 一位著名的声乐教育家曾经说过：在学习过程中一定要多 听好的声音，你的脑子里有了好的声音的概念之后，你才能够唱 出好的声音。这句话是相当重要的，对于钢琴学习中也同样重 要。当我们把一首作品吃透，了解了作者的时代背景，这个时代 背景的风格，作曲家的生平，作曲家的风格，一般惯用的创作手 法，作品的曲式、织体、和声等，你才能更好的诠释音乐。 6．温故而知新 在钢琴学习中，这一点是尤为重要的。一些学生从来不复 习，以至于只会弹现阶段的几首曲子，永远都是学一首忘一首， 这种习惯是非常不好的。所以定期复习以前的曲目对于你的积

提高学前教育专业学生钢琴演奏的表现力的几点建议

提高学前教育专业学生钢琴演奏的表现力的几点建 议 弹奏钢琴对高职学前教育专业学生来说是一项基本的能力，是他们必须要掌握的能力，他们必须要学会弹奏一些小、中型的乐器。而想要完美展现一首曲子，需要学生有一定的表现力。因此，老师在教给学生弹奏钢琴的一些方法、技巧、理论知识的时候，还应该重视学生表现力的培养。这种表现力表现在：旋律、节拍、意境等方面。 一、重视高职学前教育专业学生的钢琴演奏技巧 学前教育的学生想要学好钢琴首先就应该学会弹钢琴的方法、技巧。因此，老师在进行钢琴教学的过程中，一定要严格要求每一位学生，让他们做好每一个技术动作，这样才能为他们以后钢琴演奏做好准备工作。相反，假如学生的弹奏环节总出问题的话，那么他们的演奏就不可能顺利完成。 （一）在学习钢琴的时候，让学生打好基础 学生们想要以后演奏更加顺利，在学习钢琴的初期就要打下坚实的基础。比如：弹钢琴的时候应该怎样坐、手应该怎么放、断奏弹奏有哪些方法、连奏弹奏有哪些方法等。老师的进行这些内容的教学的时候，一定要对学生严格要求，加强对学生的训练。而假如学生基础不好的话，不仅弹出的旋律不动听，而且他们的身姿还会比较死板，这对他们的身体健康是不利的。学生在弹琴的时候，手一定要自然，同时还要灵活。在初学时期就应该让学生练习断奏，并且它将在钢琴的学习过程中一直存在。断奏强调手指到键底部，而连奏强调轻敲连贯。学前教育专业学生们在初期学习的时候，熟练掌握弹奏的各项基本知识以后，他们之后的钢琴弹奏才可能更有表现力。 （二）在弹奏乐曲的时候要把握好每一个节奏 在乐曲弹奏的过程中，学生的节奏是非常重要的。学生们只有精

确的弹奏好每一个节奏，才能真正的展现出乐曲的风格。而这种节奏是要求学生从钢琴学习的初期就要开始练习的。比如：在《约翰·汤普森现代钢琴教程》中就包含四三拍、四分符点等节奏，学生们可以按照这本教程进行节奏的练习。在节奏教学的过程中，老师可以引导学生大声数出来，这样学生弹奏的时候就不容易出错。老师可以为學生选择一些节奏较多的曲子进行练习，这样学生就可以更加熟练地掌握各个节奏。学生的节奏的准确性需要依靠节拍器。在实际的练习中一些学生压根就没有使用节拍器的习惯；还有一些学生在练习的时候确实用了节拍器，但是他们并没有跟着节拍器的节奏，根本没有发挥节拍器的作用。而老师从一开始的节拍练习中就要要求学生准确使用节拍器，这样弹出的节奏才能更加精准，呈现出的曲子才能更加动听。 二、训练学生演奏钢琴的听觉 （一）教会学生听旋律 钢琴曲子的基本组成部分包括乐曲的旋律，而钢琴演奏的基本组成部分包括听觉，因此，在钢琴曲子练习的初级阶段，老师一定要要求每一位学生至少要熟悉一首乐曲的旋律，并且达到自己可以唱出来的程度。然后再结合自己唱出的旋律和自己的理解，在原曲的基础上进行创作，然后弹奏出来。在鋼琴弹奏的整个过程中都应该注重乐曲的听唱，并且这是学生初期需要掌握的基础，并且在以后钢琴学习中要用到的。然后，学生们熟悉旋律以后就要培养他们的听觉。只有学生掌握一定的旋律和听觉，他们才可以弹出感人的旋律。 （二）要让学生学会听伴奏 在进行钢琴弹奏的整个过程中，没有旋律的部分就可以看成是伴奏的部分。正是因为有伴奏的存在整首钢琴曲子才更加完整，连贯，所以钢琴曲子的伴奏也是很重要的。而伴奏的弹奏需要学生通过听觉来把握。而训练学生听伴奏最有效的方法就是只弹奏钢琴曲子的伴奏部分让学生来听。学生们要试着听伴奏的音量、清晰度、层次等等。对伴奏有一定的了解以后，老师就可以让学生听整首曲子，让他们听一下伴奏与主旋律之间的关系，这样他们就会对整首钢琴曲子有更深

浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

目录 浅谈钢琴演奏的基本技巧 1、钢琴的声音原理与特点 2、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用 3、演奏技术中的创新性训练 3.1、科学性的重复性训练 3.2、提炼技术难点的训练 3.3、在演奏中运用歌唱性的技能训练 3.4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习 4、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有力保障

钢琴作为乐器之王，是音乐历史文化的重要象征。然而，这件乐器真正的伟大之处在于它为人类呼唤出了许许多多的制作师、作曲家和演奏家。制作师们把钢琴的性能和表现力发挥得淋漓尽致，而伟大的作曲家与演奏家们则将自己融入到这件具有广博包容精神的乐器中，以激情、心血甚至生命谱写和演绎了三百年的沧海桑田。三百年来，钢琴作品在演奏家想象力的驾驭下，创造出千百种丰富的音响世界。在浩如烟海的钢琴作品中，几乎留下了历代每一位作曲大师耕耘的足迹。在一部完整的乐器艺术史中，正是因为有了演奏家和作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、肖邦……等演奏家与作曲家不断的努力和实践，才使大量优秀的钢琴作品得以流传，历代大师们的不同风格的高超演奏技艺和他们的风采，深深地打动着亿万人的心，从而更加确立了钢琴在乐器王国中的重要地位。直到今天，人们还在不断地探索钢琴的演奏之道;如何将音乐与钢琴演奏完美的结合，成为人们永恒的话题。随着社会的飞速发展与世界文化交流的日益增多，钢琴这件起源于欧洲的乐器己经在我国得到了广泛的传播与发展。钢琴进入中国不过百余年的历史，受到了广大中国人民的喜爱。新中国成立后，钢琴艺术的发展取得了辉煌的成就，涌现出许多优秀的钢琴演奏家与教育家，为我国的钢琴事业奠定了坚实的理论基础和丰富的实践经验。同时也涌现出许多世界闻名的钢琴大师，他们良好的艺术修养和音乐天赋，再加上精湛的演奏技巧，使他们的演奏艺术达到了世界一流水平，中国钢琴艺术从而得到了世界的赞许和认可。 一、钢琴的声音原理与特点

钢琴演奏中的触键方法及其训练

收稿日期:2004-12-20 　作者简介:王大立(1971-),男,广东陆丰人,华南师范大学音乐学院讲师。 华南师范大学学报(社会科学版) 2005年第2期N o.2,2005 JOURNA L OF S OUTH CHI NA NORM A L UNI VERSITY (S OCI A L SCIE NCE E DITI ON ) 2005年4月Apr.,2005 钢琴演奏中的触键方法及其训练 王大立 (华南师范大学音乐学院,广东广州510631) 中图分类号:J624.1 文献标识码:A 文章编号:1000-5455(2005)02-0142-03 在较早期的钢琴演奏法中,美国钢琴家克?格?汉密尔顿曾指出钢琴演奏中有四种触键方法:指力触键、手力触键、臂落触键、全臂触键。而现代钢琴拥有极为丰富的表现力,声音的幅度、层次,音色的变化等都更具有可塑性,在这种基础上,钢琴演奏法也不断改进和提高。以往的一些触键法音量幅度小,声音单薄,缺乏穿透力,不能完全发挥钢琴的巨大潜力,而随着钢琴本身的改良,新的触键方法也不断被加以利用。科学的钢琴弹奏法应该是用整个身体去弹琴,也就是说,弹琴不能光靠手指,而要充分利用人类具有的全部生理运动的可能性。手指好比是前线打仗的战士,需有畅通无阻的后方支援,而后方支援就是指从手腕、手臂、包括整个躯体的上部(包括腰)甚至腿都起作用。他们的放松则是畅通的前提,当手指弹奏时,其他部位则要放松,让整个手臂以至上半身的重量集中在指尖,这就是现代弹奏技术中最重要、最基本的的重量弹奏法。在许多更为激烈的乐段中,还必须加上手臂及身体的爆发力,配合重量弹奏法,制造强有力的辉煌效果。重量弹奏法与手臂及身体爆发力的配合运用在钢琴演奏中贯穿始终,大致可分为四种。一、纯重量弹奏法 这是利用手臂及上半身的自然重量为主的触键方法,也是现代钢琴弹奏法的基础。这种触键比早期的纯指力触键法产生更具有穿透力、更集中而饱满的声音。相对于小提琴等乐器来说,钢琴最致命的弱点恐怕就是“歌唱性”的问题了,因为钢琴的槌子击弦后立刻回到原位,没法对延续的音符继续起作用,导致琴声发出后立即减弱,使人们的听觉感到不连贯。而纯重量弹奏法由于没有加上手或手指 的任何爆发力,所以音头不是很突出,声音减弱的速度相对变慢,人们就会感到声音更为连贯,显得更加富有歌唱性。许多人或许会怀疑:弱奏时是否用得上大臂重量?事实上,弱奏时更需要使用大臂重量,这会使声音更易于控制,均匀而富有穿透力。这种触键法尤其适合演奏深情如歌的旋律或平稳的伴奏织体,如 《安慰》(李斯特)、《夜曲》(肖邦)、《梦幻》 (舒曼)、《如歌的行板和辉煌的大波兰舞曲》 (肖邦)中的行板部分等。纯重量弹奏法的训练在学习钢琴的初期就应该给予足够的重视。第一阶段中,非连音奏法的练习是最为有效的训练手段,应该用比较长的时间专门进行学习。在许多基本练习 2 41

