西方古典音乐的发展阶段

发展阶段

欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期第一时期巴洛克时期

这个时期的代表人物有巴赫也称音乐之父，主要作品《十二平均律》、《托卡塔及赋格》；也称清唱剧大师，主要作品《水上音乐》、《皇家烟火》等；的维瓦尔弟（小提琴），主要作品《四季》等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。

第二时期古典主义时期

代表人物，有、莫扎特、等，这三人一起被后人称为“”。这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。而在这一时期贝多芬是最著名的代表。他在音乐上的成就非常之大；是古典乐派的终结者和浪漫乐派的开拓者。主要的代表著有主要作品有交响曲九部（以第三《英雄》、第五《》、第六《》、第九《》最为著名），此外还有《月光奏鸣曲》、《悲怆奏鸣曲》、歌剧《》等大量作品。

第三个时期浪漫主义和民族乐派

代表人物有德彪西、舒伯特、、柴可夫斯基、、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，特征主要是作曲形式多样化，有了一定改革，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。

第四个时期近代主义乐派

代表人物有斯特莱文斯基、格什温、等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有风味，这个时期的作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料；掌握演奏者的再创作，必须要了解世界上著名的、演奏家、著名乐团的基本情况和风格，如：指挥家、伯恩思坦、、小择震尔等，著名乐团、、维也纳爱乐乐团等，他们的指挥与演奏风格。有选择性地购置录音带、CD,要选择著名唱片公司、著名指挥

家和乐团的作品，而且多了解他们再创作过程背景和个性。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。

欧洲古典音乐家生平故事(一)

(2010-12-23 21:40:33)

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巴赫( 1685—1750)

请记住，三百多年来波澜壮阔的欧洲近代音乐的奠基人，他的名字叫巴赫。约翰?塞巴斯提安?巴赫( Johan Sebastian Bach )于1685 年3 月31 日出生在德国图林根的爱森那赫。这是一个富有音乐传统的城市，据说城门上还镌刻着“音乐常在我们的市镇照耀”这样的铭文。巴赫的家庭是一个受人尊敬的音乐家族。他们长期生活在这一带，辈辈相传，以音乐为生，三百年间，有50 多名音乐家见于记载，及至约?塞?巴赫，已是第五代传人。父亲是小巴赫的第一任老师。7 岁起，他就在教堂附属的拉丁语学校上学，因成绩出众，深得老师喜爱。其时，他还经常参加学校的各种演出活动，以补贴学费。10 岁时，父母去世，他遂由哥哥抚养，并担负他的音乐教育。巴赫对哥哥的教学日渐不满，总向哥哥提出种种问题，哥哥常因学力不逮无法作复而恼羞成怒。哥哥藏有前辈著名大师们的作品手抄谱，巴赫很想借来一阅，但屡遭拒绝。巴赫知道乐谱的藏处，每经于此，都不忍离去，情急之中，终于想出了办法。每当夜深人静，趁家人都已入睡，他便悄悄起身取出乐谱，在淡淡的月光下偷偷抄写。半年之后，全部乐谱抄录殆尽。然而，不想就在此时，东窗事发，终于败露。哥哥于气愤之中，不顾手足之情，把巴赫辛辛苦苦半年抄录的乐谱悉数撕毁。巴赫年岁虽小，但生性顽强，为了学习，不怕任何困难。听说汉堡有位著名的管风琴大师技巧相当高超，巴赫心向往之。无奈路途遥远，身无分文，他只好携带干粮，只身徒步前往。凭草垛栖身，饮河水消渴，一路风尘坎坷，巴赫全都置之度外。一次往返180 里，归来时已是双足生满血泡。然而，能观摩大师演奏，聆听大师教诲，小巴赫每次出发之前，从不犹豫。1702 年，巴赫从学校毕业。以其优异成绩，完全可以免试深造，但生计无着，只能就业于阿恩斯塔特城教堂弹奏管风琴。供职后，为提高琴艺，他常常通宵达旦，发奋练习，每逢假日，仍徒步前往汉堡，从老师学习。在鲁贝克教堂任职的布克斯特胡德，是当时北德最杰出的作曲家和管风琴大师，巴赫对他仰慕已久，早盼着一睹大师风采。正巧巴赫获得了为期一个月的休假，他不顾往返640 多里的路程，又一次背起行囊，风餐露宿，徒步走向鲁贝克。布克斯特胡德的作品与演奏，令巴赫大为倾倒。他如饥似渴地向前辈大师讨教，竟流连忘返误了归期。巴赫返回阿恩斯塔特时，已是四个月之后。上司们素来与他有隙，乘机罗列了他的一大堆罪状，除了超延假期可以归为玩忽职守外，还说他在演奏中曾加进怪诞的异端音响，令教友吃惊。各位上司有的指责他在仪式中醉心演奏，时间过长；有的指责他无心演奏，时间过短。尤其可笑的是，指责他未经教会当局许可，就擅将表妹带进教堂唱歌。巴赫见状哭笑不得

，愤然辞职离去了。几经辗转，巴赫于1708 年来到魏玛，就任魏玛公爵的宫廷风琴手。当时的音乐家毫无地位可言，巴赫的姓名与马夫、厨娘列于一册。教堂中，为风琴师特设一间小屋。公爵礼拜时，则开启屋门，以便听见琴声；公爵祈祷时，则关闭屋门，风琴师没有资格在这一场面中露面。在低下的奴仆地位中，巴赫的音乐家声誉却日渐增高。

