论吴冠中绘画中的意境之美
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论吴冠中绘画中的意境之美
作者：杨国丽
来源：《世界家苑·学术》2018年第02期
摘要：“意境”在艺术中是一种情景交融的境界，是艺术中主客观因素的有机统一，它是我国传统绘画表现方式和艺术思想的核心范畴。中国传统绘画追求画面中的“气韵生动”，而这种“气韵生动”就是一种意境美，油画自传入中国，就开始与中国传统文化发生碰撞，我国对于油画和意境之美研究最为深刻的当属吴冠中了，他的绘画作品致力于将中国的传统绘画精神与油画技法结合在一起，通过对客观主体的再现或模仿，传达画家主观的思想情感，把中国传统绘画中的“意境”在油画中接近完美地表现出来了，使油画具有独特意味的中国油画形式。本论文将系统论述吴冠中绘画中的意境之美，并分析其艺术思想对我国当代油画发展的影响。
关键词：意境；气韵生动；当代油画；吴冠中
画家吴冠中，是上世纪我国乃至世界艺坛绘画史上举足轻重的代表画家之一，终生投身于中西绘画语言与思想融合的研究中，把中国传统绘画的意境语言与西方现代绘画的表现手法相结合，利用中国传统水墨方式来表现西方绘画的观念，同时又利用西方的油画艺术形式表现中国传统绘画的意蕴，是吴冠中先生绘画艺术上最突出的成果，他所倡导的油画民族化和中国画的现代化，为我国绘画艺术事业做出了巨大的贡献。欣赏吴冠中先生的作品可以感受到他和自然的对话，这是中国诗性文化与意境精神的对话，绘画作品中饱含中国画影响下深含的意境之美，使他的油画艺术让人回味无穷。笔者认为，深入探究吴冠中先生绘画作品中的“意境”之美，对我国当代油画创作和艺术理论研究都有重要的启发意义。
一、吴冠中绘画中的“写意”趣味
西方没有“写意”之说，却有“抽象”的概念，就其内涵而论，“写意”在“写实”和“抽象”之间，它是写实和抽象的“中庸”，它更具有包容性。吴冠中先生一生不懈的探索东方与西方绘画的语言，将中国文化上的写意与西方的绘画理论相结合，其艺术思想不断在自己的创作实践中运用，经过刻苦的研究吴冠中先生不仅找到自己的绘画形式，并在油画作品中营造着中国写意趣味的“意境”之美。80年代，吴冠中开始为艺术形式辩诬，他认为“美术的东西方结合，简单地说，不是东方的形式加西方的形式，而是中国的审美观与西方的审美观的互相渗透，既要了解中国传统画的优点，又要了解西方美感怎么产生。”吴冠中先生的作品《水巷》，画面中充满节奏感的直立线条，使江南水乡的质朴美跃然纸上，笔触中流露出作者对故乡深深地爱。《北国风光》这一作品，吴冠中运用自己在中国传统画的学习来解构油画构图中的主次关系，艺术作品通过审美形式与载体内容的有机统一，展现虚、灵、空、淡、深、远等精神内涵，让这幅作品既烘托出主景，又让中景和远景的层次得以丰富的展示，而且整幅作品给人雄壮辽阔的意境。吴冠中先生借助自己抽象的形式美，生动的表现出中国传统绘画的意境和韵味，洋溢着中国传统文化的美学精神和民族意识。
中国山水画的意境模板
《中国山水画的意境》教案 一、教材分析： 追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重，小桥流水的清秀恬淡；山间云雾缭绕，小路曲折婉蜒；楼台耸立，船帆点点……让我的感受到画家对故土，对大自然的那份。那份痴性，带给我们充满情趣的，有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂，对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。 本课的设置，旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手，感受山水画独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习，力求改变过去过于注重技巧，过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解，从品味意境、享受意境，到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标 （1）、情感目标：本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解，了解山水画的成就及有关画家，使学生热爱中国传统绘画，感受自然与艺术的丰富多彩，从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。（2）、认知目标：①欣赏中国山水画作品，感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的，是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现，初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界，是山水画的灵魂。