有关钢琴演奏中的背谱问题

有关钢琴演奏中的背谱问题 大多数钢琴作品都是通过背谱演奏的，只有熟记乐谱，才能使演奏者从乐谱中解放出来，全身心的投入到演奏作品中以更好地表达作曲家和自己的意蕴。因此。背谱成为钢琴演奏中一个十分重要的环节。无论平时多么刻苦的练琴，若在演奏中出现“抛锚”现象，必然会使演奏者的水平大打折扣。那么如何有效地解决钢琴演奏中的背谱问题呢？首先，我们应了解音乐记忆的三种方式。 一、音乐的视觉记忆 视觉记忆是指试读过的乐谱在大脑里所呈现的谱面各种符号（包括节奏、力度、表情等记号）的映像，视觉记忆不仅指对乐谱本身的记忆，也包含了对键盘位置的记忆。眼睛看谱。谱面上的信息反映到大脑里。然后通过大脑把信息传送给手指，而此时还要对键盘有一定的熟悉，知道每个音在键盘相应的位置。手指才会对乐谱做出反应。 二、音乐的听觉记忆 音乐听觉包含“实音听觉”和“内心听觉”两个方面，“实音听觉”是指已听到的是真实的琴声，而“内心听觉”是在心里想象出听见了音符的力度、长度及高度。莫扎特有这样一句名言，“写在纸上的乐谱我能听到它听到的音乐我能看到它，”这说明他已能做到将视觉、听觉融为一体。证明莫扎特对乐谱的熟悉程度和“内心听觉”的发展程度是非常高的。 三、音乐的动作记忆 动作记忆是指弹奏动作的运动形态在大脑中的反应，在练琴过程中。由于手指的动作顺序被反复强调，形成了动作记忆：当他再次弹奏该曲时，手指神经。肌肉都按惯例运行，这是有意识的动作已转为下意识的习惯行动，即使头脑中出现暂时的空白，手指也会“自动化”的演奏。 当然。这几种记忆方式不是互相孤立的。而是紧密结合成为一个

整体，每种方式各有长处，在实际背谱过程中，每位演奏者都有自己的习惯和侧重面。然而不管是侧重哪一种记忆方式。有分析的记忆才是最重要的，钢琴大师阿劳曾说过“有分析的记忆才是最可靠的，”初学者通常习惯反复“机械式”的训练达到背谱的目的。然而在舞台上容易发生记忆障碍，记忆困难、中断，一般有这几种情况①音响复杂：②声部繁多，③位置困难；④风格生疏。为克服以上种种原因所造成的记忆困境，以下几点是非常值得注意的。 （一）仔细读谱和掌握正确练习方法是背谱的前提 有些学生在接手一首新作品时。往往急于求成。囫囵吞枣似的就把乐谱背熟了，表面上看，这种方法很省时，但实际效果却只是对乐曲“摸”了个轮廓。“抛锚”现象即是此种背谱方法的典型表现——症结就在于音响印象并不能；隹确地落实到手指上。正确的练习方法也是相当重要的一个环节，属于背谱的同步过程，应坚持视谱练习，仔细聆听，正确的视谱练习可及时发现弹奏中的错误。逐步提高视奏能力，培养音乐听觉。经常背谱弹奏虽然可训练记忆能力。却要花费很多的时间。且对视谱不利。直接影响了学习的进度。练习一首新的乐曲，应从慢练开始，慢练可以使我们的头脑有充分的时间，将音符、表情、力度等准确的弹出，但所谓的慢练并不等同于放慢速度练习，不是将一个音慢慢按下去又慢慢抬起来。手指僵化迟钝。使演奏的灵活性丧失，这就是为什么有些人花了许多功夫慢练却并不如意。一加快就容易出问题的缘故， （二）对作品要进行必要的分析和了解 如果学习一首作品只是从头到尾不停的反复练习，只关心技巧，就无法把握全曲，很容易弹得毫无生气。背谱也思维混乱。了解作品的曲式结构、调性、和声，便于将较长的乐曲分段练习，除此之外，还应对各个时期的音乐风格以及作曲家本人的独特风格有一定的了解。例如以“月光”为名的钢琴作品，其作曲家贝多芬和德彪西分别代表了两个不同的时期和两种不同的音乐风格。前者属于古典主义向浪漫主义音乐的过渡时期。强烈的感情变化使作品具有深刻的戏剧性，