1717 年，法国著名古钢琴家玛尚来到了德国，在德累斯顿举行音乐会。他恃才傲物，目中无人，视德国音乐家不过芥土。当时，德累斯顿宫廷特别崇尚法国音乐，吹捧逢迎之中，玛尚更是洋洋得意，不可一世。在玛尚的一次音乐会后，巴赫应邀即席演奏一曲。玛尚听了，登时大惊失色。有人提议玛尚与巴赫举行比赛。第二天举行赛事时，只巴赫一位选手出场，玛尚先生早已连夜乘车逃之夭夭了。巴赫的胜利大长了德国音乐家的志气，但他的处境并无丝毫改善。宫廷的区区赏赐也早被宫臣们吞食，进了他们的腰包。巴赫忍无可忍，与公爵不断发生冲突，终于鼓起勇气提交了辞呈。公爵看到一名奴仆竟敢逆忤犯上，勃然大怒，扣留不放。巴赫屡次请求，都未获准。当时有位奎登公爵嗜乐如命。有人说他爱音乐胜于江山，国家支出中的三十分之一都支付了乐队经费。奎登公爵久慕巴赫盛名，听说上述种种后，便深夜派车偷偷去接巴赫，但出师不利，竟被发现。巴赫反遭逮捕，拘禁月余。获释后，他终于离开魏玛，就职奎登，时1717 年岁末。奎登六年，于巴赫来说，是难有的平静，但好景不长。公爵的儿子成婚后，开销增加，乐队经费大额度削减；巴赫自己的孩子们也已逐渐长大，他希望孩子们能在大城市受到高等教育，以避免自己早年间的不足。于是，1723 年他举家迁往莱比锡，在圣弗玛教堂附属歌唱学校任合唱指导。为了这一职位，巴赫不得不忍着极大的屈辱在一份卖身契一样的职责书上签了字。这份文件写道：“我要以举止言行为学生做榜样；我要耐心教育学生；我要服从督学大人和学校首长；我要勤于教导合唱，但也要训练器乐，以节约学校开支；我教的音乐不应过长，也不应与歌剧相像，要吻合听众的虔诚精神；不经批准，我不得在任何大学任职；不经市长批准，我不得擅离本市。”凡此种种。从这个苛刻的文件中，可以想见巴赫处境的困难。首先是生活拮据。当时在德国工作的意大利女歌星的年收入是五千到一万塔列尔(货币名)，而巴赫只有七百，他不得不为区区几文钱忍辱力争。他看到学校教学无序，质量低下，向当局提出改进意见后，竟遭到残酷迫害。当局说他“不服管教，屡教不改”，决定“降薪降职，以示惩处”。偌大世界，巴赫竟再无好去处。他忍辱负重一直留居莱比锡，把精神全部寄托于音乐事业和培养孩子们成长。他的孩子们中有好几位出类拔萃，后来成为世界著名音乐家。1750年7 月28 日，贫病交加的巴赫因眼疾手术无效，与世辞。他的遗体被静静地埋在教堂公墓里，连墓碑也没有。妻子生活无着，从此住进了贫民收容所，十年后，与他在另一个世界团聚去了。巴赫一生写有包括清唱剧《马太受难乐》、《勃兰登堡协奏曲》和《平均律钢琴曲集》在内的500 多部各种体裁的作品，但生前未能得到应有的尊重，大都没有出版。如今，巴赫的音乐已经成为不朽的经典，成为“某种不可企及的标范”。自他之后的每一代音乐家，无不领受着他的深刻影响；自他之后音乐史中的每一步重大发展，无不感受着他的有力推动。巴赫的音乐是人类进步音乐文化中的灿烂花朵，它将永呈瑰丽，与世长存亨德尔( 1685—1759) 在18 世纪上半叶，与巴赫比肩并立的是亨德尔。乔治?弗里德里克?亨德尔 (George Frideric Handel )1685 年2 月23 日诞生在德国萨克森的哈勒。他比约?塞?巴赫早出生一个月，而且出生地相距很近，真可谓天生双璧，日月同辉。亨德尔的父亲是亲王王宫里的理发师兼外科医生。如今我们经常见到理发店门前挂有红蓝相间的招牌，据说表示动静二脉，正是昔日里理发师与外科医师都由一人兼任的遗风。亨德尔从小酷爱音乐，音乐天才早有显露。但是父亲希望他学习法律，以便得到个一官半职。因此，他只能半夜里偷偷爬上屋顶的阁楼，借着月光悄悄练习古钢琴。亨德尔8 岁时，父亲有一天要去音乐爱好者威森非斯公爵家。亨德尔要求父亲带上他，父亲不肯，他就死追着父亲的马车跑，父亲无奈只好同意。亨德尔为公爵演奏了古钢琴，公爵很欣赏他的才华，帮他说服了老亨德尔。这样，亨德尔便被送到哈勒的圣母马利亚教堂接受音乐训练。在老师的悉心指导下，亨德尔日新月异进步很快。12 岁时，父亲去世了。小亨德尔一边坚持学习音乐，一边仍然秉承父教，准备学习法律。然而，由于他在音乐上声誉日增，已奠定了雄厚的发展基础，渐渐地，他就放弃了法律，而专心于音乐了。亨德尔18 岁时，移居当时唯一上

演民族歌剧的德国城市汉堡，并开创作歌剧。亨德尔来到汉堡后，结识了富家子弟马提松。马提松学识渊博，有极高的音乐修养，不仅能写歌剧，还创办了德国的首家音乐杂志《音乐评论》。亨德尔与马提松一拍即合，结成亲密无间的朋友。马提松为亨德尔提供了很多的帮助，但他因社会地位形成的优越感，也常常令亨德尔大不自在。1704 年，正值马提松出外旅行，亨德尔大展手足写了自己的第一部清唱剧《约翰受难乐》。马提松得知后，甚为不满，与亨德尔发生了口角。由此，他们的关系日渐疏远，终于在一次演出中反目为仇。那次演的是马提松的歌剧。马提松自己忙上忙下，既担任主要角色，又要指挥。当他上台表演时，便由亨德尔接替；下台后，又要重新回到指挥台上，准备接受观众的欢呼喝彩。亨德尔忍无可忍，断然拒绝让出指挥位置。盛怒之下，俩人相约决斗。决斗中，马提松刺中亨德尔衣服上的一颗钮扣，这颗钮扣挽救了亨德尔的性命。这时，这一对青年方如梦初醒，泣不成声，从此之后，冰释前嫌，和好如初。25 岁时，亨德尔担任了汉诺威选侯宫廷乐长。其间，他曾两次以青年作曲家的身份出访伦敦。英国的安娜女王非常器重亨德尔的才华，破例任命他为王室作曲家，并赏之以终身年俸。凡此种种足令亨德尔乐不思蜀。选侯几次催他回国，不见回音，至为恼怒。1714 年，安娜女王去世。汉诺威选侯是英国皇室的近亲，因此皇室推举他继承王位，改号乔治一世。新任国王曾因亨德尔久召不归而生芥蒂，亨德尔自知理短不敢露面。一次，一位公爵告诉亨德尔，英王将在次年夏天在泰晤士河举行一次盛大的水上音乐会，以庆祝登基，并将亲自泛舟河上。亨德_尔听后，立即埋头苦干，写出一部管弦乐组曲，名为《水上音乐》。泰晤士河上，金碧辉煌的御舟居乎中央，前后左右簇拥着无数乘有达官显贵们的船只，悠悠然顺流而下，伴随着的是管弦齐鸣。亨德尔和他的乐队坐在尾随英王船的另一条船上。当庆典进行至高潮时，亨德尔指挥乐队演奏起了他的《水上音乐》，英王听到这美妙的乐声，不禁问道：“这是谁写的？”“亨德尔。”英王大惊，君臣间的芥蒂也在这一瞬间化为玉帛。他不但不念旧恶，反而增加了亨德尔的年俸。亨德尔索性于1726 年入籍英国，终身留居未去，此是后话。1719 年，在王室的支持下，亨德尔创办了“皇家音乐院”，他把当时欧洲著名的艺术家纷纷请来任教。由于学院具有演出条件，因此，他专心于歌剧创作，一时间十多部