（3）、能力目标：尝试选用（或作）一首小诗或散文，概括地表达出你所喜欢的山水画的意境；或用学过的笔墨技法，画一幅有意境的山水画，并配上自己喜欢的诗句散文。 2、教学重点： 通过对山水画构图、空白、墨色的分析，使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点： 中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么？ 4、学习材料： 教具：多媒体设备，山水画所需用具。 学具：风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。 二、教学过程 （一）图片欣赏，激发兴趣，导入新课 （多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》，这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。 师问：看画面你能想到哪首古诗词？ 生：毛泽东的《沁园春雪》 北国风光，千里冰封，万里雪飘。 望长城内外，惟馀莽莽；大河上下，顿失滔滔。 山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高。 须晴日，看红妆素裹，分外妖娆。 江山如此多娇，
论中国传统绘画的“空白加减法”及其运用
论中国传统绘画的“空白加减法”及其运用 论文摘要：空白在中国古典艺术里是有着极其深刻的渊源，受中国哲学思想思维模式的影响。“静故了群动，空故纳万境”，苏轼的这一诗句可以说是中国画“空白加减法”很好的写照。本文从中国传统绘画中“空”的表现形式、中国传统绘画中“空”所蕴含的哲学观、中国传统绘画中“空”的抽象运用等级个方面探讨中国传统绘画的“空白”空间及其运用。 论文关键词：传统绘画,空白,加减,运用 中国水墨画艺术的“空白”运用深层积淀是以中国古典哲学与中国传统美学的基础的，也就必然重视作品中“意象空白”的美学意义，因为中国艺术的存在形式是以这种“自知加减”的思维方式来决定的，其中进一步领悟到老子“知其白、守其黑”的审美意义。它总是会继承过去的优秀部分，而加入时代进步的部分，在创作的程式中强调笔墨意识的同时，也把“空白”的审美价值放在了重要位置。 一、中国传统绘画中“空”的表现形式 1．疏可走马 在绘画中疏密关系的表达大致可分两类，一是符合客观情理的疏密变化，根据现实中景物的不同而构造的疏密情况，通常我们在一般意义上的绘画中便能察觉，另一类是经过缜密的艺术构思，通过艺术化的加工处理将画面中的繁密或疏简布置于作品全局，使画面达到繁不嫌塞，疏不嫌空，可谓密不透风，疏可跑马的艺术高度。疏密与繁简互有异同，相辅相成。 传统水墨画特别强调用笔用墨的疏密关系，“疏可走马，密不透风”，便是对这一关系的总体概括，中国传统绘画的疏密关系是靠空白来完成的，“空白加减法”的运用程度直接影响着整幅作品的节奏感。“加法”不一定密，“减法”不一定疏。上部密下部疏，但是密中有疏、疏中有密，加中有减，减中有加。这就是布局中所谓的繁简和疏密相间，繁密的布局中，可山峦重叠，简疏的画中疏树横坡，就如王蒙与倪云林的画，一密一疏间，各有其趣，何其乐哉。 2.计白当黑 在长期的绘画实践中,历代画家们正是在这一传统哲学理论的指导下,总结出了一整套关于空白的规律，有时候“减法”也可以当做“加法”来运用自如。画家们提出“计白当黑”、“知白守黑”等法则,使中国画的创作表现进入了一个新的高峰。清人汤贻汾深有感触地说，人但知有画处是画，不知无画处皆画，画之空处全局所关，王昱在《东庄论画》中也这样讲：“奇者，不在位置，而在气韵之间；不在有形处，而在无形处。”[1]戴照似乎说得更为贴近国画创作实际。在他们看来，传统绘画中最突出的地方，不在实处，而在无笔无墨的空白处。笔墨不着的空白处，为何却成了一幅画最紧要之处？清代华琳在《南宗抉秘》中道出了个中原委：“于通幅之留空白处尤当审慎。有势当宽阔者窄狭之，则气促而拘；有势当窄狭者宽阔之，则气懈而散。务使通体之空白，亦即通之龙脉矣。”[2]有黑才有白，有了黑色的“加法”在画中的绝妙运用，“减法”才能在画中因此而妙了起来。画面中的空白并不是虚无他物，只是偶然的表现，其中贯彻着独立的审美价值。 正如清代王夫之所说：“凡虚空皆气也，聚则显，散则隐，隐则人谓之无。”正是居于上述认识，历代国画家都很重视构图布白的问题。”[3]柳宗元《江雪》诗:“千山鸟飞绝,万径人踪灭。孤舟蓑笠翁,独钓寒江雪。”可谓是一幅减笔水墨图，运用大片空白,渲染了寒江雪霁的气氛。 3.大象无形 “大象无形”一语出自老子《道德经》第四十一章。"大象无形"可以理解为：世界上最伟
中国传统绘画的主要种类
中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强
吴冠中主要艺术观浅析
单位代码 10642 密级公开学号 200710044029 学士学位作品评论 吴冠中主要艺术观浅析 评论作者：史静 指导教师：肖宇窗 学科专业：美术学 提交评论日期：2011 年03 月16 日 评论现场讲评日期：2011 年05 月18 日 学位授予单位：重庆文理学院 中国 重庆 2011 年03 月
