声乐表演艺术

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声乐表演艺术

一、学习声乐要有扎实的声乐基础学习声乐是一件艰难、辛苦的事,声乐不像学数学那样,只要多做题,便有道可行了。声乐是一门科学,需要科学的方法去练习;它更是一门艺术,因为有许多很抽象的东西不能直观的来表述,只能在实践中理解。从声乐艺术观点来言,首先要发声正确。共鸣嘹亮,用气﹑力度掌握自如,音色变化丰富,咬字清楚,行腔自由,风格浓厚;还有发音清晰﹑准确,有穿透力,共鸣达远,高中低声区通畅一致,合乎生理上的自然要求,耐久、健康;其次,要有正确的歌唱气息。古人云“:气为声之本”。又有“夫气者,音之帅也,气粗则音浮,气弱则音薄,气浊则音滞,气散则音竭。”(陈汝衡《说谭》)。这充分说明气息的运用与唱歌息息相关。现在最科学的是胸腹式呼吸,也叫横隔膜联合呼吸法。再次是歌唱的发声。发声练习是发展声音的技巧,稳定歌唱状态,培养歌唱风格,锻炼发声器官的坚韧耐力,充分发挥歌唱器官潜在的生理功能的最基本的一种练习;最后是歌唱的共鸣。歌唱的共鸣是由人体的胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体所组成的。其中在练习胸腔时先作打哈欠状,发声时下颚自然下垂把在硬腭上的声波震动反射点转移到下齿背上,让声波在喉咙和气管附近引起更多的振动,继而引起整个胸腔的共鸣。我们看到无数在歌唱方法上掌握了科学基本功的演唱家,他们的歌唱是有许多宝贵经验的,但是像扎木苏这样的高龄,而仍然在舞台上保持声音的完美及感人的艺术魅力,是凤毛麟角了。还有世界着名声乐家纪列,在六十岁时举行了一个告别音乐会,虽然声音已有些减色,但仍然是世界上少有的财富,(据说意大利声乐家巴拉到了六十八岁,1946年)还在热亚那演了最后一场戏。草原歌唱家胡松华80多岁高龄还在舞台上很活跃,他的《从草原来到天安门》让人们看到他宝刀未老,而且在京剧方面也有很高的技艺。郭兰英、王昆、马玉涛等一批老歌唱家都是有力的证明。美国当红歌唱玛丽亚凯莉以其精堪的技艺折服了全世界的歌迷们,她不但能将通俗唱得出神入化,让很多同行望而阕步,而且还有着深厚的“美声”功底,

其音域之宽世界少有,是世界歌唱者中的一颗璀璨明珠。所以“,用不到音乐学院来学习,随便拿来唱就行了”这一说法,是很不科学、很不负责任的。现在的声乐正健康、科学、迅速地发展着。要想有长久的声乐寿命,必须是科学的发声和正确的歌唱。二、声乐表演要有丰富的情感“古人唱歌兼唱情,今人唱歌难唱声。欲说问君君不会,试将此语问杨琼。”白居易对只唱声音没有情感的人如此慨叹,所以唱歌不能只有悦耳的声音,还要加以情感的抒发。“一唱凝闲云,再谣悲顾兽。”———皮日休《樵歌》“公子不随肠万结,离人须落泪千行。”———崔珏《和人听歌》这些都是提到当时唱歌者唱得情深意尽。白居易也有过赞颂当时歌者深情演唱的诗,如“一声肠一断,能有几多肠。”《题家歌者》“,此是人间断肠曲,莫教不得意人听”《,桂华曲》。他对当时民间歌者的演唱的深情,赞扬备至“:唱到竹枝声咽处,寒暗鸟一时啼。”其最着名的《琵琶行》中的几处描写歌女的音乐表现,深入刻骨,真挚感人: 转轴拨弦三两声,未成曲调先有情。弦弦掩抑声声思,似诉平生不得志。低眉信手续续弹,说尽心中无限事。感我此言良久立,却坐促弦弦转急。凄凄不似向前声,满座重闻皆掩泣。说明当时的演唱演奏者是非常认真,情深的。我国戏曲声乐更是如此,有声有情,大部分曲子是有故事情节的。而在最初学外文歌曲时,有“唱歌难唱声”。这种现象在音乐学院比较多,一是由于大家在学习过程中,太注重“声音”,全唱了练习曲。还有许多人在演唱中,同行欣赏者居多,要求的多半是音准、声音美、技巧如何等,很少有个人的表现。当然,唱歌需有美好的声音,因而用很多方法把自己的声音训练得优美,技巧纯熟是我们所追求的。但作为声乐表演艺术,就必须认真研究他所要表现的东西,这样通过他的声音和艺术技巧,把内容深刻地体现出来,以感动听众。《乐论》中说:“凡人之性,心和欲得则乐,乐斯动。动斯蹈,蹈斯歌,歌斯舞,舞则禽兽跳矣”。《檀弓下》“凡音者生人心者也,情动于中故开弓于声,声成谓之音……歌之为享也。长言之也,说之故言之,言之不足,故长言之,长言不足故嗟叹之,嗟叹之不足故尔知手舞之足之蹈之也……诗言其志也。歌咏其声也,舞动其容也,三者牵于心然后乐器从之”《乐记》。“乐者无地之和也,溢于心而歌声之,充

乎体而以舞容之,咏歌之不足则不知手之舞之,则歌变乐之端,舞为乐之成”《乐书》。所以歌声最初不仅为情而发,而且为舞而伴,音乐不仅是声音听觉的世界,而且是一个故事情节的画面展示。通俗音乐的火,不是在于其声音有多优美,而是其情绪、表演的夸张感染了观众。我们在演唱中,中国曲子容易把握其情绪的波动和情感的抒发。如迪里拜尔演唱的《一杯美酒》,她唱出了新疆人的热情和奔放,更用新疆特有的节奏表现出其热闹的场面。再如戴玉强在《中华恋》中,淋漓尽致地表出对祖国的大好河山的热情及眷恋,以哭腔表达了其对祖国的真挚情感。三、要把握声乐作品的演唱风格通常所说的艺术风格,是指艺术形式的风貌、特色、气质等,从歌唱艺术来说,是歌者的音质、音色、行腔走音的特点,以致共鸣、力度、语言、语法的应用以及揭示思想、主题的特点,对人物、景物的描写,气氛的渲染、烘托、艺术作品的语气等因素。布封说“:作风及即人,”这话和我国文学上所说的“文如其人”相符,也就是说每个人都有其特性,他的作品和他所具有的个性作风常常是一致的。清代文学家姚姬传也说过“:观其文,讽其音,则为文者之性情形状,举以殊焉。”也是这个意思。不同的历史时期在不同的文化领域内表现出不同的思潮,形成鲜明风俗,比如古典风格、巴洛克风格、浪漫风格、印象派风格、现实主义风格、超现实主义风格等,他们都有一定特征。综上所述,任何一个时代都具有自己的特征,所有文化艺术都和当时的社会政治、科学技术以及人的思想紧密相连。人们的思想意识,必然反映在作品和审美之中,这就造就了不同时代不同作品风格上的明显差异,时代差异是不可抗拒的。因而在声乐演唱中对作品的风格认识和表现,要联系当时社会的时代特征,不能千篇一律地用相同的声音,相同的表现手法,相同的情感来演唱,要研究不同时代作曲家作品的差异。在声乐表演中,我们要尽力运用声音的技术妥协适当地表现不同的特征,歌唱与发声的基础是一致的,良好的共鸣和流畅的气息等技术是歌唱的保证,我们要用最恰当的声音和方法来表现出准确的风格,如意大利的热情洋溢,使声音喷薄而出;德国人的谨慎、理智,情感表现也受严谨的控制;法国人浪漫,典雅;俄罗斯的宏大壮丽;日本人的细腻、多愁善感;