新作接踵而至，为亨德尔带来更高的声誉。不想就在这时，出现了他的对手博农奇尼。博农奇尼是位意大利作曲家、大提演奏家，1720 年来到英国，创作歌剧。一天不容二日，加上赞助博农奇尼的贵族出于政治原因煽风点火，亨德尔与博农奇尼之间的敌对情绪日益加深。有一首诗描述了这个争斗场面：有人说，比起博农奇尼来，亨德尔先生不过是个笨蛋；也有人说，他比起亨德尔来，作个掌灯的还差一点。奇怪，这一切的差别，就在叽哩呱啦和呱拉叽哩之间。最后亨德尔将博农奇尼战胜，对方于1728 年离开伦敦。然而，经过接二连三的类似争斗后，结果是一损俱损，两败俱伤，亨德尔苦心创建的音乐院也日见式微，终于无法继续支撑。1742 年，亨德尔应邀来到都柏林，看到友人詹姆斯所撰描述耶稣生平的清唱剧《弥赛亚》脚本，歌词是用英语写的，共3 部，分53 章。亨德尔决心为它谱曲。他把全部的心思精力都倾注在这部作品中，废寝忘食，一气呵成，完成这部长达354 页的曲子，仅用了24 天。罗曼?罗兰形容这部作品是亨德尔“蘸着泪水”写成的。同年，《弥赛亚》在都柏林首演时，盛况空前，座无虚席。翌年，在伦敦上演，英王乔治一世亲自到场。当音乐进行到其中的合唱《阿利路亚》时，英王大受感动，情不能禁，肃然起立，全场听众见状也纷纷效法。此后，欧美国家每逢演唱这首合唱时，听众都要肃立聆听，已成规范。1759 年，亨德尔在伦敦的一次《弥赛亚》演唱会后不久，与世长辞。他的遗体安葬在威斯敏斯特教堂。亨德尔终于与帮助他成功的英格兰大地化为一体了。

海顿( 1732—1809)

交响曲，如今已成为最重要的音乐体裁之一，它的奠基人海顿却曾是一位奴仆身份的作曲家。弗朗茨?约瑟夫?海顿( Franz Joseph Haydn)1732 年4 月1 日出生在奥地利南部的罗劳。父亲是制造车轮的工人，很喜欢音乐，不用看谱就能弹竖琴，还会唱歌。母亲是一个虔诚的教徒，辛辛苦苦操持家务，与音乐全然无缘。海顿的家庭虽然穷苦，但充满着亲爱和温暖，每天晚上家里都要举行音乐会。在这样的环境中，海顿从小就爱上了音乐。一位亲戚发现了海顿的音乐天赋，就领他入汉堡神校唱歌学琴。这所学校教学非常严格，为海顿日后的发展奠定了坚实牢靠的基础。由于海顿天生一副好歌喉，8 岁时被维也纳的圣司蒂芬大教堂唱诗班选中。在唱诗班里，他还学会了演奏管风琴和小提琴。

17 岁时，海顿因变声不能再唱歌，教堂想辞退他，一时找不到合适的借口。一天，他无意中剪掉了前座同学的头发，正好授人以柄，被校方革除。出了校门，海顿孤苦伶仃，无以为生，只好流浪街头，靠卖艺糊口。后来，他开始从波波拉学习作曲，并为波波拉的学生弹伴奏。为了一日三餐，穷苦的海顿还必须为老师做奴仆。1752 年，海顿的作品得到了冯贝格男爵的赏识，男爵录用了这位年轻的作曲家，让海顿来宫中为自己写作。1760 年11 月，海顿结婚了。妻子玛丽亚性格乖戾，不喜欢音乐，也不尊重丈夫的工作，常常把海顿的乐谱当废纸来包东西。海顿因此十分苦恼，却也无计可施。海顿29 岁那年来到匈牙利艾斯塔哈基公爵的宫邸任乐长。那时，被雇用的音乐家和主人之间订有详细而苛刻的合同：上班时必须穿号衣戴假发；必须按主人的命令写作；乐曲必须投主人所好；必须按时完成交稿，等等。繁重的差遣，令海顿忙得岌岌乎不可终日，每天上午作曲，中午听公爵训话，下午指挥排练，晚上演出。他还要像监工一样负责乐队考勤，一旦出错，就会遭到痛骂。他要负责管理每件乐器、每张乐谱，要负责给新学员上