钢琴演奏技巧对音乐表现力的重要性

钢琴演奏技巧对音乐表现力的重要性 发表时间：2019-12-13T16:22:16.153Z 来源：《教育学》2020年2月总第203期作者：赵慧 [导读] 在钢琴演奏中，作为音乐作品内涵的高度表达，音乐表现力通过一系列的演奏技巧运用自如，凭借着娴熟的技巧能力，能够表现出不同音乐作品独到而丰富的艺术效果，音乐作品价值内涵艺术性的过程，能够准确解读，充分把握音乐思想和内涵。 湖南涉外经济学院湖南长沙410000 摘要：在钢琴演奏中，作为音乐作品内涵的高度表达，音乐表现力通过一系列的演奏技巧运用自如，凭借着娴熟的技巧能力，能够表现出不同音乐作品独到而丰富的艺术效果，音乐作品价值内涵艺术性的过程，能够准确解读，充分把握音乐思想和内涵。 关键词：钢琴演奏音乐表现力演奏技巧 一、钢琴演奏者演奏技巧对音乐表现力的重要性 钢琴演奏技巧主要分为两大类： 1.练习技巧是指对作品的理解、读谱方法以及具体的练习方式。 2.身体技巧是指一些身体上要训练的技巧，如手指技巧、手腕技巧、手臂技巧等。如果钢琴演奏者不具备一定的弹奏技巧，就不可能演奏一首好的曲子，也不可能将音乐的内涵传递给听众。然而钢琴音乐表现力是指演奏者表现音乐内容的能力，主要包括对音乐的理解力和对音乐的感受力。对于音乐表现力来说，钢琴演奏者的演奏技巧具有非常重要的作用，一方面是为了感染欣赏者，在演奏的时候，钢琴演奏者通过运用音乐思维，借助高超的演奏技术，能够增强音乐表现力，将音乐内容充分表达出来，并且所要表达的音乐内容非常深刻。也就是说，音乐表现力是钢琴演奏的灵魂，是音乐作品自身语境与高超演奏技巧相结合的结晶。演奏之前，演奏者应该构建起表达音乐结构形态，通过深刻感悟和领会作曲家反应的精神，然后借助系列演奏技巧，才能够表现出不同音乐作品独到而丰富的艺术效果。从具体的钢琴演奏实际情况来说，通过钢琴演奏这一形式，音乐表现力能够对音乐思想准确解读，充分把握音乐内涵，从而实现音乐作品价值内涵的艺术性过程。 在钢琴演奏中，演奏技巧是最基础的部分，为了能够未来表达出音乐中所包含的内涵和情感，在演奏音乐作品之前，演奏必须达到人、琴、技的统一，需要反复练习自己的演奏技巧，只有这样，才能极大地提升演奏效果，使得音乐表现力冲出钢琴本身进入所有听众心中。因此，钢琴演奏技巧是音乐表现力得以实现的内涵。在演奏作品的时候，需要演奏者在心中把歌唱出来，为了将音乐内在气息流动和音乐句子上的情感表达出来，演奏者应该合理利用手臂的起伏，配合手指流畅的弹奏，才能将作品的内涵把自己的技巧传递给听众。 二、提升钢琴演奏技巧表达音乐表现力的路径 1.以扎实的钢琴技术为基础，不断提升音乐表现力。 在钢琴演奏中，如果在技术上存在一定的缺陷，就无法表达出音乐的美感。钢琴技术是演奏者最扎实的基本功，因此，演奏者必须不断提升钢琴演奏技巧，才能提升音乐的表现力。一方面，钢琴学习者需要克服每个手指的弱点，有目的地对手指进行训练，增强五指的灵活度，获得坚强的支撑力。同时，为了使四指具有灵活性和独立性，还需要打开手掌对四指进行训练。手腕的运动应跟作品旋律走向、节奏保持一致。需要学习者经常有意识地训练手腕动作，掌握其中的技巧，才能提升音乐的表现力。在手臂技巧的运用上，学习者需要正确认识手臂动作在弹奏中的作用，一定要充分发挥大臂的作用，尤其是在弹奏时的作用，一定要充分发挥大臂的作用，在弹奏洪亮的八度和弦时，同时也应该大臂在弹奏乐谱的转弯处、连贯处运用。 另一方面，在标写每个休止符、专业术语时，为了能够准确表达出自己的内在情感，作曲家都满怀深意，力求运用各种符合都能准确地让演奏者看清自己的情感意图。因此，在读谱的技巧运用上，不仅要读出乐谱上符号的含义，还要求学习者正确地掌握指法、节拍、谱高、走法，读出音乐的内容和作曲家的意图，准确地把握作品的感情，弄清乐谱的和声及曲式结构。指法技巧的运用要求学习者增强联系各个调的音阶、琵音、和弦，熟练各种调式，掌握演奏基本手指。并且还应增强手指的灵活度，有目的、针对性地训练各个指法难点。另外，在钢琴练习中，合理运用踏板能够使得音乐更加动听，能够更好地表现音乐。因此，为了增强音响，应该合理运用踏板，才能增强音乐的表现力。 2.演奏者需要增强心理素质，提升情感表达能力。 钢琴演奏是演奏者运用节奏和心理思维的相互作用的过程。对于钢琴演奏来说，心理素质主要包括情绪、性格、个人意识等三个方面。 第一，演奏的时候，演奏者心理产生异常情绪时，演奏者的情绪会直接影响演奏者的表演，导致很难成功完成演奏任务。 第二，如果演奏者性格外向，演奏的时候就不容易出现临时“怯场”的问题，表现得从容镇定。 第三，钢琴演奏活动需要在同一时间完成多个动作，是多种动作的组合。而人在演奏的时候，其他动作都要依靠“下意识”来控制，只能调节完成一个动作，演奏的时候一定要科学认识这一心理特点。也就是说，演奏者需要不断增强心理素质、树立信心、苦练基本功的同时，还要调节好心态，积攒丰富的舞台经验，才能不断展现出很强的音乐表现力。另外，在钢琴演奏中，演奏者在掌握一定的演奏技巧后，要不断增强演奏心理素质，提升情感表达能力，才能提升钢琴演奏音乐的表现力。钢琴演奏者需要不断训练指法，重视练习曲的学习和练习，在演奏过程中，还应该了解作曲家的创造背景，掌握不同作曲家的不同风格，把握作品的主题，了解作曲家的思想情感，才能充分表现出音乐表现力。 3.不断提升钢琴演奏技巧，促使音乐更具表现力。 表演者要巧练演奏技巧，最大程度在有限的时间内提升训练效果。在每次训练的时候，演奏者不但要告诉自己练习钢琴的目的，还要设定自己练琴的时间，要有目的、有步骤地进行练习。在练琴之前，还要找到训练本身要表达的内容，仔细研究乐谱，通过不断演奏和聆听演奏的效果，分步骤解决每个问题，找到其中的难点。遇到难题的时候，还需要保持头脑清醒，明白自己在哪个环节出现了问题。为了使自己的艺术达到最高的境界，还要严格要求自己，决不放弃，只有这样琴艺才能得到提升，使得音乐更具有表现力。其次，在每次练习的时候，演奏者还需要用心观察，不能放过每个弧线和记号，并养成良好的习惯，明白每个音符的含义和乐句的前后关系。指导每个音符在作品中占据的地位，哪个是问句、答句和链接句，哪句是重点，只有这样才能使得音乐更具有抑扬顿挫的表现力。 总之，演奏者在平时练习的时候要学会“无声练习”，投入自己的关注力和思考，高度集中精神，对自己在演奏中的肌肉运动进行思