目录 摘要 (2) Abstract……………………………………………………………………… X 引言…………………………………………………………………………… X 一、电子商务…………………………………………………………………X (一)Internet……………………………………………………………… X 1、XXX ………………………………………………………………………X (1) …………………………………………………………………………X 二、网络…………………………………………………………………………X 参考文献：………………………………………………………………………X 致谢：……………………………………………………………………………X 附表(可有可无) ………………………………………………………………X 目录 摘要 (1) 一、吴冠中简介 (1) 二、主要艺术成就 (2) 三、吴冠中主要艺术观浅析 (2) （一）、关于“绘画的形式美” (2) （二）、关于“意境” (3) 四、结束语 (4) 参考文献 (4)
吴冠中主要艺术观浅析 2007级美术学2班史静指导教师：肖宇窗 摘要：在吴冠中50多年的从艺道路上，可谓曲折艰辛，在这过程中虽然条件非常艰苦，但多年来他依然坚持自己的艺术观和人生观，不断的努力奋斗，形成了他自己独特的艺术风格，并提出了诸多艺术观，如“绘画的形式美”、“关于抽象美”、“意境”等。在他的众多的艺术观中，本文从吴冠中的主要艺术观进行了分析，并结合他的作品来进行品评。 关键字：吴冠中；形式；意境；中西融合 一、吴冠中简介 吴冠中1919年出生在江苏省宜兴的一户普通家庭，由于家贫，而身为长子的吴冠中更是要靠着自己的努力奋斗立身。所以自小学以来，他的成绩经常名列全班第一。直至1936年误入艺途，在艺术学院里，他先后受林风眠、吴大羽、潘天寿、雷圭元等教授的教学，而该校是以中西结合为方向的教学，就为他之后的“中西融合”的探索奠定了基础。毕业后任教于国立重庆大学建筑系，后又考取了教育部的公费留学。 1947年吴冠中正式到巴黎国立高级美术学校学习。在巴黎学习期间，他跑遍了巴黎的博物馆，还受到苏弗尔皮教授的教学，也是苏弗尔皮教授启发了他对“西方艺术品位，造型结构，色彩的力度”等的认识，学到了造型艺术的形式规律。1950年回国，先后在各大学院任教。而后，吴冠中一直都致力于中西融合的探索，以及对形式美的竭力主张。 二、主要艺术成就 吴冠中在艺术领域对中西方绘画的差异、形式与内容上探索、中西融合的探索作出了巨大的贡献，并提出了诸多艺术观。他的“论绘画的形式美”渐渐开启了国内对于形式、材料等方面的关注，对传统笔墨观念进行了丰富。形式美是一种相对独立的审美对象。关于“意境”，吴冠中则认为人们会被绘画中的形象之美而陶醉，吸引我们的是画中宁静的形象而不是题目，语言是不能表达形象中的意境。在“中西融合”上，他作出了对中国传统绘画形式和传统绘画线条的变革，形成自己的艺术风格。他曾说过，“对我来讲油画和水墨画都一样，都是为了探索一条自己的道路，我的绘画道路是‘油画—水墨—油画—水墨’不断循环往前走，在交叉中找到他们的优点”。在他曲折的探索道路中，一直坚持自己的人生观及艺术观，将西方绘画的形式规律运用到自己的水墨画中，又将中国水墨画的意境用于油画中。这样的交叉循环，形成自己独特的绘画风格。由此可见，吴冠中对中西方的绘画提出了自己独到的
浅谈中国传统绘画的特点
浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功
夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己
中国著名书画作品欣赏
中国著名书画作品欣赏 1、清华嵒《墨竹》立轴【赏析】华嵒是清代雍正、乾隆时期成就最高的画家之一。画中有“山人写竹不加思，大叶长竿信笔为。但恐吟堂霜月夜，老鸦来踏受风枝。”简短四句诗，表现出画家豪放不羁的情怀。画面可谓精当简洁，湖石瘦而透，出于随意变化的湿而整的笔致，修竹新篁，笔意隽逸。3、慈禧书法【赏析】“望隆梅鼎资调燮，宠渥芝纶介寿康”。这件作品用笔粗壮厚重，装裱华丽大气，较为恰当地显示了慈禧太后的特殊地位与作品内容的喜庆色彩。 5、李可染《迎春图》镜心【赏析】李可染除以山水画名震中外画坛外，还非常喜欢画牛。他画的牧牛图形神兼备，意境清新美妙，充满生趣和诗意。牛背上，稚气的牧童悠然自得，寥寥数笔，他便勾出一幅质朴而生机盎然的田园小景。 6、米芾《淡墨秋山诗帖》【赏析】此帖运笔如刷，笔力雄健，结态造势宽展肥美，当为米芾中年书法之精品。此帖流传有绪，历代著录于《墨缘汇观》、《石渠宝笈续编》，刻入《三希堂法帖》。藏于北京故宫博物院。释文：淡墨秋山画远天，暮霞还照紫添烟。故人好在重携手，不到平山谩五年。 7、傅抱石《屈原》【赏析】画中的屈原昂首独行，瑟瑟的秋风，吹拂着他的头发和衣衫。身后是芦苇丛生的江潭泽畔，前方是苍茫浩瀚的汨罗江水，他“宁赴湘流”，也决不“蒙世俗