都应在其作品中充分地表现出来,我国民歌持点也是大不相同的,如东北的纯朴,好客;四川的热情;山东的豪爽,奔放;河南的细腻柔美;陕北的粗旷豪迈。除此之外,个人性格和生理与演唱风格有着很大的关系,所以在声乐表演中我们须要注意作品风格,时代背景,以致使我们的表演达到最佳状态。四、声乐表演要注意语言的差异歌唱是语言的艺术,是声音对语言的表现,通过音乐和语言的有机结合,塑造各种艺术形象,表达各种情感,这就是声乐艺术的初衷。因为有了文学语言,使得声乐艺术成为所有音乐艺术中最容易把相对抽象的乐音与比较确切的思想感情表达结合起来的形式,成为最容易与听众交流的表演形式,所以歌唱语言是声乐表演的重要组成部分。声乐艺术是音乐和文学有机结合。语言是声乐的重要组成部分,歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生的,语言直接准确地传递着情感和思想感受。因此,无论我们的声音有多美妙,技巧有多高超,没有语言的支持,就不能称其为歌唱、不能称声乐为艺术。中西方文化有着很大的差异,中国语言文字与欧洲语言文字在结构和发音上有很大区别,固而在演唱他们作品时,会出现很多问题,比如只注意声音而忽视了文字,发音,以致唱得含糊其辞,不知所云或是把字唱得像分解汉语拼音一样,让人感到吃力,以致破坏了音乐的连贯性和完整性。在我们接触的大部分外国作品中,意大利是最多的,这是因为它语言的特殊性:以元音结尾,辅音比较单纯,音乐重音的位置和表达情感,说话习惯的夸张性。之所以产生艺术歌曲,是由于浪漫主义思想在音乐艺术中的影响———其歌词具有高度的文学性。中国是世界闻名古国之一,汉语言也是产生很久远的语言之一,其经过了几千年的文明演化基本成型,它与其它语系的语言文字不同。中国素以礼仪之邦着称,所以汉字也是四方四正,发音讲究字正腔圆,以显示东方巨人的魅力,清代李汪渔在《闲情偶寄》中说“:学唱之人,勿论巧拙,只看有口无口,听曲之人,慢讲精粗,先问有字无字,字从口出,有字即有口,如出口不分明,有字若无字,是说话有口,唱曲无口,与哑人何异哉?”中国传统的民族声乐,讲究“字”的美,必须唱清每个字的字头,弄清五音发声的用力部位,还要注意韵母及声调的运用。这是形成中国民族唱法的韵味,

美感和风采的主要因素。所以,我们在演唱中外作品时,要注意在语言上的差异,根据语言特征,对其作品注入相应的风格、特点。中国声乐作品虽然吸收了西方音乐科学的元素,但中国传统美学与西方古典美学的差异也很大,在悠扬的旋律中唱出的是东方人的礼仪,唱出的是东方的秀美山川,唱出的是东方古国的闻名历史。在研究字和音韵时,有人会忽略歌唱状态空间的现象,这是必须注意的,在歌唱发声状态中也包含语言的歌唱状态。这里要注意的是在演唱美声作品时注意字韵的准确性。演唱民族作品时注意保持合理的歌唱空间和气息。做到“字正腔圆,声情并茂。”

浅谈戏曲表演艺术与生活关系

龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/e62353716.html, 浅谈戏曲表演艺术与生活关系 作者：王萍 来源：《商业文化》2011年第10期 摘要：在戏曲舞台上，无论演员的手、眼、身、步的运用，都有一定的规律，我们的舞 台动作，就是有这些属于舞蹈性的基本动作所构成的。它们的主要特点为、集中、锻炼、夸张、属于象征性和程式化。各种不同类型的人物的性格和各种复杂的思想情感，都要通过相应的舞蹈形式来表现它、刻画它。 关键词：戏曲表演；艺术；生活 中图分类号：J89 文献标识码：A 文章编号：1006-4117（2011）10-0355-01 一、真和假 和生活对照，戏，本来是假的，何必怕假，但要假里透真，不过这个真并非要求和生活一模一样，而是真中有假，假中有真。常言道：“两三人千军万马，五六步万水千山”。舞台上就要这样表现。人们从来也没说这样的表现不真实。对于观众来说：“明知是假，偏作真看，真见到真，反而觉假”。在演员是：“基础与真，提炼于假，假如真假，必然害真”。这是艺术作品与生活之间有血缘，但是又必尽然相同的关系。演员做虚拟动作，要想叫人家相信，做出来就像那么回事。怎么就真象那么回事了呢？首先得虚拟的合理。还说做针线活吧，谁都知道认上线缝衣服，线是越做越短，绝不会越做越长。但是有时演员在台上只顾唱了，忘了一点，她唱第一句时缝衣服的线只拉到胳膊肘那么长，唱了几句，一使劲一下把线拉到肩膀哪儿去了，先越做越长，无怪乎有人说她是用“猴皮筋”做衣服了。再说开门吧，有的演员走到台上，拔开门插关，两手一比划，随便往后一拽，就算开了门了。殊不知门是木头做的，不能打弯，要真有两扇门在那儿摆着，她这样开始开不开的，因为身子挡着呢！观众看了这种表演，绝不相信她是在开门，那得说她是扯碎布头呢！戏中表示真开门，演员应该脚底下向后退一步，闪身，把门让过去，同时双手平着向两边推，交代清楚了，才能真像开门了。演员做派，要求演员在舞台上得动作一切合理，而一切又像真的。艺术和生活是分不开的，演员在舞台上的表现，决不能离开生活根据，但必须把它舞台化，不能把生活中的原貌，一成不变地搬上舞台，生活中的动作经过艺术加工，夸大、美化、集中而有力地表现出来，才能强烈地感染人，让人产生真实感。舞台上是以假作真，这是一种辩证关系。 二、内和外 体验与表现：无论是什么任务，头一件事就是研究他是谁？ 演员在台上每一个表情都要让观众看清楚，不光是看的见，而且要看得懂，不如：演员在台上昂首看着远处，台下观众心里就再想：“他在看什么？”如果这个观众说你在看太阳，那个

西方古典音乐与现代艺术的结合

西方古典音乐与现代艺术的结合 选西方古典音乐鉴赏这门课的时候感觉和许多没有正式或者说是系统接触过古典音乐的人一样。感觉这是一个和离我们生活很遥远的高雅艺术，只是那几个耳熟能详却又相隔甚远的名字：贝多芬、肖邦、莫扎特等等。但是经过了学习我感觉其实西方古典音乐正以不同的方式接近我们的生活——与现代艺术完美的结合。 在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同。最狭义的解释是，把十八世纪下半叶至十九世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典乐派”的作品特指为“classical music”。最广义的解释则是，把时间前移到欧洲文艺复兴时期，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至十九世纪末、二十世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为“classical music”。 说到西方古典音乐一定要提的一个人就是贝多芬了。