课，整天像钟表一样运转。名曰乐长，其实形同仆役。在这样的环境中，海顿无可奈何地工作了30 多年，主人也前后换了四代。1772 年夏天，继位已10 年的第二代公爵出外避暑，乐队当然要奉陪。公爵乐不思蜀，早已忘了归期。乐队队员们思念家人，归心似箭。大家求计于海顿。海顿虽身为乐长，却也无法左右公爵，想来想去，终于有了办法。几天后的一个晚上，一部新写好的交响曲开始了。第一乐章，第二乐章，第三乐章都过去了。“不是说要奏一部不寻常的作品吗？它不是和平常一样吗？”公爵很失望。说话间音乐已进入第四乐章。在一片沉郁的音乐声中，大家忽然看见有两位乐手合上乐谱，吹熄谱台前照明的蜡烛，抱着乐器，从容地从舞台上退下去了。台下人大惊，不知发生了什么事，再看其他的乐手，都依旧安详地演奏。接着，又有一名乐手下去了。陆陆续续地下去了好多位，最后台上只剩下两个人。他们轻轻奏完最后的曲调后，也吹熄了自己的蜡烛。台上漆黑一片。听众都为之瞠然，连鼓掌都忘了。公爵还不至于太愚钝，他终于明白了海顿的用意：大家想走。第二天，便起程返回了。后来，人们给这首乐曲起了个名称，叫作《告别》。1790 年，第三代新公爵继任。他无心欣赏音乐，解散了乐队，念海顿已是三朝元老，便保留了海顿的薪金，让他挂职赋闲。海顿终于有机会到外面的世界透透气了，于是，往返于维也纳和伦敦之间。第二年，他到伦敦在查洛蒙主办的音乐会上发表新作，而后又回到维也纳，写了12 首交响曲，其中包括著名的《伦敦》、《时钟》和《惊愕》。关于《惊愕》交响曲，有一段脍炙人口的故事。听说海顿有一部新作要演奏，伦敦的达官显贵们趋之若鹜，争先恐后地来到剧场。演奏开始了，优雅的第一乐章使听众们飘飘然，宁静的第二乐章又使人们昏昏欲睡。就在这时，忽然间鼓声大作弦管齐鸣，第三乐章惊醒了在座所有人，有不少打盹的听众被这突如其来的晴天霹雳惊得跳了起来，有些贵妇人甚至被吓得差点背过气去。1791 年，英国牛津大学授予海顿音乐博士学位，按规定他要提交一部作品，这部作品便叫作《牛津交响曲》。英国之行，使海顿名利双收，从此他的状况有了很大改善。1798 年，66 岁的海顿应新继位的第四代公爵召请，再度回到艾斯塔哈基，完成了清唱剧《创世纪》及《四季》两部巨作。海顿在英国逗留期间，曾听过亨德尔的《弥赛亚》，他决心自己也要创作一部清唱剧。《创世纪》的脚本本来是为亨德尔写的，亨德尔没有使用。海顿根据英译本写成了这部作品。1799 年3 月4 日《创世纪》公演后，获得了空前的成功。当海顿在音乐会座席中听到“光芒初现”那一段充满戏剧性的歌曲时，情绪激动，不能自已，突然站起来，指着天空，大喊：“光芒从

那儿射过来了！” 1804 年，海顿被选为维也纳荣誉市民。1809 年5 月，拿破仑进攻维也纳，居民们个个惶恐不安。海顿泰然自若地对人们说：“不必惊慌，只要有我在，

便不会有事。”说完，便坐在钢琴边，一遍又一遍地演奏由他作曲的奥地利国歌。其时，海顿年事已高，相当衰弱，几天后，即1809 年5 月31 日，77岁高龄的海顿在为人们留下1000 多部作品之后，安详地离开了人世。时值战争，无法举行隆重葬礼，送葬者仅寥寥十几人。这位善良的老人一生中忍受着令人窒息的屈辱，以乐观顽强为唯一的武器，战胜重重困难，为人类的音乐发展做出了重大贡献。身后的荣耀何以能够消补生前的恨憾于万一呢？_

莫扎特( 1756—1791)

人人都说莫扎特是一位举世罕见的天才，然而，他自己说：“谁与我付出同样的努力，谁便能与我获得同样的成就。”沃尔夫冈?阿玛德乌斯?莫扎特 ( Wolfgang

AmadeusMozart）1756 年1 月27 日出生于奥地利首都维也纳附近的萨尔茨堡。莫扎特的父亲是音乐家、作曲家和管风琴家，一直都在当地大主教宫廷乐队里任职。莫扎特的姐姐也很有音乐才能。莫扎特3 岁时就显示出惊人的音乐记忆力，能把所听过的乐曲片断在钢琴上准确无误地弹奏出来。他的音乐才能令父亲大为震惊。父亲决心下大气力，

一定要把他培养成一名出色的音乐家。莫扎特不仅天资过人，尤其刻苦用功，经过一段时间的学习，他的钢琴技巧已有了飞快的进步。有一次，父亲和朋友走进房间，看见4 岁的莫扎特正在纸上涂鸦，弄得满手都是墨水。父亲随手取来一看，不禁大吃一惊，原来莫扎特在“写”一首“钢琴协奏曲”。父亲逗他说，这首曲子或许不能演奏。小小“作曲家”未假思索就反问父亲：“哪首曲子不经修改练习就能演奏？”莫扎特还具有罕见的绝对音高概念。据说，7 岁那年，他曾用过父亲朋友的小提琴。回到家中，他对父亲的朋友说：“我的小提琴比您那把琴低八分之一音。”父亲和朋友都不信，取来琴当场验证，莫扎特的话果然分毫不差。莫扎特从6 岁起，便与11 岁的姐姐一道，由父亲带领周游各国举行音乐会。莫扎特不仅能熟练地演奏事先准备好的作品，在演奏技术艰深的陌生作品时，也同样得心应手，就像早已经练得滚瓜烂熟。人们用绸子蒙住琴键时，他同样能准确无误地演奏技术复杂的乐曲，在场者无不同声赞叹。人们奔走相告，渲染夸张，音乐“神童”的名字不久便为欧洲各地家喻户晓了。1764 年，莫扎特来到英国，结识了音乐泰斗约?塞?巴赫的儿子，人称“英国巴赫”的克利斯提安?巴赫。这位著名的作曲家对莫扎特后来音乐风格的形成有着很大的影响。几年间几乎走遍欧洲主要城市，