之尘埃”。画家以精细的线描用心勾画了屈原的形象，而将大片画面让与江水，使得观者在聚焦屈原的同时，感受到一种孤独无助的悲凉。8、赵佶《欲借风霜二诗帖》【赏析】徽宗在艺术上有多方面的成就，能书善画，书法称“瘦金体”。此《欲借风霜二诗帖》是纸本，楷书，33.2 x 63公分。台北故宫博物院藏。由两首七言与五言律诗合并而成，也名为“欲借、风霜二诗”帖。9、吴冠中《乡村》【赏析】这幅《乡村》是是一幅极具吴冠中个人特色的墨彩画。乡村的题材，景物的轻描，和谐的氛围，厚重的墨汁点化出层层的户落。作者似乎在以鸟瞰和俯视的姿态，告诉我们什么是生活，什么是乡村生活，风筝线不断，乡情更不会断。10、丰子恺《买粽子》【赏析】朱自清先生在看了丰子恺这幅题为“买粽子”的画后曾说过：“上海也不曾委曲你，瞧你那买粽子的劲儿。”是两个小孩子将篮子从楼上的窗下垂下街口买粽子，这些画，和丰先生的文字一样，性灵自在其中，充满生活情味。 11、张大千《荷花》【赏析】此幅作于1944年，那时的大千已经是名满天下，笔下的荷花更具物理、物情、物态。这幅《荷花》是张大千的代表作品，落落大方，雅俗共赏，娇艳而不俗，沉着而不浮，生动而不匠。徐悲鸿曾说：＂张大千的荷花，为国人脸上增色＂，绝非过誉之辞。12、怀素《自叙帖》局部【赏析】《自叙帖》是怀素晚年草书的代表作。通篇为狂草，笔笔中锋，如锥划沙盘，纵横斜直无往不收；
论吴冠中绘画中的意境之美
龙源期刊网 https://www.sodocs.net/doc/533435804.html, 论吴冠中绘画中的意境之美 作者：杨国丽 来源：《世界家苑·学术》2018年第02期 摘要：“意境”在艺术中是一种情景交融的境界，是艺术中主客观因素的有机统一，它是我国传统绘画表现方式和艺术思想的核心范畴。中国传统绘画追求画面中的“气韵生动”，而这种“气韵生动”就是一种意境美，油画自传入中国，就开始与中国传统文化发生碰撞，我国对于油画和意境之美研究最为深刻的当属吴冠中了，他的绘画作品致力于将中国的传统绘画精神与油画技法结合在一起，通过对客观主体的再现或模仿，传达画家主观的思想情感，把中国传统绘画中的“意境”在油画中接近完美地表现出来了，使油画具有独特意味的中国油画形式。本论文将系统论述吴冠中绘画中的意境之美，并分析其艺术思想对我国当代油画发展的影响。 关键词：意境；气韵生动；当代油画；吴冠中 画家吴冠中，是上世纪我国乃至世界艺坛绘画史上举足轻重的代表画家之一，终生投身于中西绘画语言与思想融合的研究中，把中国传统绘画的意境语言与西方现代绘画的表现手法相结合，利用中国传统水墨方式来表现西方绘画的观念，同时又利用西方的油画艺术形式表现中国传统绘画的意蕴，是吴冠中先生绘画艺术上最突出的成果，他所倡导的油画民族化和中国画的现代化，为我国绘画艺术事业做出了巨大的贡献。欣赏吴冠中先生的作品可以感受到他和自然的对话，这是中国诗性文化与意境精神的对话，绘画作品中饱含中国画影响下深含的意境之美，使他的油画艺术让人回味无穷。笔者认为，深入探究吴冠中先生绘画作品中的“意境”之美，对我国当代油画创作和艺术理论研究都有重要的启发意义。 一、吴冠中绘画中的“写意”趣味 西方没有“写意”之说，却有“抽象”的概念，就其内涵而论，“写意”在“写实”和“抽象”之间，它是写实和抽象的“中庸”，它更具有包容性。吴冠中先生一生不懈的探索东方与西方绘画的语言，将中国文化上的写意与西方的绘画理论相结合，其艺术思想不断在自己的创作实践中运用，经过刻苦的研究吴冠中先生不仅找到自己的绘画形式，并在油画作品中营造着中国写意趣味的“意境”之美。80年代，吴冠中开始为艺术形式辩诬，他认为“美术的东西方结合，简单地说，不是东方的形式加西方的形式，而是中国的审美观与西方的审美观的互相渗透，既要了解中国传统画的优点，又要了解西方美感怎么产生。”吴冠中先生的作品《水巷》，画面中充满节奏感的直立线条，使江南水乡的质朴美跃然纸上，笔触中流露出作者对故乡深深地爱。《北国风光》这一作品，吴冠中运用自己在中国传统画的学习来解构油画构图中的主次关系，艺术作品通过审美形式与载体内容的有机统一，展现虚、灵、空、淡、深、远等精神内涵，让这幅作品既烘托出主景，又让中景和远景的层次得以丰富的展示，而且整幅作品给人雄壮辽阔的意境。吴冠中先生借助自己抽象的形式美，生动的表现出中国传统绘画的意境和韵味，洋溢着中国传统文化的美学精神和民族意识。
中国山水画的意境分析