1770年12月16日生于德国的波恩路德维希·凡·贝多芬是世界音乐史上最伟大的作曲家之一。他是“维也纳古典乐派”的最后一位代表人物，与海顿、莫扎特一起被后人称为“维也纳三杰”。他在自己短短的五十七年生涯里，为人类留下了无价的音乐宝藏，因此，世人尊称他为“乐圣”。 贝多芬一生创作了大量的作品。他一生的创作可分为三个时期：早期作品受海顿和莫扎特的影响，风格轻快流畅；中期作品则体现了他自己的特有的音乐风格，大部分作品都是在这一时期创作的；晚期作品技巧成熟、思想深刻复杂，同时出现了浪漫主义的因素。 贝多芬一生的主要作品包括：九部交响曲、一部歌剧——《费德里奥》、五部钢琴协奏曲、一部小提琴协曲、三十二首钢琴奏鸣曲、十首小提琴奏鸣曲、十六首弦乐四重奏。管弦乐序曲：《埃格蒙特》、《柯里奥兰》以及大量的声乐器乐及戏剧音乐作品。这些具有高度艺术价值的音乐作品对贝多芬以后的历代作曲家都产生了巨大的影响。如今这些伟大的作品已成为人类文化宝库中一笔丰厚的宝藏。 记得小时候家里面有台录音机，有一盘好像全是钢琴曲的磁带，随着时间的流逝我几乎忘记了上面全部的音符，但是 却是一辈子也不会在我脑海里抹去。 贝多芬开始构思并动笔写c小调第五交响曲是在1804年，那时，他已写过“海利根遗书”，他的耳聋已完全失去治愈的希望。他热恋的情人朱丽叶塔·齐亚蒂伯爵小姐也因为门第原因离他而去，成了加伦堡伯爵夫人。一连串的精神打击使贝多芬处于死亡的边缘。但是，贝

音乐是一种表演艺术

为什么说音乐表演是第二度创作音乐是一种表演艺术，是赋予音乐以生命的创造性的行为，其本质意义就是如何真实地再现原作，如何使音乐作品焕发出应有的光彩。对于音乐表演者来说，如何把握好“二度创作”，如何在尊重原作的基础上尽可能地表演是技术与表现力完美的结合，是音乐表演获得其独特品格的基础和保证；表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。 音乐表演作为二度创作，是赋予音乐作品以生命的创造行为，它不仅要忠实地再现原作，而且还要通过表演创造，对原作加以补充和丰富，甚至超出作曲家的设想，使音乐作品焕发出新的光彩，通过视觉感受的乐谱转化成用听觉感受的音乐，把潜在的音乐美变成现实可感的音乐美。 一、音乐表演二度创作的本质及意义 在音乐艺术的创造活动中，音乐创作，即作词、作曲是第一个创造过程，称一度创作。而音乐表演是第二个创造过程，它与音乐创作相分离并获得其自身的独特品格后，就被人们称作“二度创作”。所谓“二度创作”是在“一度创作”的基础上进行的，以一度创作为出发点和归结点。即音乐表演必须对以乐谱形式存在的音乐作品进行认真的浅析，并作出准确的解读，以此作为二度创作的依据，而音乐表演的最终结果则表现为对音乐作品的准确传达和作品本身的精确再现。

音乐表演作为“二度创作”其本质意义就不能仅仅停留在对一度创作的忠实再现上。尽管音乐表演是建立在音乐作品基础上的，但这并不是说只要按照谱面完整演奏就是“二度创作”，如果这样理解，“二度创作”就完全陷入了单一的机械演奏中，失去了它应有的作用，抽掉了音乐的灵魂。人们之所以喜爱音乐表演，是因为音乐表演是由不同个性的人所进行的有创造性的表演活动，人们欣赏的不仅仅是音乐作品本身的旋律，更重要的是去欣赏音乐表演者对作品的创造性的再现。有些杰出的表演创造，甚至会超出作曲家的预想，使得作品的内在深意和作品的精髓体现得更加鲜明。 另外，音乐表演作为音乐创作与欣赏的中介环节，一方面担负着创造性地再现音乐作品的使命，另一方面还担负着通过表演提高听众审美情趣的使命。俄国文艺批评家谢洛夫曾说，演员艺术的最高成就是:他“所表达的一切都是作者所想的，此外，演员所说的一切都好象是他自己的即兴，所有这些思想感情都是一瞬间在他身上出现的。演员的演技完全体现了作者的思想，并且补充了新的诗意，这样，所体现的思想可能甚至在戏剧创作时都没有这样完美。” 二、器乐表演中的二度创作 器乐演奏是音乐艺术的表现形式，是一种创造性的劳动与实践。音乐作品的生命存在于它的演奏之中，存在于以音调方式将它的思想内容展示给听众的过程之中。可见，演奏是音乐作品能否得到社会认可的一个十分重要的环节。当作曲家将自己的艺术构想用乐谱写下之后，这些乐谱标记便是固定的，但接下来把这些标记转化为音响运动

浅谈歌唱中的艺术表现

浅谈歌唱中的艺术表现 摘要：歌唱作为一门表演艺术，是经过一定时间的专门训练，通过声乐技巧、作品的二度创作和形体表演方式来向观众传达作品的文化内涵和内在情感。歌唱者要正确处理声乐演唱技巧、内心情感的流露以及形体艺术的表现三者之间的关系，将歌唱艺术中最完美的一面展现给观众，从而满足观众听觉和视觉上的审美需求。 关键词：二度创作歌唱艺术情感艺术形体艺术艺术风度 歌唱是一门表演艺术。歌唱艺术，不仅仅是通过听觉来表现，而且还要通过视觉来传达。也就是说，观众既要听演唱者的声音，又要看到演唱者的表演。所有优秀歌唱家的演唱之所以能使广大的听众为之倾倒，受到听众的欢迎和喜爱，是因为他们除了具有良好的嗓音和娴熟的技巧以外，他们还运用准确的肢体语言生动地表达了歌曲的内容和情感，从而引起观众内心的共鸣，给予听众美的享受和情绪的感染。 一、音乐艺术表现中的“二度创作” 作为一名歌唱者，要想完整成功地塑造音乐形象，将艺术的美展现给观众，就必须懂得运用歌唱艺术的表演规律

为“二度创作”做准备。当歌唱者拿到作品之后，首先要做的事就是熟悉作品，然后根据歌词的艺术特点及内容规定的情景进行歌唱语言方面的处理。当歌唱者能够把歌词朗诵并背诵下来之后，那就开始记歌谱了。记谱的最好方法就是默记法，这种方法不仅节省嗓音，而且背得快，记得牢。歌者将作品熟悉之后，就可以放声歌唱了。通过放声练唱，就可以知道自己在咬字吐字方面以及发声技巧方面的不足，然后着重解决这些问题。在歌唱的过程中，可以对着镜子将表情、手势等情感表达的艺术手法揉合进去，但要注意过程当中律动的节奏、细腻流畅的行腔和有感情的换气。换句话说，那就是对作品的艺术处理。处理歌曲，应该从速度、力度、音色、语气、风格等几个方面着手。 二、歌唱中情感艺术的表现 要把歌唱得优美、动听，使观众喜欢听，令人感动并真正体验到音乐美感的愉悦享受，这就要求歌唱者具有良好的艺术表演才能。歌唱者要给予歌曲以生命的活力，也就是说歌唱者在学习声乐的过程中要有良好的基本修养和美妙的歌喉，情感因素在歌唱过程中也有着举足轻重的作用。唱歌整个过程的表演需要技巧的运用和感情的抒发相互配合，它是联系表演者与欣赏者的纽带，是表演行为中的点睛之笔。 （一）“心灵的投入”要深入到唱词的情景中