莫扎特也有了长足的进步。这时，他已开始出版自己的作品。如果说莫扎特出发时主要是演奏家，那么当他11 岁回到萨尔茨堡时，就已经是一位作曲家了。莫扎特14 岁时，被罗马教皇授于“金马刺”骑士称号，并成为意大利鲍伦亚学院的院士。第二年一月初，维伦的爱乐学院也将他遴选为院士。几年中，莫扎特的父亲一直努力想为孩子在维也纳宫廷中谋个一官半职，但及至1873 年莫扎特17 岁时，仍未能遂愿，无奈，只好让莫扎特留在萨尔茨堡，在大主教的宫廷中担任乐师。新任的大主教专横跋扈为人歹毒，视莫扎特如奴仆，任意驱使。他不准莫扎特在饭厅吃饭，还强迫莫扎特为自己收拾房间。莫扎特在给朋友的信中说，没有大主教的许可，他不得外出演出，不得举行音乐会，不得自已出去找工作，也不能受别人委托作曲来取得收入。这时正值资产阶级大革命的前夜，莫扎特随着年龄增长，受启蒙运动思想的影响日深。1881 年，他终于忍无可忍，向大主教提出辞职。为期8 年的奴隶生涯结束了，25 岁的莫扎特义无反顾，离开故乡，只身前往

维也纳，开始了他一生中音乐成就最辉煌的十年。但为成为独立作曲家，他也付出了高昂的代价，毕生为谋生奔命，毕生与穷困相伴。莫扎特来到维也纳后，不分昼夜拼命工作，日复一日，年复一年，写下了《后宫诱逃》、《费加罗的婚礼》、《唐?璜》和《魔笛》等一系列在歌剧发展史上占有光辉地位的作品。但这一切，并未使他的生活境况有丝毫改善。冬天，没钱买柴，他只好拉着妻子跳舞取暖；孩子们饿了，连买面包的钱也拿不出来。1778 年，莫扎特已是一贫如洗，为了吃饭，他不得不在6 个星期内，赶成3 首交响曲。其中《C 大调交响曲（朱庇特）》是他最后一部交响曲，也是他最伟大的代表作之一。生活的艰难没有压垮莫扎特，他把心中的苦楚、希望、热情和理想，全都倾注在创作中了。莫扎特写的最后一部作品是受人之约的《安魂曲》。莫扎特写这部作品时非常投入。情绪过分激动，加重了他的病情。1791 年12 月4 日夜里，他轻声吟唱着自己最中意的一首咏叹调，人生如寄，往事如烟，在温馨的旋律声中，离开了令他荣耀、更令他痛苦的人世。第二天，悲风天来，大雪纷扬，寥寥几位送葬的人都已中途折回，下葬时，只孤零零一位掘墓老人。几日后，妻子抱病而来，竟已无法辨认莫扎特的遗柩所在。莫扎特是一位伟大的音乐家。在短短36 年的一生中，写下了75 卷（600 多部）音乐作品，包括22 部歌剧、49 部交响曲和25 部钢琴协奏曲，为欧洲以及全世界的音乐发展做出了光辉的贡献。他曾在孤寂凄苦中离开了世界，但如今这个世界上每个善良的人都将永远怀念他。

第一层次：感官刺激

当音乐作用于我们的听觉引起第一反映: “好听”、“不错”、“可以”、“很美”这样的感觉在头脑里闪现时，这是感官刺激的结果，若要问，“怎样好听”，“好听在何处？”就道不出来了，这是第一个层次。处在这个层次的欣赏者，当他听到认为好的音乐时，同样可以获得愉悦和快感，只不过这种感受是肤浅的，初步的。

第二个层次：理性认知

处在这个层次的欣赏者，要具备一定的乐理知识，不仅了解旋律、和声、节奏、音色这些基本的表现手段，而且了解调式、调性、力度、速度这些重要表现手段；不仅了解音乐的乐句、乐段、单三部曲式、复三部曲式、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式等元素，还了解交响乐队的构成及各种西洋乐器的表现力。同时，对音乐大师所处的历史背景、人生经历、思想情感有所了解，在此基础上欣赏古典音乐，觉得好听，就能说出好听在哪里。（需要说明的是，好听与不好听是相对而言的，与每个人的兴趣爱好有一定关系，甲认为好听的，乙可能认为不好听，乙认为好听的，丙可能认为不好听，因人而异）欣赏过程中获得的不仅仅是愉悦和快感，还会引起很多思考和联想，对音乐作品的理解，已经由表及里、由浅入深。

第三个层次：哲理分析

处在这个层次的欣赏是最高境界的欣赏，不仅具备第二个层次的条件，还对历史文化、宗教哲学、文学艺术、民族风情、地理知识有一定的了解。思想和感情都达到一定的高度，能“读”懂音乐，走进音乐大师的内心世界，触摸大师的灵魂，在欣赏古典音乐的过程中，能调动所有的知识积累，情感和想象力，与大师一起经历人生的悲欢离合，或穿越时空的隧道，拥抱大师音乐描绘的壮美山川；或与大师面对面聆听大师心灵的倾述。处在这个层次的欣赏者，每听完一部作品，总会久久地陷入