《中国山水画的意境》教案 一、教材分析: 追求意境的表现是中国传统教学思想的重要组成部分,是中国画的重要特征之一。山水画中高山大川的雄浑厚重,小桥流水的清秀恬淡;山间云雾缭绕,小路曲折婉蜒;楼台耸立,船帆点点……让我的感受到画家对故土,对大自然的那份。那份痴性,带给我们充满情趣的,有独特意境的美丽享受。意境是山水画的灵魂,对意境的创造是山水画家毕生追求的艺术境界。 本课的设置,旨在引导学生从认识山水画所表现的意境的美入手,感受山水画 独特的艺术美感。了解画家是怎样通过笔墨的运用、构图的安排、虚实的处理来实现对意境的营造的。对于山水画的学习,力求改变过去过于注重技巧,过于强调皴法而无暇顾及在画中表现意境的现象。让学生对中国画的精神与特点有一整体的了解,从品味意境、享受意境,到用笔墨大胆、自由地表现意境。 1、教学目标 (1)、情感目标:本课注重培养学生对中国山水画的分析、理解,了解山水画的成就及有关画家,使学生热爱中国传统绘画,感受自然与艺术的丰富多彩,从而更加热爱大自然、热爱生活、热爱我们伟大的祖国。 (2)、认知目标:①欣赏中国山水画作品,感受历代画家是如何用山川之景抒画家之情的,是如何在丰富多彩的自然美中表达中国人的自然观和审美观的。②分析山水画作品中意境中表现,初步理解对意境营造是画家追求的艺术境界,是山水画的灵魂。 (3)、能力目标:尝试选用(或作)一首小诗或散文,概括地表达出你所喜欢的山水画的意境;或用学过的笔墨技法,画一幅有意境的山水画,并配上自己喜欢的诗句散文。
2、教学重点: 通过对山水画构图、空白、墨色的分析,使学生了解中国山水画是怎样表现意境 3、教学难点: 中国山水画与西方风景画在思想、技巧和形式上的不同点是什么? 4、学习材料: 教具:多媒体设备,山水画所需用具。 学具:风景照片、山水画、纸、墨、笔等中国画的必需用品。 二、教学过程 (一)图片欣赏,激发兴趣,导入新课 (多媒体课件画面出现关山月傅抱石的《江山如此多娇》,这幅画是他们共同合作专门为装饰人民大会堂而绘制的大型山水画。 师问:看画面你能想到哪首古诗词? 生:毛泽东的《沁园春雪》 北国风光,千里冰封,万里雪飘。 望长城内外,惟馀莽莽;大河上下,顿失滔滔。 山舞银蛇,原驰蜡象,欲与天公试比高。 须晴日,看红妆素裹,分外妖娆。
论中国传统绘画的审美特点
论中国传统绘画的审美特点 摘要：中国传统绘画有着深厚的文化底蕴和独立的价值取向，承载着中国人独特的审美意识和艺术哲学。中国画线条的节奏与韵律美的特征，笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美等，这些都赋予了它独特的审美价值和内在属性。 关键词：线条、笔墨、意境、和谐 中国传统绘画有着鲜明的民族属性和悠久的历史渊源，并且这一艺术形式在世界绘画史上也占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。绘画的一般审美特征主要表现在线条美、色彩美和构图美上，而中国传统绘画在其基础上又有独特的美学体系。这主要表现在中国画线条的节奏韵律之美、笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美。这些审美特征构成了中国传统绘画的外在形式之美和内在精神之美，是中国传统绘画经久不衰的灵魂之所在。 一、线条的节奏韵律之美 线条是中国传统绘画独特的艺术语言，构筑着延续了几千年历史的中国绘画艺术。线条美是构成绘画形式美的一个重要形式，凌继尧曾说：“中国画的笔法不是静止立体的描绘，而是流动的，有节奏的线纹，借以象征宇宙生命的节奏。比较中西方绘画，可以发现这一特点。希腊的画，如庞贝古城遗址所见的壁画，远看如重的雕塑，他们强调对称、比例、平衡、整齐；而中国古代花纹图案或汉代壁画，则是飞动的线条。中国人物画也是一组流动线纹的有节奏的组合。”[1] 线是中国画造型的基础，从留存至今的新石器时代陶器上，可以明显的看出描绘几何形纹样的线。至殷周时期，人们在铜器上描绘的狩猎、交战及动植物形态等已把“线条”的应用提升到中级阶段，除了表现形之外，同时也表现了动态。继而汉代时期绘画用线表示动态的能力达到了高峰，如汉代壁画中奔驰的马及人物画等，到了晋代，顾恺之的《洛神赋图》和汉代壁画虽同为线条，但感觉已大不相同，这时的线不仅只是表述形态，同时对物象质感的表现及线本身的形式美已有所发展。至唐代线已可以成功得表现出物的质感，如唐代张萱的《虢国夫人
吴冠中油画作品欣赏(7)
吴冠中油画作品欣赏（7） 草原风景油画1989年作 印度风景油画1987年作 夜咖啡油画（珂罗版）1989年作 巴黎协和广场画布1989年作 香港夜景珂罗版画 此作表现了香港维多利亚湾繁华的城市景色。画家用抽象的色块和线条概括了香港的高楼、广告牌和灯光，给人以富丽堂皇的视觉效果。此作乃是油画原作的有限印刷品，发行数量极少。巴黎蒙马特1989年作 一九八九年，在巴黎之行中，吴冠中共绘了三件以蒙马特为创作题材的作品，分别取景于蒙马特的街头，本幅取景于咖啡馆林立的Place du Tertre，以巴黎著名的餐厅Le Consulat 为画作主角，街道背后高耸的圣心堂伴随着蓝天白云，点绘出画家当时愉快喜悦的心境，画中街道背后隐约可见圣心教堂。 鸽子油画木板1989年作 塞纳河畔1989年作 塞纳河1989年作 塞纳河风景布面油画1991年作 巴黎公路画布1989年作