声乐教学舞台表演艺术探究论.doc

声乐教学舞台表演艺术探究- 一、声乐演唱基本方法及运用 演唱时要保持良好的心情和放松的心情，放松自己的身体，慢慢的用丹田开始吸气，吸气的时候我们的小肚子会微微的胀大，这是正确的吸气方法而不是大口吸气使肚子产生干煸的状况，当慢慢吸气以后，我们开始发声，发声的时候，气息慢慢向外吐，有控制性的向外吐气，不要每句话都换气而是在需要换气的时候换气，较好的气息或想要能够控制好自己的气息，这就需要长期良好的锻炼，要有良好的换气的经验，因为急促的换气可能影响整个作品的完成度完美度。没事的时候我们可以运用无声的呼吸练习或发声与换气相结合的练习。人体分为三个共鸣腔分别是头腔共鸣、口腔共鸣与胸腔共鸣。一般长刀高音区的时候共鸣会产生在自己的头腔，也称为鼻腔，自己的鼻子会有震动感，这就是我们所说的高音区。在我们平时说话或者唱到中音的时候，自己的喉咙管道会产生震动感，这就是我们所说的口腔共鸣，也就是我们常说的中音区。一般声音低沉的时候，依赖于胸腔共鸣，这就是我们唱到低音的时候，也叫做低音区。这三个音区虽分高中低音区，却相互联系，密不可分，想唱好一首歌就要学会掌握我自己的发声技巧当我们唱到高音的时候，我们会发现我们的口腔和胸腔都在做着辅助作用，当我们唱到中音区的时候我们的头腔共鸣和胸腔共鸣也在做着辅助作用，当我们唱到低音的时候我们的头腔共鸣和口腔共鸣也在做着辅助作用。在歌唱的时候吐字也很重要，音乐与语言的结合在歌唱艺术中也极为重要，分开口音、齐齿音和合口音。唱歌的时候吐字要连贯，要清楚，字与字之间的衔接也尤为重要，必须做到连贯统一。语言可以传达

人类之间的很多感情，所以我们在唱歌的时候必须在字里行间传达出词曲作者想要表达的思想感情，这就需要我们更好的语言来传达。歌曲的快慢、高低、轻重都需要我们去良好的掌握。 二、舞台表演艺术的情感表现 （一）表演艺术的重要性 声乐艺术是一门舞台表演艺术.演员在舞台上的一举一动，一个眼神一个动作以及个人心理活动，对他的演唱都有着很重要的影响。在声乐学习过程中学生应该用肢体去表达想要表达的情感体现，了解舞台的表演的精髓，学习舞台表演的基本常识和礼仪，如上下台的走步，如何与乐队指挥、主持人.钢琴伴奏的协调配合以及演唱结束以后的谢幕等等。这些都属于一个好的歌唱演员舞台的经验与素质。 （二）表演艺术实践的形式 第一次上台演唱的同学应该先调整好自己的呼吸，演出场地可以选在教室或会议室，演出时组织好观众即可。大学一、二年级的学生，可以以班级或者老师为单位，用音乐会的形式组织实践活动，每学期可进行两到三次。演唱曲目要和自己的专业老师和自己的经验来挑选，既能充分发挥自己的真实水平，又使学生能轻松地驾驭作品，减轻心理负担，让自己的第一次登台演出可以顺利进行。大三、大四的学生除了参加正常的艺术实践活动外，还应该积极参加学院、歌舞团等机构组织的各种演出和声乐比赛活动，通过参加这些活动来了解舞台、熟悉舞台，通过演出实践来真正掌握舞台表演技巧，从而锻炼舞台表现技能，培养良好的歌唱心理，在不断地参加演出活动中培养学生的自信心和荣誉感，积累和丰富舞台表演经验。 三、声乐与表演的联系

戏曲表演与服饰艺术赏析

戏曲表演与服饰艺术赏析课试题壹 自选2～3幅代表性的（了解，喜爱的）东方戏曲的截图。 试题贰 写三个以上与戏曲相关的成语。 粉墨登场，锣鼓喧天，有板有眼 试题叁 自绘2～3幅戏曲脸谱

试题肆 浅论戏曲的 1主要分类 2艺术特征 3表现方法 4神韵寓意 我国273个戏曲剧种中, 有5个戏曲剧种脱颖而去,即京剧、评剧、豫剧、越剧、黄梅戏,被称为“五大剧种”。 越剧——中国五大戏曲剧种之一，全国第二大剧种。越剧长于抒情，以唱为主，声音优美动听，表演真切动人，唯美典雅，极具江南灵秀之气；多以“才子佳人”题材的戏为主，艺术流派纷呈。1954年的日内瓦 会议上，在周恩来的指示下，新中国第一部彩色戏曲电影《梁山伯与祝英台》被用来招待外宾，获得了广泛的赞誉。是影响最广的地方剧种。2006年5月20日经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。 汉剧，中国汉族戏曲剧种、湖北省地方戏曲剧种之一。俗称“二黄”,又有“楚剧”、“汉调”两种叫法。它为湖北主要的戏曲剧种。 晋剧，汉族地方戏曲，山西四大梆子剧种之一，又名山西梆子。因产生于山西中部，故又称中路梆子，也称为“中戏”，外省称之为山西路梆子，主要流行于山西中、北部及陕西、内蒙古和河北的部分地区。 豫剧是发源于中国河南省的一个戏曲剧种，中国五大剧种之一，居中国各地域戏曲之首。豫剧以唱腔铿锵大气、抑扬有度、行腔酣畅、吐字清晰、韵味醇美、生动活泼、有血有肉、善于表达人物内心情感著称，凭借其高度的艺术性而广受各界人士欢迎。因其音乐伴奏用枣木梆子打拍，故早期得名河南梆子。豫剧是在继承河南梆子的基础上，通过不断改革和创新发展起来的。 粤剧又称“大戏”或者“广东大戏”，粤剧是融汇明清以来流入广东的海盐、弋阳、昆山、梆子等诸腔并吸收珠江三角洲的民间音乐所形成的以梆子（京剧称西皮）、二黄为主的我国南方一大剧种。粤剧名列于 2006年5月20日公布的第一批518项国家级非物质文化遗产名录之内。2009年9月30日，粤剧获联合国教科文组织肯定，列入人类非物质文化遗产名录。 黄梅戏，旧称黄梅调或采茶戏，与京剧、越剧、评剧、豫剧并称中国五大剧种，汉族戏曲之一。黄梅戏唱腔淳朴流畅，以明快抒情见长，具有丰富的表现力；黄梅戏的表演质朴细致，以真实活泼著称。一曲《天仙