沉思不能自拔，被音乐搅动的情感久久不能平静.从音乐中获得的美的享受和人生感悟提升了人的思想境界.总之，每次欣赏

的过程都会成为一道丰盛的精神大餐。

中西方音乐差异比较

计算机092 09416403 胡丽萍 中西方音乐差异比较 音乐，无论是哪个国家的音乐，都是一门很深的艺术。从广义上来说，音乐是文化的延伸，是文化孕育出来的精华的一种结晶形式。音乐如同语言一样，具有很强的民族性，随着民族、地域的差异，存在着巨大的差异，就像不同语言之间语法、词汇的诸多差异。中西方音乐是存在着巨大的差异的，这与中西方的文化差异是分不开的。音乐是人类社会发展到一定程度的产物，是人类文明的重要组成部分。在人类文化地域性差异形成的时候，音乐的差异性也就随之产生。 首先，中西方音乐的差异，体现在乐器上的差异。西方乐器的制作材料是以金属和各种标准化了的木料为主，特别是吹奏乐器，几乎全部是用金属或金属加胶木（或各种天然硬木，如乌木、红木等）等制成。诸如管、号、笛，大部分都为金属质地，小部分是由胶木或天然硬木为体。金属又可以根据人的需要随意组合不同的合金，十分有利于标准化和规格化。与之相反，中国乐器的制作则以天然材料为主。除了在特殊场合使用的旋律编钟和非旋律性的打击乐器，如锣、铃、铛、钹等外，在实际日常音乐活动中占绝对优势的如萧、笛、笙、瑟、筝、阮、三弦、琵琶，以及二胡、板胡等拉弦乐器，都是用木、竹、皮、石等天然材料制成。天然材料的使用意味着对自然属性的尊重，而自然本身的多样化和独特性又意味着人们无法对它们作质料上的标准化、统一化工作。于是，用自然材料制成的中国乐器就特别注重音色的独特个性。再从发声原理上看，中西乐器也有着微妙但很重要的不同。西方乐器为了获得音色上的共性，除了要求制作材料标准化、统一化外还要减少材料在乐器发音中的作用，尽量不让或少让器体参与发声时的振动。西方乐器，尤其是吹奏乐器，均以空气振动为主，以器体振动为辅。这样，西方乐器在获取共性音色的道路上，又排除了以上材料差异带来的障碍。因此，乐器的不同，使得音乐的风格完全不同。 再者，中西方音乐的差异，体现在审美的差异。正如《中国音乐审美导论》中提到：“在审美追求上，中国音乐艺术以‘和’为理想，尚虚无，求空灵，讲韵味，求深邃，讲意境，求气韵生动，强调直觉与领悟，注重生命本体。这与西方音乐求深刻，强调理性与思想，把实有，意义与情感作为精神支柱的音乐审美特点形成鲜明的对比”。在我看来，当今的音乐美学史，实际上是一部中国音乐美学思想与西方音乐美学思想互相斗争、交融、互补的历史。中国传统音乐主要表达儒家的和谐，礼仪之美；道家的自然，天人合一；佛家的空灵，悟性，禅意等，相对比较主观。这和中国的绘画，书法追求神韵，重意境的审美情趣是相通的。所以多讲求和谐、幽美、深沉，旷达等。是人的内心世界在一定的自然环境下的自然流露，突出“情”和“景”的交融。如在听《梅花三弄》时，你首先能感受到的是景，然后通过此曲结构上采用循环再现的手法，重复整段主题三次，每次重复都采用泛音奏法，体现了梅花洁白，傲雪凌霜的高尚品性。西方古典音乐在西方戏剧的发展背景下，着重美学及功能性，故此比较客观。西方古典音乐以深刻严肃见长，突出主客对立，大都带有正剧或悲剧色彩，体现出来的是一种艺术精神的“壮美”。对于艺术的态度，东西方之间肯定是截然不同的。 再者，是音乐创作和音乐理念的差异：中国传统音乐，没有一套完备的作曲理论与法则，较易失传。而西方古典音乐技术层面上有理论，有规范，有大量的文字和音响文献，易于流传。中国传统音乐以线条为主，而西方古典音乐更讲究和声。就如中国的绘画和书法讲究的是线条的艺术；西方的绘画讲究的是面，立体，光影的艺术。中国传统音乐注重气息，神韵，而西方古典音乐更讲究节奏，气势。就如中国的绘画注重写意，似与不似之间；西方的绘画注重写实，表现盛大的场面。 最后，中西方音乐由于历史、文化等原因,存在着一定的区别,其主要表现在中国音乐着重于情韵,而两洋音乐注重的则是音乐本身的和谐性;中国音乐发展自然过渡,一脉相承,西方音乐发展则呈块状结构和阶段性特征;中国音乐体现为单纯的模线性织体思维,以线条为主,而西方音乐则倾向于横交叉的立体状织体思维,更讲究和声;中国音乐语言偏重心理,略于形式,极富变量,为开放性结构,而西方音乐形式严谨,结构具有封闭性特征;中国音乐尚善尚美,追求虚静空灵的意境,注重感觉,而西方音乐却讲究理性与情感的统一,追求力度与强度,乐思明晰而实在。因此，形成完全不同放的风格。 东西方的音乐有这么大的差距，根源来自中西文化上的差异。西音乐功能上的这种不同，其根源即在于中西文化上的差别。这个差别是：西方文化重外部知识的获得，中国文化重自身生命的享受；西方文化传统是以知识为本体，中国文化传统则以生命为本体。所谓以知识为本体，是指西方人将知识的获得作为自己生命的动力和目

浅谈对西方古典音乐的欣赏[1]

西方古典音乐发展与赏析论文 土木建筑学院 土木工程 201001020204 董硕 浅谈对西方古典音乐的欣赏 摘要：在音乐中，有魔鬼的诱惑，有上帝的昭示，有人类的挣扎。音乐是一个宇宙，音乐中有一切。莫扎特的音乐风格优美、秀丽、典雅、热情，听后是使人能产生心旷神怡的感觉；贝多芬的音乐集中体现了他那个时代人民的痛苦和欢乐、斗争和胜利。因此贝多芬的音乐作品重视激励着人们，鼓舞着人们的气质，即使在现在也使人们感到亲切和鼓舞；肖邦的音乐风格处处透露着优雅、细腻、精致，色彩性的和声处理的很有独特性，使人陷入一种无法自拔的浪漫。 关键词：西方古典音乐大学生影响 音乐，始于词尽之处。——圣桑 音乐，是人生的艺术。——施特劳斯 音乐，是思维者的声音。——雨果 古典音乐虽然被称为高雅音乐，离我们这个时代较为遥远，但是它能流传下来，就说明它是经典的，有意义的。古典音乐常常陪伴在我们身边：世界杯开幕式演出郎朗的演奏、F1颁奖仪式的背景音乐《卡门》、北京残奥会盲人演奏的《c 小调幻想即兴曲》，甚至是《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》、根据尼采作品创作的《查拉图斯特拉如是说》也被运用于《2001太空漫游》……还有流行歌曲借用古典旋律:SHE的《不想长大》、Hayley Westminster的《never say goodbye》等等。其实古典音乐并不晦涩难懂，每个人都可以有自己对作品的看法。每个人都可以在古典音乐的领域找到属于自己的地方。 一欧洲古典音乐的发展时期 欧洲古典音乐伴随着历史阶段的发展和变革，形成了与当时社会氛围相适应的各类音乐艺术形式和各种风格流派。它的创作背景一般可分为四个时期，所包括的内容与形式广泛多样，作品与史料丰富详实。它所承载的异域的人文风情，给听者以启发、震撼、感动。了解和欣赏欧洲古典音乐会使我们当代大学生的人文艺术修养更上一层楼。 欧典古典音乐的创作背景一般可分为四个时期：第一时期——巴洛克时期，这个时期代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师，意大利的维瓦尔第等，这个时期的音乐风格旋律优美，柔和。第二时期——古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题特点鲜明，有一定的冲突性。第三时期是浪漫主义和民族乐派，代表人物有得彪西、舒曼、舒伯