巴黎大皇宫油画1989年作 吴冠中先生此件油画作品题为《巴黎─大皇宫》，作品构图简洁，色彩明快亮丽，兰色的塞纳-河上是巴黎最著名而且最多人拍照的亚历山大三世桥，周围绿树环抱，桥的一端这座雄伟壮观的白色园顶建筑便是举世闻名的大皇宫。整个画面所采用的灰白色调将巴黎这座国际大都市在喧闹之余所 呈现出的宁静祥和的气氛表现的淋漓尽致。 荷塘清趣1989年作 绍兴湖 江南水乡油画1989年作 高原人家画布1990年作 倒影油彩画布1990年作 布面油画1990年作 命名为《夜》的作品，总是让人不由自主地联想到米开朗琪罗为美第奇家族礼拜堂制作的不朽群雕《昼、夜、晨、昏》，这一组伟大的雕刻，曾以象征性的手法，将文艺复兴时期纷繁复杂的精神内涵展现在人们面前。站在吴冠中的《夜》面前，人们将不得不说同样的话，这次被展现的，不是一个时代的宏大的精神，而是整个现代的灵魂。画家不惜用成片的黑色涂抹这寸土寸金的画面；把用阔大的笔触把这纪念碑一般、却带着令人心碎的柔弱的女体，呈送到我们面前：她俯伏在她的手臂上，她的身体作极不舒服的扭转，我
浅析吴冠中的绘画特点
浅析吴冠中的绘画特点 点、线、面三大绘画要素在画家吴冠中的笔下，形成了独特的视觉语言。艺术形态的构成离不开点、线、面的构成要素。将三者构成要素与色彩、肌理在画面中进行有机融合，释放出最朴实、最震撼人心的艺术魅力，他的画简洁不喧哗，给人一种宁静而致远的感觉，简洁的画面中带有一种倔强而儒雅的力量，给人以极大的审美享受。 一、吴冠中与吴冠中绘画 （一）、吴冠中生平。吴冠中是20世纪现代中国绘画的代表画家之一。他坚持不懈地探索传统与现代、东方与西方的融合之美，形成自己独特的绘画艺术语言，在自己的作品中实践着“油画民族化”、“中国画现代化”的创作理念。他执著地守望着“在祖国、在故乡、在家园、在自己心底”里最真切情感，表达了民族和大众的审美需求。他的绘画情感的流露和他的成长经历息息相关。吴冠中，1919年出生于江苏省宜兴县。1942年毕业于国立艺术专科学校，1946年考取教育部公费留学，1947年到巴黎国立高级美术学校。1950年秋返国。他所经历过的艺术之路-平穷，文革，留学。妻子在背后对他绘画的支持和痴迷与他的成就是分不开的，正因为妻子的一生相随，他的画风多了一份温情。 （二）、吴冠中绘画。吴冠中创作取题材广泛，来源于对故乡的热爱，终生研习、创作着他身边所有一草一木，一砖一瓦。他将生活中极为普通的事物置入极为简洁的画面中，营造出一种最奇特、最简洁、最和谐的艺术氛围中，其中点、线、面不同的排列组合，都会产生妙趣横生的视觉享受，给人以无穷的奇思妙想。在吴冠中看来，艺术最重要的是通过恰当的艺术形式传递思想和感情。吴冠中大量的作品是从现实的生活中提炼和概括抽象的语言—视觉造型符号，借景生情，试图把自己所有的情感倾泻在绘画创作中。 二、点、线、面与点、线、面情感表达 （一）、抽象手法。吴冠中的作品是极具简洁的，吴冠中绘画中暗含的构成关系，对具体的事物深入的感受并进行概括和提炼，合理的布局使每一条线的穿插、每一个点的位置，以及虚实浓淡的变化，都恰如其分，去掉对事物细节表现，更能让人产生无限的想象。 1、“点”在现代几何图形中没有长、宽、厚，而只有位置。是画家在创作画面时，从具象到抽象，从复杂的视觉世界中提取出来的最为简单的视觉语言元素。“点”在画面上的运用使得空间变得更加意象了。我们欣赏吴冠中的《播》中，画面中散落着无数的大点小点虚实错落的在画面中穿插，像是在空间中不停的扩散和运动给人以无限的想象，使画面具有了特殊的神韵。 2、线，有曲直、长短、粗细、宽窄之分，不同的线起着不同的效果。如直线给人直接、安宁、简洁、阳刚的感觉，斜线给人以惊险、倾倒、不稳定的的感
吴冠中国画赏析
吴冠中国画作品赏析 我曾将油画和水墨比之陆路和水路，我是水陆兼程者。兼程当然比单程辛苦，但兼程较易克服单程者所遇山穷水尽的困惑。这其实也是继承与吸取外来的关系问题。作者有国籍，作品却无国籍之限，因人情与审美最终是相通的，隔膜毕竟只是一个历史阶段现象。 ——吴冠中 吴冠中，1919年生于江苏宜兴农村。1942年毕业于重庆国立艺术专科学校。1947年考取公费留学法国，在巴黎国立高等美术学院进修油画。1950年回国后，曾任教于中央美术学院、北京艺术学院、中央工艺美术学院（后随中央工艺美术学院并入清华大学美术学院）。曾先后在北京中国美术馆、香港艺术馆、台湾历史博物馆、新加坡国家博物馆、大英博物馆、美国底特律四家博物馆、巴黎塞纽齐博物馆等处举办个人画展数十次。国内外已出版画集和文集近百种。第六、七届全国政协委员，第八、九、十届全国政协常委。1990年获法国文化部文艺最高勋位，1993年获巴黎市勋章，2002年入选法兰西学士院终生通讯院士。2003年被中国文联授予金彩奖。终生探索中西艺术结合之路，迄今兼作油画与水墨画。 吴冠中弃理工，投人文，跳入不可衣食的艺术苦海，背负丹青。从东方到西方，又从西方回到东方，他把艺术当性命，一路独行，世称艺术“苦行僧”。苦行僧，艺道煎熬痴情，苦作耕耘，世俗粉脂去尽，铁骨一身，满腔热血守望艺术精神。 描绘江南水乡是吴冠中作品中典型风格的代表和最著名的题材。作为生于江南、长于水乡的画家，他对江南水景有着浓厚的深情。如此深深的烙印与真切的情怀，使得其笔下的水乡流露出情真意浓的雅致与灵秀。吴冠中早期水墨画中，最著名的代表作、被中国美术馆收藏的《双燕》，既是典型的以水乡为题材的作品。十分巧合也倍显难得的是，此幅水乡作品中也出现了一双飞燕虽此双燕非彼双燕，但同样在增加作品本身意境与情趣的同时，也注入了不同一般意义与别样的情结。