西方声乐发展历程

一圣咏音乐是美声唱法的萌芽 美声唱法起源于欧洲,它是时代发展的产物.13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐,主要以独唱,齐唱,领唱，说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的产品，他们是有盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱。只是比较初期的声乐表现形式。进入“中世纪”教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样也为各种宗教的附属品。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》。这就成为了最早的合唱形式。公元590年，罗马教皇格里高利一世选编，修订配合教义的《唱经本》。圣咏是欧洲声乐的萌芽，他要求庄严肃穆的演唱配合教学的氛围。 在圣咏音乐流行时期，从11世纪出现了世俗音乐，此后又相继出现游吟歌手，恋诗歌手，名歌手的专业的歌唱者。他们虽无法完全摆脱浓厚的宗教色彩，但已可堪称对宗教韵的大胆突破。 二阉人歌手促使歌唱技巧发展 14世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱方式，出于圣经的古训规定“妇女在教学中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均游男童声代替。这些男童声是被阉割的男童歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐的发展做出巨大贡献。并奠定了“美声唱法”的基础。他们的声带及喉头不会随着年龄的增长而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，他们华丽、轻巧，明亮的声音，宽广的音域能令听众激动不已。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到一个较高的境界。18世纪末，阉人歌手开始走向衰落。 三歌剧和美声唱法的产生 美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响中。当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧中为了效仿希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容，情绪变化以及语音的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色演唱自己的段落的宣叙调演唱方式。为了是宣叙调的演唱更具有古希腊在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满洪亮而咬字清晰、真切并具有穿透力的声音。于是就在前人演唱方式基础上，发展出了美声唱法。卡契尼提出了要以洪亮致远的声音演唱歌剧的要求，蒙特威尔第则进一步是歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界第一座歌剧院，使歌剧从最初的宫廷和柜子的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高必然的促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能力能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的洪亮致远且富于喜剧的美声要求。于是许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧，华丽的嗓音，穿过庞大的乐队音墙，清晰地吧歌声送达剧场的每个角落啊，征服观众。使歌唱艺术达到新的高峰。所以可以说美声随着歌剧二得到极大发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐上的表现。他不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络。而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。透过17世纪欧洲诸多音乐学派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派，罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出他们对美声发展有重大意义。 四美声唱法发展的新时期 进入19世纪，阉人歌手这种不人道的现象逐渐被禁止。歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式。奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱的方式。这是欧洲歌剧的重大转折。为了实现男高音演唱技巧的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过两百多年的教学和长期实践探索，19世纪随着“掩蔽”出现是男声获得稳定的高音，它标志着男高音

音乐表演艺术(1)

音乐表演 音乐表演就是音乐的再创作活动,通过乐器的演奏，人声的歌唱，以及包括指挥在内的多种艺术手段，将乐曲用具体音高的音响表现出来，传达给听众，以发挥其社会功能。音乐表演它是音乐创作与音乐欣赏的中介，是音乐活动中不可缺少的环节。由指挥家,演奏家,歌唱家等通过自己的艺术实践，对乐曲做出不同的解释和表现，从而给听众以不同的影响和感受。 在音乐表演这节课上让我学会了很多宝贵的知识，让我了解了许多在过去都不知道的一些音乐基础知识，而且深深地体会到学生在台上授课的过程中，很容易犯的一些错误，还有在教学过程中要学会合理的控制规划好教学的内容规模与范围，这都是一个教师需要具备的基本能力。让我知道了上好一节好课真的是非常的不简单的，在背后除了要做非常充足的备课收集资料，更重要的是自己需要拥有非常庞大的知识，这样才能解决学生在课堂上所出现的问题。我们现在都是师范类的学生，以后就业就会面临着上课这个模块，所以多上台演讲授课对于我们来说真的有着非常重要的意义。 在这课上老师先让三个研究生来讲课，然后我们对他们的课做出评价，同时他们身上的错误，我们也要借鉴，因为我们身上也会有这些错误发生。例如他们基本都会存在这些相同的毛病：语速偏快，授课的内容太广，没有很好的架构，教学点比较分散。但是他们都有很多的优点就是他们的备课非常认真，涉及知识面很广，他们对授课的内容有着丰厚的知识底蕴，有深入的了解，有去做田野调查，讲课都比较生动，会与学生互相交流，在台上讲课都会比较淡定，比较成熟与稳重。他们作为我们的师兄师姐为我们做出了一个良好的表率，让我们引以为鉴。到了我们本科生演讲，我发现我们真的都会有师姐师兄身上的毛病，但是优点相对比他们要少，这毕竟跟我们的阅历有着很大的关联。其中我觉得欧文涛已经算是不错的，因为他对他所演讲的内容有着非常丰富的阅历，他对演讲的内容有深入了解，更重要的是多年累积下来的宝贵知识。而且我知道他很喜爱声乐，因为这种喜爱，让他不断地拓展自己的领域，所以演讲的时候他比较淡定，得心应手的感觉。在最后第二节课上，陆诗婷同时为我们介绍一段非常有意义的视屏，这段视频就是薛伟的教学视屏《梁祝》。在薛伟的教学上他说：“演奏不是表演一个简单的音符，而是审美层次上的追求。所以音乐的意境情感的层次，比外在的声音的质感和高超的技术，更重要的是它能传情，能动人。音乐表演更重要的就是在细节的刻画，每一个呼吸都能让音乐变得栩栩如生。我真的非常喜欢陆诗婷同学为我们推荐这一段薛伟老师的小提琴教学视频，我觉得这段视频让我对音乐表演有了更深入的理解，不单是停留在很表面上的认识，对音乐表演有了另一番自己的见解与体会。汤润哲同学讲的是声乐演唱中如何克服紧张的情绪，让我们都学会如何在舞台表演中控制不良的情绪，学会在舞台上调整心情，学会怎么样放松才能够在舞台上表演得完美。他们三个人的演讲都各有千秋，是我们班的榜样，他们除了拥有勇气，更重要他们都有丰富的知识与各自在学习过程中的经验与体会，跟同学们分享他们学习的感受与心得，所以我对他们三人都非常敬佩，值得我们学习借鉴。 在课堂上老师曾经播放一段关于朗朗表演学习的经历以及他跟我们分享他一

浅论声乐表演的曲目选择

浅论声乐表演的曲目选择 摘要：声乐表演中曲目选择的好坏会影响表演的成败。对经常参加比赛的声乐演唱者来说，由于曲目选择的失误而导致比赛中原有实力没得到充分展现的例子数不胜数，尽管如此，正确科学地选择恰当的曲目仍然没有得到更多声乐专业人士的重视。本文将从声乐演唱中比较突显曲目选择的重要性的表演形式，如音乐会、比赛等方面阐述正确、科学、恰当选择声乐曲目的意义。 关键词：声乐演唱特点曲目选择重要性 一场成功的声乐演出不仅仅是优美动听的歌声和旋律，它是由很多因素组成的，而且都是我们肉眼所看不见的。比如，作为一名声乐演唱者，首先要具备声乐演唱的专业技能，如自然嗓音、演唱技巧、表演的能力等，这些都属于内在的表现力，虽然可以通过努力来提高，但不是以人的意志为转移的。然而，在具备以上条件的基础上，如果你能根据自身的嗓音、技术、舞台表现力等条件选择一首或几首适合自己演唱的曲目，就能恰到好处地将自己的优势表现出来，往往会有事半功倍的效果。相反，在一些比赛中，有的选手为了得高分，盲目地选择高难度和不适合自己演唱的曲目，结果会让评委和自己处于一种想快点结束演唱的情境，这自然是由于曲目的选择失败所造成的。因此，曲目的选择甚至