论钢琴的演奏技巧

论钢琴的演奏技巧 作者：音乐系2000级二班陆美云 指导老师：王素荣（副教授） 内容提要：本文主要从“指”、“腕（小臂）”、“大臂”、“身”、“耳”、“心”六点论述了钢琴的演奏技巧。 关键字：演奏技巧。 钢琴，被人们称作“乐器之王”、“音乐王冠上的明珠”。首先，钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟、相对应、相抗衡的独奏乐器；其次，钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域。钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑、嘹亮、光辉、铿锵的音响；钢琴上能同时奏出十余音的合弦以及四五声部的复调。钢琴的种种特点，决定了它在乐器中的特殊地位。 300年来，钢琴艺术有着令人难以置信的飞速发展，至少在三个方面达到空前的丰富与完善的境地：浩如烟海的作品、群星璀灿的演奏、科学严密的教学。以致当今人们想在其中任何一个方面增添哪怕一丁点儿真正新鲜的东西，都成为难上加难。 钢琴演奏技巧的发展与音乐风格的发展有着密切的联系。在拨弦古钢琴时期，由于乐器结构与发声原理均不需要也不可能承受太大的重量，演奏方法则以手指动作为主。18世纪末19世纪初，拨弦古钢琴逐渐被击弦现代钢琴所完全代替。随着钢琴结构的改进，音量的增强和音域的扩大，钢琴演奏技术也由以手指为主的音阶、琶音发展到双音、八度和弦、大跳等等多样的、复杂的演奏技术，要求钢琴演奏的发力部位从指尖开始，成为包括腕、肘、臂、腰、脚在内直到全身整体运动的综合。在研究钢琴演奏技术的时候，不得不先将身体各部分在演奏状态中的功能、作用、特性、技术要则分别加以探讨。但在真正演奏时，全身是整体，各部分之间是不可分割的。 我们可将钢琴演奏的技术性问题分为：指、腕(小臂)、大臂、身、耳、心。现在我们就将这6层加以具体讨论学习。 一、 指