西方古典音乐的发展阶段

发展阶段 欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期第一时期巴洛克时期 这个时期的代表人物有巴赫也称音乐之父，主要作品《十二平均律》、《托卡塔及赋格》；也称清唱剧大师，主要作品《水上音乐》、《皇家烟火》等；的维瓦尔弟（小提琴），主要作品《四季》等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。 第二时期古典主义时期 代表人物，有、莫扎特、等，这三人一起被后人称为“”。这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。而在这一时期贝多芬是最著名的代表。他在音乐上的成就非常之大；是古典乐派的终结者和浪漫乐派的开拓者。主要的代表著有主要作品有交响曲九部（以第三《英雄》、第五《》、第六《》、第九《》最为著名），此外还有《月光奏鸣曲》、《悲怆奏鸣曲》、歌剧《》等大量作品。 第三个时期浪漫主义和民族乐派 代表人物有德彪西、舒伯特、、柴可夫斯基、、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，特征主要是作曲形式多样化，有了一定改革，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。 第四个时期近代主义乐派 代表人物有斯特莱文斯基、格什温、等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有风味，这个时期的作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料；掌握演奏者的再创作，必须要了解世界上著名的、演奏家、著名乐团的基本情况和风格，如：指挥家、伯恩思坦、、小择震尔等，著名乐团、、维也纳爱乐乐团等，他们的指挥与演奏风格。有选择性地购置录音带、CD,要选择著名唱片公司、著名指挥 家和乐团的作品，而且多了解他们再创作过程背景和个性。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。

西方音乐史——文艺复兴时期音乐

1．文艺复兴时期的旋律有什么特点？ 以级进为主，是歌唱性的,与歌词的抑扬顿挫有关系,有时会采用"图解"方式对歌词中的某些词汇作形象模拟。 2．文艺复兴时期的音乐节奏是怎样的？ 有了可计量的节奏，但在宗教声乐作品中不强调律动感，只是在世俗音乐中拍点鲜明，律动感强。 3．文艺复兴时期的音乐采用什么调式？和声是怎样的？ 采用已经扩展为12个调式的中古调式。和声写作尚未建立功能体系,但已在终止式上表现出了和声进行中的和弦的功能性,并有意识地运用谐和与不谐和和弦来表现情绪、构成音响紧张度的变化。文艺复兴时期的音乐织体是怎样的？以4声部模仿式复调织体为标准，在16世纪5个或更多声部的复调也很常见。同时已经从现了局部的主调和声思维。 4．文艺复兴时期的音乐运用哪些音色？ 声乐仍然占有最重要地位；复调宗教作品由小型的合唱组演唱，世俗音乐由独唱或独唱者小组和小型乐器组表演。同时已有很多音乐是专为乐器创作的。 5．文艺复兴时期音乐的曲式是怎样的？ 结构较为自由而多样化，复调模仿式曲式逐渐取代了与诗歌结构紧密配合的分段性曲式。同时也有大量分节歌形式。 6．文艺复兴时期的音乐有哪些主要体裁？ 各个部分都写成了复调形式的弥撒曲。经文歌（主要是宗教内容的）。器乐舞曲。复调器乐曲，如利切卡尔。世俗歌曲如牧歌、尚松等。 在传统的西方音乐史的时期划分中，表示15、16世纪这段时期的音乐。文艺复兴运动形成了古希腊文化以后欧洲文化的第二个高峰，以面向人世和对古典文化的继承为主要特征。在音乐方面，古希腊并未传下堪资借鉴的实例。因此，文艺复兴时期的音乐艺术与其说是希腊古典风格的再生，毋宁说是新风格的创立。从显贵气派转向大众化；从宗教感情转向崇尚理性和追求人性的发展，强调直接可感的人的心境和感情的表达，与具有神秘、抽象、禁锢感情等因素的中世纪艺术风尚相对立。 文艺复兴音乐起源于14世纪意大利和法国复调音乐获得发展的“新艺术”时期，意大利F.兰迪尼和法国G. de马绍等作曲家成为文艺复兴音乐的先驱。15世纪尼德兰音乐理论家J.廷克托里斯在其《均衡》一书的序言中最早提出了音乐“复兴”的概念。16世纪这种概念得到系统的阐述。当时的意大利音乐理论家G.扎利诺根据同时代美术史家瓦沙利的观点，在批判中世纪音乐艺术的同时，将古代音乐艺术描绘为“尽善尽美的顶峰”。这时期的许多论文对古代音乐崇拜的倾向十分明显，但并未导致对古典音乐权威的盲从。对音乐与诗歌统一的古代音乐艺术的研究，为16世纪末～17世纪初歌剧的产生，提供了理性的根据。文艺复兴时期的乐器作坊(绘画) 15、16世纪工业技术的发展，给音乐艺术带来极大的变化。以威尼斯为中心，乐子刷业产生了，音乐有了更为统一的版本，更加得到广泛而迅速的传播；城市里逐渐形成了一大批业余音乐爱好者，使世俗复调音乐取得支配性的地位。随着自然科学的迅速发展和对艺术技巧的探讨，在音乐艺术实践中出现了一系列革新。主要体现在下述 5个方面：①世俗体裁得到极大发展。14 世纪意大利卡农式的猎歌，16世纪意大利戏剧性的多声部牧歌，