会决定一场比赛、一场考试或者一场音乐会的成败。尽管曲目的选择有如此重要的作用，但没能引起业界足够的重视。曲目的选择是有一定的理论和实际依据的，它是建立在科学的基础上，通过对以往经验的不断总结，将经验的理论和现实的实践相结合，本文将在理论的基础上，结合实践来探讨如何才能科学地选择曲目。 一、声乐曲目选择的重要性及意义 首先，曲目的选择不管是在声乐领域还是在器乐领域都有着同样重要的作用。曲目的选择是正确实施教学的前提条件和重要环节，选择恰当曲目才能进行有效的教学，才能更好地锻炼和提高演唱技能。这就要求教师要在教学中把握好教学的尺度，因为曲目的选择直接会影响教学成果和学生的自信心。所以，相对而言，曲目选择是进行有效教学的基石，是将一位学生能否培养成功的关键。有些学者认为，科学恰当的曲目选择是进行基础音乐教育的重要环节，因为它不仅能将已经学到的技术进行强化和巩固，还能使声音的应用能力得到加强、拓展音乐理论知识、培养良好的乐感。总之，合适的曲目会给学生带来一个立体的音乐世界，在这个世界里，学生能够更容易和清晰地了解所要掌握的知识。 其次，目前声乐界关于曲目选择相关的研究成果比较少，但也有一些以实践为例的成果。这些成果主要从曲目的选择直接影响演出的成败，从而得出要选择恰当的曲目的结

歌唱的表演常识

歌唱的表演常识 声乐表演是听觉的艺术，也是视觉的艺术。作为舞台表演艺术，不但要有优美动人的声音、完善的声乐技巧、感人的艺术表现，还要有优雅大方的演唱风度和气派。也就是面部表情、眼神手势、形体动作、姿态仪表等要与歌唱相配合，加强歌唱的艺术表现力，吸引观众，感染听众。 1形体动作 歌唱艺术首先当然是以歌声来表现感情的。但是，如果我们唱一首歌，从头到尾站着一动不动，就会显得太死板。现代歌唱表演应是听、视合一，既要有感人动听的声音形象，也要有优美大方的形体动作，这才是完整、美好的演唱。因此，适当的形体动作十分常必要的。 歌唱的形体动作是辅助歌唱表演的一种手段。形体动作与歌声一样，要发自内心，情动于中而形于外，就是一切歌唱的外部形体动作，都来源于内心的感受，都从作品的内容和感情出发，切记在外形上故做姿态，无目的地乱动。在放声歌唱时，不到感情发展的必要时刻，切勿手舞足蹈，身体随意的晃动。形体动作只是作为歌唱的一种辅助，一定要做到恰倒好处，不能喧宾夺主。一些个人的习惯动作，千篇一律的手势，非但不美观，而且还会破坏歌曲的艺术表现，影响听众的情绪。 我国的民族歌唱艺术，除了注意唱功以外，将“做功”（形体表演）也置于十分重要的地位。在舞台上的一举手、一投足，都讲究形体美。恰当优美的形体动作与动人的唱腔紧密配合，又唱又做，又演又说，在舞台上生动活泼，大大加强了歌唱艺术的表现力。我国很多从事民

族声乐的歌唱演员大都继承了这一优良传统，因而受到广大观众的欢迎。 形体表演也是需要训练的，平时练唱时就要注意歌唱站立的姿势，要端庄大方，精神充沛。可适当做一些形体训练，使手势、形体动作优美协调，既要有精、气、神，又要自然放松，不能全身紧张僵硬。除了平时的形体训练外，还应多观摹一些优美的歌唱舞台演出，学习别人在表演上的长处，提高自己的表演能力。 2 眼神与脸部表情 我国的传统声乐都十分重视眼神和脸部表情，要求歌唱时每一个眼神、每一个表情都有“戏”传“神”。歌唱的喜、怒、哀、乐主要利用眉、眼来表现。眼睛是心灵的窗户，是传达内心感情最有表现力的工具，因此在歌唱时要注意发挥眼神的作用。眼神应随着歌曲的起伏而变化，内心要有视象，切忌在演出时挤眉弄眼或眼神空白无物。 3口型 口腔的变化，关系到共鸣、音色和吐字等表现技巧。要有符合歌唱要求的美的口型，并随着歌曲表现的需要而变化运动。假如将口形固定为一种状态也是不对的。有人为了使歌声清脆明亮，不管歌曲内容如何，从头到尾都作微笑状，这样就会使音色的变化和脸部表情陷入僵化，影响歌曲内容的正确表现。 4“台风” 歌唱者在舞台上的姿态，给予听众的印象非常的重要，也非常深刻。演唱者的一举一动，都应是为了完美的表现歌的思想内容，要让听众既在演唱者的歌声中，又在演唱者的姿态举动中受到艺术感染。因此，歌唱者一出台就应该进入表演艺术的境界。

戏曲表演的四种艺术手段唱念做打

戏曲表演的四种艺术手段——唱念做打 戏曲表演的四种艺术手段，也是戏曲表演的四项基本功。唱指歌唱，念指具有音乐性的念白，二者互为补充，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“歌”。做指舞蹈化的形体动作，打指武术和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“舞”。 戏曲在长期发展的过程中，逐渐融合唱念做打各种艺术手段，为搬演故事、塑造人物服务。早在汉代百戏中就有《东海黄公》的节目，通过武术和杂技，表演简单的故事。唐代盛行歌舞，以载歌载舞著称。宋杂剧演出分“艳段”、“正杂剧”、“杂扮”三部分，把歌舞、戏剧、杂耍集于一台，起了相互影响和融合的作用。元杂剧在表演上已有简单的武打。明代弋阳、昆山诸腔勃兴以后，在声乐和舞蹈技艺的结合方面渐趋完善。清乾隆、嘉庆年间，徽调与汉调合流，继承昆、弋的传统，吸收各种地方戏的优点，逐步向京剧演变，大致到了同治、光绪前后，一个以唱念做打多样统一的完整艺术形式才臻成熟。 戏曲剧种为数众多，表演上运用的艺术手段各有侧重。大抵搬演生活小戏的花鼓、采茶等系统的剧种，载歌载舞；由坐唱形式搬上舞台的滩簧、曲子等系统的剧种，侧重说唱；昆曲、高腔、皮簧、梆子系统的剧种，唱念做打四功并重。中华人民共和国成立以来，各剧种相互促进，共同提高，上述差别已逐渐缩小。目前，各剧种大都具备了唱念做打的艺术手段。 戏曲演员按照传统的规程，从小就从唱念做打几个方面接受严格的基础训练，充分掌握了基本的技法和程式，熟悉了各种音乐语汇和舞蹈语汇，而后才能进行艺术创造。戏曲谚语说，“师傅领进门，修行在个人”，“领进门”是指口传身授的传艺，“靠个人”则指个人的揣摩、发挥与创造。戏曲演员幼时一面苦练基本功，一面拍曲学戏，学会几出或十几出传统折子戏后，就开始登台演出，在艺术实践中逐渐学会体验角色，熟悉并发挥唱念做打的艺术功能。缺少基本功，就失去创作的手段；仅擅基本功的技法和程式，也是难于创造鲜明的艺术形象的。 基本功之一：唱 学习唱功的第一步是喊嗓、吊嗓，扩大音域、音量，锻炼歌喉的耐力和音色，还要分别字音的四声阴阳、尖团清浊、五音四呼，练习咬字、归韵、喷口、润腔等技巧。当演员掌握了这一切时，更重要的则是善于运用声乐技巧来表现人物的性格、感情与精神状态。几百年来，戏曲美学中一直有传声与传情的分歧，有的演员侧重音色和唱腔旋律的美，讲究唱出韵味；有的演员则着重中气充沛、字正腔圆，主张首先要唱出感情。卓越的演员大都把传声与传情结合起来，通过声乐的艺术感染力，表现剧中人的心曲。