吴冠中简介(新版)
吴冠中简介(新版) 一、人物简介 吴冠中(20张) 吴冠中（1919年至2010年6月25日），江苏宜兴人。主要成就：法国文艺最高勋位。油画代表作有《长江三峡》、《北国风光》、《小鸟天堂》、《黄山松》、《鲁迅的故乡》等。文学代表作有《古代英雄的石像》等。 二、艺术成就 被“中国抽象国画之父”、“世界经济哲学之父”朱明誉为：[1]“中国大师级艺术家”。 三、艺术生平 1942年毕业于国立杭州艺术专科学校，曾任教于国立重庆大学建筑系； 1946年考取教育部公费留学； 1947年到巴黎国立高级美术学校； 1950年秋回国；先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院。 2010年6月25日23点52分吴冠中先生在北京医院逝世，享年91岁。 四、吴冠中讣告 清华大学在26日发出的讣告称：我国杰出艺术家，艺术教育家，中国共产党党员，第八、九、十届全国政协常委，中国美术家协会顾问，法兰西学院艺术院通
讯院士，香港中文大学荣誉文学博士，清华大学教授吴冠中同志，因病医治无效，于2010年6月25日23时57分在北京逝世，享年91岁。遵照吴冠中生前遗愿，不举行遗体告别仪式，不开追悼会；清华大学为其举行追思会。 五、从艺历程 从无锡师范初中部毕业后，吴冠中考入浙江大学代办省立高级工业职业学校。1936年转入杭州艺术专科学校，从李超士、常书鸿及潘天寿等学习中、西绘画。1942年毕业，任国立重庆大学助教。1946年考取公费赴法国留学。1947～1950年在巴黎高等美术学校J?苏弗尔皮教授工作室进修油画；同时在A?洛特工作室学习，并在卢佛尔美术史学校学习美术史，各项成绩优异。 吴冠中1950年秋返国。先后任教于中央美术学院、清华大学建筑系、北京艺术学院、中央工艺美术学院。现任清华大学美术学院（中央工艺美术学院）教授、中国美术家协会常务理事，全国政协常务委员等职。 吴冠中在50～70年代，致力于风景油画创作，并进行油画民族化的探索。他力图把欧洲油画描绘自然的直观生动性、油画色彩的丰富细腻性与中国传统艺术精神、审美理想融合到一起。 从70年代起，吴冠中渐渐兼事中国画创作。他力图运用中国传统材料工具表现现代精神， 吴冠中作品图册(41张) 并探求中国画的革新。 作为美术教育家，吴冠中注重学生艺术个性的培育。作为善思考的艺术家，他又勤于著述，立论独特，而且文字生动流畅。其中关于抽象美、形式美、形式决定内容、生活与艺术要如风筝不断线等观点，曾引起美术界的争论。 六、晚年生活 年近90岁，眼见自己作品在拍卖市场行情越来越高，吴冠中却一反常态将作品捐赠给了各大美术馆。他自己清醒地感觉到：自己的作品，越是下一代的越理解。所以他的作品要尽可能地留下来，留在美术馆，让后面人有所参考。这位身材瘦弱的南方老人以强大的精神力行了自己对鲁迅精神的继续，对社会责任的承担。
浅谈风景油画
摘要 本文通过风景油画历史脉络的梳理，结合中国风景油画的历史，从而对中国当代风景油画发展的传承和现状进行研究。通过对传承和现状的研究，结合自己所创作的个案进行分析，去进一步探索中国风景油画继续发展的轨迹。 关键词：风景油画；传承；创作 引言 直至现在，风景油画因其丰富的内容和多样性的艺术语言风格逐渐成为油画创作的重要形式之一，并成为一门独立的油画学科。一直以来当代中国风景油画的发展现状都备受关注，尤其在风景油画艺术语言的突变上探讨较多，艺术家在创作上不断学习西方油画的技术和语言，结合中国传统的人文精神及审美意识，在东西方艺术文化意识观念的相互交融与碰撞中探索与发展，取得了一些成就，但与西方仍有差距。 一、风景油画历史概要 对风景油画的研究必须知道其历史以及发展状况。油画的发展最早起源于巧世纪以前欧洲绘画，风景油画的发展同油画并非同步的。风景油画最早出现在古罗马时期，最早的风景油画时常出现于人物背景之中，并非独立存在。经历了中世纪的断层期，直到文艺复兴时期了，油画得到空前的发展，大量的优秀作品突显，其奠定了油画风景的基础。到17世纪，荷兰的油画风景有了成熟的面貌，邵大bl先生在《中国山水画与西方风景画的同和异》中也指出“独立的欧洲风景画出现在17世纪的荷兰”。在17世纪逐步成熟的基础上，到了19世纪油画风景进入到了鼎盛。 从历史可以了解到，风景油画在西方油画中并非处于主导地位。从许多的名作中可以发现，风景时常充当人物的背景。例如，列奥纳多.达芬奇的《蒙娜丽莎》，画面中人物占主体，风景只是以很少的比例出现。文艺复兴对西方人而言，有着重要的意义。在这个时期，圣经、宗教相关的神话故事体裁的绘画大量以风景作为背景，渐渐的人们在人与自然间发现且捕捉到了美，于是有了乔尔乔内约在1505年画的《暴风雨》这幅名画，这幅画被誉为是西方绘画中第一幅风
中国传统绘画的特点