浅谈如何提高钢琴演奏的表现力

浅谈如何提高钢琴演奏的表现力 钢琴演奏是通过演奏者娴熟的技能和音乐表现力，把作品美的内容予以润色和再现，引起人们的共鸣与触动。本文主要从：完整的表现钢琴作品是提高音乐表现力的基础；良好的音乐素养是提高音乐表现力的前提；健康的心理素质是提高音乐表现力的必备条件等三方面加以阐述，从而使我们达到一种正确、完美演奏钢琴作品的能力。 标签：提高钢琴演奏表现力 音乐表现就是要在弹奏音符的同时，把音乐的情感、音乐的内涵表现出来，把作曲家想要抒发的思想感情表达出来，打动听众，使其受到启迪。然而我们在演奏时总是遇到这样的问题，那就是演奏的音乐缺乏生气、枯燥乏味，无法准确表达乐曲的意境并使听众感动。因此提高音乐表现力成为钢琴演奏中要达到的更高一级的目标。这就需要演奏者具有扎实稳固的专业技术技巧、较高的音乐素养、丰富的情感想象、以及良好的心理素质。 一、完整的演奏作品是提高钢琴表现力的基础 1.准确的读谱习惯 准确读谱是演奏一首作品的基础。试想，如果演奏一首乐曲错音连篇，节奏不对，指法混乱，奏法不讲究，如何谈得上音乐表现力呢？因此，读谱一定要力求准确。读音正确，就是把谱上的音符认准，在键盘上把音的位置找准。读谱时多去确认音符，把它们都放在自己的视线之内，反射到大脑中去辨别、校正。这样就不会因忽略而认错音了。节奏正确，节奏正确是指把音符的时值和音与音之间的时值认识正确。确立节奏概念非常重要，节奏概念就是对拍点和音的长短关系的正确把握。建立起正确的节奏概念。指法正确，正确指法的概念就是严格遵照乐谱的指法编排使用手指，本来五个手指，五个数字，一点不复杂。但是，指法习惯不好是很普遍的。遵照规定运用手指，哪怕会使识谱慢一些，过程长一些，也必须养成注意和重视指法的习惯。 2.正确的弹奏方法 对于钢琴演奏者来说，正确、大量的练习非常重要：手指灵敏放松，每个音的触键速度、力度、深浅、方向等规范的弹奏方法是提高钢琴演奏表现力的基础。慢练：练琴易急躁，多以原速练习而少慢练，由此导致众多问题，如错音、漏音、困难片断无法连贯等等。有重点的练习：练琴时常常是不断地一遍又一遍地从头至尾演奏一首乐曲，这种盲目、毫无重点的练习方法实在是浪费精力。好的练习方法是将乐曲分解后有重点、有目的地练习，将其中的难点，每上声部、每只手的部分分解开来，每次练习都是有所侧重。无谱无琴的练习：这是一种学习者凝思默想自己所弹奏的音乐，仿佛眼见其谱，耳闻其响的练习方法，是练琴中十分重要的一个环节，同时也是被众多学习者所忽略的一个环节。

老板们一定要掌握的10个税收知识

老板们一定要掌握的10个税收知识 很多人都以为税收知识是会计该掌握的事情，其实不是的，作为公司的老板，如果对税收知识一点不了解，那小编预测这个公司应该是开展不下去的，不过作为老板也不需要掌握太多的税收知识，只需要掌握以下10条就足够了。 一、老板需要知道的10个税收问题 1、公司成立之后不管你有没有开始经营，税务局、工商局都认为你开始经营了，所以你要有自己的账本，并开始履行“纳税申报”义务。 2、即使是没有经营也没有开票的公司，也得报税，这时可以选择“零申报”。但是长期零申报会被纳入“风险监控”。而且6个月不经营，工商局那边也会吊销你的营业执照。 3、不是只有“零申报”才不用缴税，如上文所言，每季销售额在9万元以内的，都暂免缴增值税，但前提是你要记账，你得去申报。 4、所设账本不是你自己记的流水账，而是符合要求的会计账簿，并附上符合规定的凭证。需要专业的会计人员来做，所以不少中小企业在请不起会计的情况下，选择代理记账公司。 5、记账和报税是两件事，但相互关联。公司要根据税局给你核定的税种在规定的期限内进行“申报”。而报税和缴税也是两码事，报了税不一定要缴税款。 6、经过了营改增、金税三期、开票系统升级，税务机关对发票的检查力度空前的大，所以老板们千万不要“买发票”，更不要虚开、虚抵发票。 7、一个公司涉及的税种不只有一种，常见的有增值税、企业所得税、印花税等。特别是企业所得税，每年5月底有一次“汇算清缴”，这既是企业计算上一年有没有盈利的重要过程，也是税务局稽查的重点。 8、只有一般纳税人才能开16%的增值税专用发票，享受进项税额抵扣，而小规模纳税人通常只能开3%的增值税普通发票。另外，刚成立的公司就能申请成为一般纳税人，所以如果有需要，要尽早申请。

(完整版)钢琴演奏八种基本技术和技巧

钢琴演奏八种基本技术 钢琴中共有八种基本技术问题：1、均匀跑动技巧，这个指音阶式跑动和琶音式跑动，把二十四个自然大小调的音阶和琶音都弹得滚瓜烂熟，速度力度完全均匀。2、初级手指独立技巧，指五指范围内平稳均匀的颤音。3、一个八度范围内，非连续性的三、六度双音技巧。4、八度技巧。包括抒情性的八度和技巧性的八度。八度技巧包含二十四个大小调的八度音阶和八度琶音，以及分解八度和八度震音。5、有力的，深沉的，饱满的和弦技巧。人的一只手五指最多能奏出一个九和弦，当然双手齐用的话奏出十五和弦都没问题。6、双音技巧。包括二十四个大小调的连奏三、六度音阶，双音半音阶。7、复调技巧。要求一只手能清晰地演奏出两个以上声部的技巧。8、特殊技巧。包括大跳，重复音，长颤音，双音颤音，双音刮奏，高难度手指独立等。 高抬指 钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”，其基本功包括很多内容和方面：钢琴最重要的基本功，也可以说是“重中之重”是高抬指。所谓高抬指，就是在弹奏时尽量抬高手指的一种大幅度的关节运动。高抬指训练作为一种最基础的弹奏技巧，历来被钢琴师视为重中之重。如同武术高手一定要扎实的马步功底一样，一个职业琴手一定要有扎实的高抬指工夫，很多复杂的弹奏技巧均是建立在高抬指的基础之上的。我们进行高抬指训练的终极目的，就是要让习琴者的每个手指都学会如何在琴键上“正确地走路”。高抬指的正确与否直接影响到习琴历程中的每一步，