声乐艺术发展史专题

《声乐发展史专题研究》课程教学大纲 课程名称（中文）：声乐发展史专题研究 课程编号：040102147 教学对象：研究生 预修课程： 课程总学时：54 课程总学分：3 开课单位：鲁迅艺术学院 一、教学目的与要求： 1、声乐艺术发展史从声乐发展史的角度，对西方声乐和中国声乐的历史经验进行了全面的论述，使我们从中了解到，无论是西方国家还是中国，对各种唱法都进行过认真的艺术实践。 2、千百年来中外声乐发展的历史，就是和各种唱法彼此竞赛、互相取长补短的艺术实践过程，任何一种唱法都要经受历史的检验，进而得到声乐家和声乐爱好者的认同。 3、通过对本课程的学习使学生了解西方声乐史及中国声乐史的发展历程，来认识并把握欧洲声乐教育的发展脉络和基本规律，探究美声传统教育理念之精髓及蕴含的深层次理论内涵和人文特质，明晰声乐教育在音乐文化传承过程中的地位及对人类文明发展所产生的影响。 4、中国近现代发展史通过十三章节的内容，以声乐学科历史发展过程中的产生、传播、演变、发展及其作用和影响，论证了中国声乐艺术在声乐史上的地位。通过本课程的学习使学生了解我国的传统民族声乐、戏曲、曲艺、三种唱法及中国民族声乐的发展历程。 5、使学生进一步认识民族声乐，继承我国传统文化中的民歌、戏曲、曲艺艺术精华，同时认真学习、研究和吸取西方声乐艺术中的经验，使我们的民族声乐得到更快发展，早日屹立于世界音乐艺术之林，担当我们的责任。 二、课程简介： 本课程将欧洲声乐史及中国声乐史为研究对象，根据声乐艺术的发展状况及声乐教育的目的、内容、载体、方式、功能、理念等因素的变迁所呈现的差异，将欧洲声乐教育史及中国声乐史依据各自不同的发展阶段，对各阶段的划分依据、基本特征、教育理念、培养方式、理论文献、代表人物及相互间传承关系进行深入探讨，通过归纳西方声乐史上涌现出的著名演唱家、教育家、教育学派及相关的理论和方法，为当代教育者提供更多有价值的史学资料和理论依据，期望对中国美声教育的发展会有所启示和帮助，但不可否认由于歌唱较注重具体实践和个人体悟，因而在其本质特征中有超理论化的倾向，最原始的经验主义教育模式与口传心授的教学方法沿用至今，并在教学中发挥着主导性作用，它致使声乐教育的主观性与崇技性相当鲜明，因此需将音乐史学、声乐学、教育学三学科内容紧密结合。 三、学习方式：（标题为宋体小四号、加粗，正文为宋体五号） 1、讲授：54 学时 2、讨论：学时 3、自学：学时 4、实验：学时

论文：声乐表演艺术欣赏的美学问题

艺术理论论文 声乐表演艺术欣赏的美学问题 美学问题一直是困扰音乐表演艺术发展的重要限制性问题之一，由于美学问题的存在，造成了音乐表演艺术尤其是声乐表演艺术的发展面临着较为严峻的挑战。随着我国居民生活水平的不断改善，审美能力得到了相应的提升，对声乐表演艺术提出了更高的要求：既要满足人们对于美学的追求，又要有效解决表演过程中暴露出的美学问题。因此，针对声乐表演艺术欣赏的美学问题研究，具有重要的现实意义。 一、美学问题对声乐表演艺术欣赏的影响分析 （一）一定程度上限制了声乐表演艺术的发展 由于声乐表演艺术是一种纯粹的听觉艺术，在具体的表演过程中主要突出了乐器的效用，而实际的美学与声乐表演艺术结合后，需要声乐表演必须做到以听众为中心，注意听众的心理感受以及欣赏过程中暴露出的问题，继而进行相应的改进工作，来保证实际的声乐表演艺术得到长足的进步。然而由于声乐表演过程中并没有注意到此项美

学欣赏问题，从而导致听众对声乐表演艺术产生了比较失望的心理，很大程度上阻碍了声乐表演艺术的向前发展。 （二）有效提高了听众的鉴赏水平 作为一门独特的音乐表演艺术形式，声乐表演艺术在欣赏过程中将美学充分纳入其中能够有效的构建出一个优美的意境，从而将听众引入到无限遐想，继而提高了听众自身的音乐鉴赏能力和水平，也将声乐表演的曲目流传到了更广泛的范围中，成为广为表演的世界名曲。比如：《阿兰古斯之恋》，是一首较为经典的提琴曲，在表演者演奏过程中，时而舒缓，时而高亢，时而深沉，不断的调整音乐聆听者的心理感受，将音乐中最优美的一面展现在了听众的聆听过程中，从而将内心紧张情绪以及心理得到了有效的释放，促进了聆听者对美的追求。此曲的演奏不仅带动了声乐表演艺术的发展步伐，也将聆听者的音乐鉴赏能力提高到了一个新的高度。 二、声乐表演艺术欣赏的美学问题具体分析 （一）以聆听者为声乐表演中心 美学问题的实质就在于听众不断提高的音乐鉴赏能力与声乐表演艺术的传统思想发生了较为激励的碰撞，从而引发了聆听者对声乐表演艺术的严苛挑剔要求，而音乐表

戏曲表演的艺术特征(资料)

中国的传统戏剧有一个独特的称谓:“戏曲”。历史上首先使用戏曲这个名词的是元代的陶宗仪，他在《南村辍耕录?院本名目》中写道：“唐有传奇。宋有戏曲、唱诨、词说。金有院本、杂剧、诸宫调。”但这里所说的戏曲是专指元杂剧产生以前的宋杂剧。从近代王国维开始，才把“戏曲”用来作为包括宋元南戏、元明杂剧、明清传奇以至近代的京剧和所有地方戏在内的中国传统戏曲文化的通称。 戏曲的艺术特征主要有： 1、综合性 戏曲作为表演艺术,是时间艺术与空间艺术的综合。 各种不同的艺术在戏曲中是与表演艺术紧密结合的。例如戏曲中的服装和化妆，除用以刻画人物外，还成了帮助和加强表演的有力手段。水袖、帽翅、翎子以及水发、髯口等，都不仅仅是人物的装饰，而且是戏曲演员美化动作、表现人物微妙心理活动、刻画人物性格的重要工具。戏曲的这种与表演艺术紧密结合的高度综合性的特点，是经过了漫长的历史发展过程逐渐形成的。 中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式。它拥有丰富的艺术表现手段。从艺术因素的构成看，戏曲的发展来源主要有 3个：歌舞、滑稽戏和说唱。由于中国历史上从来就有把各种不同的表演艺术集中在一个场所进行演出的传统习惯，这就促进了各种艺术的交流和结合。它的与表演艺术紧密结合的综合性，使中国戏曲富有特殊的魅力。它把曲词、音乐、美术、表演的美熔铸为一，用节奏统驭在一个戏里，达到和谐的统一。这样，就充分调动了各种艺术手段的感染力，形成中国独有的节奏鲜明的表演艺术。 唱：是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式，根据不同的剧种，采用不同的音乐形式。就唱词而言，一般可以分为两种类型，一为曲牌体，如昆曲、高腔等；一为板腔体，如京剧、评剧、各类梆子戏等。 念：是戏曲演出中对人物间的对白或独白的总称，是一种诗歌化、音乐化的戏剧语言。一般的剧种所用念白与剧种所在省份的地方音大致相同。京剧念白有京白、韵白之分，前者用湖广音、中州韵，后者用北京方音稍加变化。昆曲则用韵白或苏白。 做：是对戏曲演员的身段、表情、气派、风度等表演的总称。是戏曲表演的主要组成部分，也是舞台行动的主要组成部分。戏曲的做，多为程式性的动作，大都写意。 打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。 打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。2、写意性 “写意”这个词在绘画中是与“工笔”相对的，用于戏曲则应与“写实”相对。据此，可以说中国戏曲是一种写意的舞台艺术，它不是写实的。戏曲把无限丰富的生活内容凝炼成为极其有限的舞台形象，把实境升华为意境，让观众见一叶而知秋，这是中国戏曲的内在美学规律。许多生活内容，戏曲并不赋与舞台形象，却在观众的想象中展露。“目见”极少，“想见”极多，而“想见”却来自“目见”，戏曲就是在这种虚与实的统一中显现出一幅幅的生活图画。戏曲的音乐、表演、舞美，无不具有写意性。仅从面部化妆看，花脸中的“碎脸”，像个花鸡蛋；马武的胡子是红的；窦尔墩的脸是蓝的；青面虎的脸是绿的。在实际生活中谁也没见过那幅面容，但它却能显现性格特征，这就是戏曲造型的“意象”，而非“实象”。观众决不会说“他不像人” 因为“意象”是从“实象”来的，是“实象”的高度提炼与夸张。它比“实象”更为鲜