中国传统绘画与古典西方绘画的特点对比中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重要的地位，是因为它 代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究 气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果， 讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴 蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己的感情倾注到形象中，使其更具有生命力。在造型过程中，画家的感情就一直和笔力融在一起。笔所到之处，留下的尽为画家感情活动的痕迹。 用笔中的“骨法”、“骨力”也是中国画区别于西方画的重要特征。虽然西方画家也用线条，现代派绘画更追求曲线美，但西方画的线条不像中国画这样具有丰富的变化，同时又有严格的用笔规律和用笔方法。黄宾虹这样总结中国画的用笔：“用笔须平，如锥画沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山坠石。”这是对中国画笔法的高度概括。中国画中虽然有“没骨法”，但此法在着色过程中仍然很注重笔法。要知道，点是有体积的，点是力量的积聚，积力而成的线也有内在之骨。
浅谈中国风景油画作品中的“留白”
浅谈中国风景油画作品中的“留白” 提要 油画自清末传入中国之后，中国的美术家与美术工作者依照中国画的审美观与哲学观，对油画表现特色与表现技法进行了改进，使之具备了浓郁的中国风格。其中，尤其是“留白”的运用，更彰显出中西审美观合璧的特点。“留白”在现代风景油画的重要作用，包括完善构图，丰富黑白灰效果与色彩效果，以及增强画面节奏感，体现东方哲学与审美的精髓。留白在中国传统绘画中的应用是多方面的，因具体情况而异。中国现代风景油画中留白表现，注重中国式的诗意化的“留白”表现，以及用中国画的“笔墨情趣”丰富“留白”表现。中国现代风景油画中留白所表达的韵味、意境，主要有以虚代实，以少道多，以气守形。现代风景油画中的留白技法，是中国风景油画中的一个标志性亮点。 关键词：风景油画；留白；意境；情趣
目录 提要 (1) 一、中国风景油画中“留白”的演变发展 (3) 二、“留白”在中国传统绘画中的应用 (4) （一）云 (4) （二）气 (5) （三）山石 (5) （四）光 (5) （五）雪景 (6) （六）水 (6) （七）树、屋舍、人物 (6) 三、中国风景油画中留白的表现手法 (6) （一）中国画式的诗意化的“留白”表现 (7) （二）注重用中国画的“笔墨情趣”丰富“留白”表现 (7) 四、中国风景油画中留白所表达的韵味，意境 (8) （一）以虚代实，以少道多，用“留白”表现虚无的宇宙观 (9) （二）以气守形，用“留白”强化画面的感染力 (9) 五、“留白”在风景油画中的价值和意义 (9) （一）完善构图，丰富黑白灰效果与色彩效果 (9) （二）有效地增强画面节奏感 (10) （三）体现了东方哲学与审美的精髓 (10) 六、结论 (10) 参考文献： (10)
浅谈中国传统绘画的特点与发展的论文
浅谈中国传统绘画的特点与发展的论文中国国画具有悠久的历史，是中国传统文化的组成部分。 中国国画具有悠久的历史，是中国传统文化的组成部分。国画的艺术创作和思想内容，融入了中华民族的传统意识和审美情趣，充分体现了国人对自然、社会及与之联系的政治、道德、文艺等方面的认识。 纵观中国绘画史的发展，我们会发现，创新并不是现在才提出的问题。对于这一点，画家们似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭。什么是中国画的传统?对此，我们请教了易从字画商城李经理，他根据中国画发展的特点，将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国字画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己的感情倾注到形象中，使其更具有生命力。在造型过程中，画家的感情就一直和笔力融在一起。笔所到之处，留下的尽为画家感情活动的痕迹。 三、中国画在色彩上以墨为主。中国画虽也讲究随类赋彩，但最重要的是画面整体效果。为了整体的需要，对象的色彩可以做大的变动。在中国画中，墨是中国画必不可少的基本色。墨分为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五种。每一种
墨色若运用得巧妙、适当，则会呈现丰富的变化。 传统中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调人景融合，达到以形写神、形神兼备、气韵生动的意境。继承是为了更好地发展，创新的前提是继承前人的宝贵经验。当然，对传统绘画的继承并不是不加思考地继承，而是有选择地继承，且要适应时代的发展。因此，李经理得出结论：“当代画家要创新，不能仅从传统的技法和表现形式出发，而是要结合中国的绘画理论，紧跟时代步伐，并融入自己的审美追求。只有这样，才能有所创新。”