因为姿势的正确性、肌肉的力量及各关节的协调一致性都建立在此基础之上。因此，把高抬指的训练比喻为婴儿学步，一点不为过。 高抬指的弹奏方法要求首先在琴键上摆好手型，做好击键前的准备动作。然后由指根部位高高地举起手指，手指的第一关节适度弯曲，以手指自身的力量向下击键。这样便完成了一次完整的高抬指的弹奏。高抬、下键、指力、强度、力度控制以及时间分配，是掌握高抬指弹奏技巧的几个关键，吃透了这些，则可谓得其要领，也就是等于掌握了高抬指。 正确的读谱 正确的读谱同样是基本功之一。乐曲是作曲家内心的感情的表现，也是为了让演奏者能了解作曲家的创造意图，因而在开始练习时就首先要读谱，用正确的方法读谱来提高视奏能力，我们在对五线谱不熟悉时，常把那几个音记在脑里，低头演奏不看谱，害怕弹错，如长期这样，眼睛就不能离开键盘，不但不会边看谱边弹，连最基本的识谱能力都没有，因此，就会觉得枯燥、吃力，所以，在练习过程中我们要学会看谱弹奏，养成看谱的习惯，而在弹奏中要看清谱号、调号、拍号，要记住指法，有关术语、音符、时值、表情记号等，养成边看边弹奏的好习惯。等到练习熟练、识谱能力、视奏能力都提高后才可以考虑背谱 正确触键 练习手指是钢琴演奏基本功的重要内容，练习基本功是弹奏钢琴的基础。十个手指的弹奏、力度、和各种的触键方式都是直接影响到钢琴演奏的重要环节，而对于手指的练习是为了更加独立、平稳、灵活、

学钢琴的孩子必知的背谱的方法!

背谱的认识及方法 背谱，应该是钢琴演奏中一个重要的部分。在比赛、考试等许多重要场合，都需要将乐谱背谱进行演奏，这与我们平时练琴的习惯不同，背谱的习惯是在练习中不断被加深加强的。钢琴演奏的学习，它不仅是手指的长期磨练，更包含无数精密的思维活动过程，思维能力的高低也会直接影响其演奏水平.弹琴时的听觉、动作、视觉共同构成了记忆的信息. 哈尔滨市博瑞琴行小编觉得钢琴弹奏要求演奏者不仅要大脑中准确地再现出乐曲完整的音效。在熟练形成的初级阶段，主要是依靠视觉上乐谱给你的信息来控制整个弹奏动作，到对整个乐曲的熟练程度达到一定阶段的时候，在头脑中就会记住身体、手指运动等一系列机械的程序，最后逐渐形成弹奏的自动化了，也就是背谱弹奏。但这样的背谱，往往不牢固，由于记忆的障碍而在舞台上发生错误甚至停顿的意外时有发生，因此，充分发挥有效的记忆，在舞台上保持清醒的头脑，对于钢琴演奏者来说是十分重要的。要提高记忆的有效性，这个有效性，就是演奏的稳定性。所以，记忆的过程包括识记、保持和回忆。钢琴弹奏熟练技能的形成是这三个过程不断反复的结果。在此基础上再加上科学的记忆方式，就会产生理想的效果. 背谱记忆是一种综合能力。方法很多，例如：听觉的记忆、位置动作的记忆、乐谱的记忆、多看，多分析的记忆，下面就用哈尔滨市博瑞琴行的小编给大家一一介绍一下！ 一、听觉的记忆 这是我们最常用的一种记忆方式。就是用耳朵听，可以把乐曲的织体，结构和它所产生的效果结合起来。心中想着音乐，可以帮助我们的手随之做出正确的演奏动作。不同的和声、调式所产生听觉效果，是强化记忆的一个重要途径。小朋友们也可以采用这种方法，从一首短曲开始，将乐谱放在你的面前，准确的弹奏几遍。然后停止弹奏，试着用你的大脑，来描绘出乐曲的进程，试图在内心倾听这首乐曲。如果你已经能记住其中的一些部分，那么就应该反复回忆那些遗忘