西方声乐发展史

19世纪西方声乐流派及其学说的总结与归纳摘要：19世纪随着启蒙运动的蓬勃展开，在法国大革命的影响下，反封建、追求科学成了当时的潮流，法国在这方面走在最前头，巴黎也就成了当时声乐教学、声乐理论研究和歌剧演唱的中心。所以尽管意大利在19世纪涌现了不少杰出的歌唱家及优秀的声乐教师，但19世纪美声学派的代表性人物却大多出现在巴黎。当时的声乐研究在生理学、物理学、声乐理论方面取得了很大的进展。 一、从生理学方面对声乐研究 （一）嗓音研究的先驱者 17至18世纪由于科学不发达，人们缺乏生理学或物理学的知识。当时，有极少数追求真理的医生，了更好地了解人体的构造，就不的不冒着触犯法律的危险，半夜盗尸来作解剖。就这样，逐渐地积累了一些生理学方面的知识，开始了对嗓音胜利的初步探究。早在1703年，法国医生杜达（Dodart）就发表了《发声原理的研究报告》（Memorires sur la Cause de la Voix）一书，提出了“漩涡”（Vortex）理论。他认为。 当气息经过真假声带之间的喉室时，会产生气流的漩涡，因之，使喉部像吹哨子似的发出声音。他的这种说法实际上否定了声带振动的发声的作用，把声带仅看做是吹笛、吹口哨时嘴唇作小孔吹气那样的作用。 这种假说，早在公元2世纪加伦（Galen）就曾提出过。 1741年，另一位外科医生弗兰（Ferrein）从死尸身上切除下来的喉器下面安上供气的设备，吹气做发音实验，证明了声带振动是人体发声的根本原因，从而否定了“漩涡”理论。他所著的《论人声的形成》（Formation de la Voix de l’Homme）一书是最早描写声带振动的著作。 （二）加尔西亚发明喉镜 1854年，马努艾尔·加尔西亚发明了喉镜，这是声乐史上和医学史上一件划时代的大事。这位声乐教师所发明的这面小小的镜子，至今仍为世界耳鼻喉科医生所使用。喉镜的发明促进了人们对嗓音生理学的研究，同时也开创了以人体发生机理作指导的新的教学方法（机理教学法）。喉镜发明后，尽管用肉眼观察只能看到自己的声带的表面，即只能看到声带的长度和宽度，而不看不到声带的厚度在发声过程中的变化，但任然能证实“声门冲击”的理论。他认为歌唱发声中呼吸是基础，声门是关键。不过由于当时的科技条件的限制，他未能作更深一步的研究。加尔西亚是世界公认的美声学派声乐教学和声乐理论的权威。他的“声门冲击”学说，从生理的角度证明了古典意大利美声学派的发声、起音的正确性，并从理论上对美声唱法予以总结，从而使后人可以更加有意识、更加自觉、更加明确地练习正确的发声起音。 （三）“掩盖的胸声“ 1840年，法国医生第德（Diday）和佩特莱坎（Petrequin）写了一份《关于一种新的歌声的研究报告》，大力推荐当年红极一时的著名法国男高音歌唱家杜普雷的“掩盖”唱法。他们是最早从生理学角度来，描述“掩盖”唱法的学者，他们明确地提出降下喉头，用“掩盖的胸声”来歌唱。 （四）横膈膜呼吸法的提倡 1876年，德国医生曼德尔发表了生理学权威著作《嗓音卫生学》（Die Gesundheitslehre der Stimme），首先提出了横膈膜在歌唱呼吸中的作用及其适用方法，极大地影响了19世纪的声乐界。兰佩尔蒂也对之甚为信服，在他的声乐著作中也引用了曼德尔的话。另一位生理学权威，英国的马肯齐爵士也于1887年发表了《发声器官卫生学》一书，大力提倡用横膈膜呼吸法来歌唱。 （五）对于人体发声功能的各种研究 1878年，英国的查尔斯·伦出版《声音的哲学》一书，从主观求证的角度出发，企图以生理解剖学来证明“声音位置靠前”的正确性，企图得出“音越高，声音位置越靠前”的结论。他甚至还主观地提出“假声是从假声带发出”的错误见解。1880年，外科医生班克发表《人声的发声机能》，从生理学上详尽研究了人体发声机能。1890年，他又与布朗合作写了《声音、歌曲和语言》一书，书中指出了窦体和假声带之上、会厌尖之下的喉前庭以及会厌在歌唱中所起的重要作用，对于发声机能作了进一步的研究。他还指出声带活动有“厚”、“薄”、“小”三种机能状态，因之，产生三个声区。1886年，霍华德出版《艺术性歌唱的生理学》。书中详细论述了人体发声器官的机能，并证实只能发出两种

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性 摘要：舞台表演艺术在对流行音乐的表现力方便起到非常重要的作用。每一部音乐作品客观而准确的演绎，都需要用适当的“肢体语言”补充流行演唱的表现手段，通过情感的合理性和理性投入及完备的综合素养的共同协作，才能形成自己独特的音乐舞台表演艺术风格。本文就此课题进行了探讨，希望通过研究能够帮助到流行演唱中的舞台表演。 关键词：流行演唱；舞台表演；重要性 Introduction to pop singing of the importance of stage performance Abstract:In popular singing, in the proper performance means, "body language" by reasonable emotional and rational investment and perfect comprehensive literacy work together, to form their own unique style of music performing arts, stage, objective and accurate interpretation of each music piece. Stage performance art plays an important role in popular music expressive force, this article on the subject are discussed in this paper, in order to pop singing stage performance in the study help. Key words: Pop singing; Stage performance; Importance 音乐舞台表演，在音乐艺术实践中将音乐创作与作品欣赏衔接中起到桥梁的作用，它的技术过程体现着音乐作品从平面形态变为时空形态的变化，也展现着是音乐表演者的音乐表演实践能力。良好的音乐舞台表演能力培养包含：表演技术、技巧；合理情感与理性投入；良好心态；优良的综合素质；恰当“肢体语言”的补充等几方面。 一、丰富的舞台表演是流行歌曲演绎所必须的 出自《音乐美学基础》里有一句话说，音乐是感性的材料，但这声音又并非一般意义上的声音，它是在创造性的基础上建立，在模仿、象征、暗示和表情等表现