谈钢琴专业学生音乐表现力的重要性

对于钢琴演奏而言，专业的钢琴演奏技巧固然重要，但是丰富的音乐表现力也是不容忽视的。就现在高师院校的钢琴教学开展现状来看，针对钢琴专业学生的专业能力培养是非常重视的，而对于学生音乐表现力的塑造较为欠缺。因而，针对这一重点内容，笔者结合本人的钢琴教学开展，就钢琴专业学生音乐表现力培养的重要性进行分析，从而在教学实践中加强对高师院校钢琴专业学生音乐表现力的塑造和拓展。 一、丰富的音乐表现力是钢琴教学的内在动力 音乐表现力对于钢琴专业学生来说，非常的关键，这也关乎学生个人的专业能力与演奏水平。具体而言，钢琴专业学生的音乐表现力主要是指学生对于钢琴作品的认知能力和感悟能力，以及通过具体的演奏实践对钢琴作品进行二度艺术创作所产生的美的体现。所以，可以看出音乐表现力的丰富与否，直接影响到钢琴专业学生钢琴演奏的水平和效果。钢琴素有乐器之王的美誉，这也在一定程度上决定了钢琴丰富的表现力。这样一件具有塑造性的乐器，在无形之中要求演奏者具有较高的艺术水平和音乐表达能力，才能完美的诠释风格各异的音乐作品。钢琴优美的音色和宽广的音域，使其在音乐表达中展现出了一定的优越性，营造宏大而美妙的音响效果。所以，对于学生来说，我们判断其演奏水平的高低并非只是单纯从其演奏技巧和手段来评断的，而是要结合其所展现出来的音响效果进行综合的考量的。所以，想要成功的诠释一首钢琴作品，我们既要把控好演奏能力，同时也要展现丰富的音乐内涵。在日常的钢琴教学开展实践中，我们对学生的

专业技巧进行了全面而系统的训练，最终的目的是体现作曲家的创作意图，传达音乐的情感内涵，展现作品深刻的思想。以此不难看出，我们课堂教学的本质其实是帮助学生掌握表达音乐的方式和技巧。所以，钢琴专业学生所掌握的钢琴演奏技巧只是进行音乐表现的手段之一，是为了更充实和丰富的表现钢琴作品而服务的。基于这一点，在高师院校的钢琴教学开展中，作为钢琴教学工作开展的组织者和实践者，要引导学生挖掘自身在钢琴演奏中的音乐表现力，结合具体的演奏实践不断的汇总和积累经验，重视钢琴演奏的音乐表达，展现钢琴音乐丰富的感染力。 二、丰富的音乐表现力是钢琴教学的外在表现 从现在高师院校钢琴教学的开展现状来看，我们不难发现很多教学工作者并未清晰的分清楚技术与艺术二者的关系，这也导致我们的钢琴教学课堂过于重视技巧而忽视了艺术的内涵。这也在无形之中错误的引导了钢琴专业的学生在钢琴专业学习阶段，将过多的精力放在了演奏技巧的训练中，片面的追求了钢琴作品的演奏数量，而忽视了演奏水平的质量。我们在钢琴教学中会发现很多学生只是忙于演奏技巧的炫耀，而对钢琴作品的艺术内涵和思想情感缺乏解读和探索，从而也使学生演奏出来的钢琴作品缺少表现力，缺失了音乐艺术的味道和韵律。所以，这种淡化音乐表现功能的弊端，也确确实实影响了高师院校钢琴专业学生的专业能力和整体水准。事实上，音乐表现力是促使钢琴专业学生进行钢琴作品二度创作的驱动力，在丰富的联想力和创造性的艺术实践的引领下，学生进行一系列丰富而精彩的演奏表演，

钢琴基础知识精选.

第一节：音的分组 在学习谱号之前首先要了解音的分组，我们在钢琴键盘上会发现，虽然键盘上有88个琴键，但是这些琴键其实是以某些音为单位而重复排列的，我们只需知道这其中的一组音，就可以熟悉其他组的音了，于是我们把这新音进行分组。 键盘上有7个基本音，我们用字母C、D、E、F、G、A、B来表示，它们在键盘 上的位置是如下图： 为了避免重复，我们用数字和大小写字母来区别在不同组内的相同音，如下图： 第二节五线谱的线与间 五线谱是目前世界上最通用的记谱法。它是在五根等距离的平行横线上，标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的。五线谱是由五条基本的线构成的，所以叫“五线谱”。这五条线由低到高，依次叫做一线、二线、三线、四线、五线。线与线之间又形成了不同的间隔，我们把这些间隔称为“间”，五条线形成了四个间，由低到高，依次叫做一间、二间、三间、四间。如图： 为了记录更高或更低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线，就叫做“加线”，这些“加线”又形成了许多“加间”，如图：

在五线谱上，音的高低是根据音符符头在五线谱上的位置而定的。位置越高音越 高，位置越低音越低。 第三节谱号 确定五线谱上音高位置的记号，叫做“谱号”，谱号有很多种，在这里只介绍钢 琴中用到的两种谱号。G谱号，又称“高音谱号”，符号为 。G谱号表示的五线谱上二线位置为g1这个音。由此可以推出c1这个音在下加一线上，如图： F谱号，又称“低音谱号”，符号为。F谱号表示的五线谱上四线位 置为f这个音。由此可以推出c1这个音在上加一线上，如图：

谱号个五线谱结合在一起，叫做“谱表”。如G谱表（高音谱表）、F谱表（低音谱表）等。在钢琴乐曲中，一般将G谱号和F谱号结合在一起使用，构成了“大谱表”。G谱表一般代表右手演奏的部分，F谱表一般代表左手演奏的部分。钢琴上所有的音都可以在打谱表上表示出来，如图： 第四节变音记号 在乐音体系中，音高关系的最小计量单位，叫做“半音”。半音与半音相加，叫做“全音”。在钢琴的键盘上，包括所有白键与黑键，相邻两个键都构成半音，隔开一个键的两个键都构成全音。所有的琴键，从左到右，由低到高，都按半音关系依次排列，如图：