西方古典音乐赏析

西方古典音乐赏析 古希腊的音乐是以诗与乐，或诗、乐、舞三位一体为主的音乐艺术，其中诗的地位在乐之上，曲调和节奏都受歌词抑扬顿挫的影响。 古希腊的乐器主要有弦乐和管乐两类，弦乐的代表是里拉琴，管乐的代表是阿夫洛斯管。 四音音列 古希腊音阶的基础是四音音阶（Tetrachord）。它自上而下排列，两端的音构成固定的四度音程，中间的音程可以变化，从而形成三种不同的四音音阶： 完整音列体系 两个四音音列便可以构成七音体系或是八度体系。构成的方法有两种：联合四音音列（前一个四音音列的最后一个音作为下一个四音音列的第一个音）和非联合四音音列（前一个四音音列的最后一个音与后一个四音音列的开头的音相隔一个全音）。 调式 四音音列可根据全音和半音的不同位置，排列成7种不同的音阶。古希腊的调式体系以古希腊的几个重要氏族部落命名，分别是多利亚、弗里几亚、利第亚、混合利第亚及其各种变体，排列方式自上而下。古希腊人认为不同的调式与不同的情感相联系，多里亚调式富有男子气质，能使人安静、坚强；弗里几亚调式狂野而具有酒神精神，能激发人的热情；利第亚调式使人柔弱；混合利第亚调式易使人悲伤 音乐社会功能学说 在古希腊人心中，音乐有一种神秘的魔力，认为音乐可以除邪防病，也是净化心灵、教化品性的重要手段，因此非常重视音乐在社会教育体系中的作用。 古希腊哲学家柏拉图、亚利士多德等人都对这一问题有过著述。 罗马音乐的重要特点之一是朝向实用化、典仪化方面发展，军乐以及仪式、游行音乐非常普及。军队中配有军乐队、乐师和歌手，以炫耀军威，鼓舞士气。音乐在古罗马统治阶级的手中，成为炫耀权势或纯粹娱乐的工具。在古罗马文化生活中，有深刻伦理道德意义的古希腊悲剧也被豪华的马戏演出或血腥的角斗士格斗场面所取代。 与古希腊音乐的另一个重要区别是音乐的职业化。职业音乐家到处巡回演出，待遇优厚，被人们奉为偶像。 格里高利圣咏的基本特征 情绪：情绪肃穆、超脱，采用无伴奏的纯人声（男声），排斥人世激情。 旋律：音调平缓，以级进、三度进行为主，是歌唱性(或吟诵性)的，和语言的抑扬顿挫有着密切的关系。节奏：自由而无固定节拍，依照歌词韵律长短抑扬而定。 织体：和希腊音乐一样，单声部音乐。 歌词：以拉丁文为歌词，歌词主要来自圣经和诗篇。 演唱方式：大致有独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱四种。 较固定的音乐形式：诗篇歌调、交替圣歌、应答圣歌、赞美诗。 调式体系：教会调式。 中世纪的常用乐器有弦乐（拨弦、击弦、弓弦）和管乐两类。 英国音乐的风格特点： 1、和声方面 a、使用不省略三音的完全三和弦； b、常用相同节奏的和弦进行； c、运用协和的和声，避免强拍上的不协和音程。 2、织体方面 a、多采用和声式的织体； b、常将两个声部的旋律和节奏组合在一起，并创造出“福布尔东”的复调音乐手法。 福布尔东 从乐谱上看，是一种二声部音乐，高声部与低声部构成以平行六度为主的进行，偶尔出现八度，每个乐句总结束在八度上。 演唱时在高声部下方四度再即兴加入一个声部，该声部在谱面上往往未写明。

西方古典音乐发展史鉴教案

《西方古典音乐发展史鉴》教案 杨琼 一、教学目标 1、在教师的引导下，认真了解西方古典音乐的发展历程，结合有代表性的音乐作品或片段欣赏，学习鉴赏不同体裁、风格等音乐流派音乐 2、能紧跟教师的指导节奏进行比较欣赏，观察西方古典音乐在不同历史时期呈现的文化样式和音乐上的审美趣向 3、关注西方古典音乐的发展性特征，理解西方古典音乐多元性及其文化价值 二、教学重点和难点 教学重点：了解西方古典音乐从宗教走向现代的发展历程，形成对西方不同风格流派音乐鉴赏的关注度度 教学难点：从文化背景和音乐的表现特征角度理解不同时期音乐作品的风格形成 三、教学内容 ㈠导入 ㈡宗教音乐和世俗音乐相对概念 1、聆听《格里高利圣咏》 2、宗教音乐的主要特征 3、世俗音乐的广义概念 ㈢巴洛克音乐时期 1、巴赫介绍 2、巴洛克时期的代表音乐家 2、欣赏合唱《哈利路亚》和小提琴协奏曲《四季—春》片段 4、巴洛克时期音乐特征 ㈣古典主义音乐时期 1、古典主义时期音乐家代表人物 2、欣赏第九交响曲《合唱》片段 3、古典主义时期音乐特征 ㈤浪漫主义音乐时期（民族乐派） 1、浪漫主义音乐的特征 2、欣赏舒伯特艺术歌曲《小夜曲》 3、比较古典主义时期和浪漫主义时期的音乐特征 ㈥印象主义音乐 1、印象主义画派 2、印象主义音乐流派及代表人物 2、欣赏拉威尔的管弦乐曲《波莱罗舞曲》 ㈦二十世纪现代音乐 1、二十世纪现代音乐的种类 2、欣赏格什温的钢琴与乐队演奏的《蓝色狂想曲》 四、学习评价 1、西方古典音乐不同流派和风格的辨认 “粥”“满汉全席”“自助餐”“烛光晚餐”“火锅”…… 2、归纳西方古典音乐发展史（年轮、动画） 五、教学小结下课

西方音乐发展史及其代表人物

爵士乐 一、爵士乐的起源爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克...... 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。 1、爵士乐的来源--布鲁斯和拉格泰姆 布鲁斯（Blues） 布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式...... 拉格泰姆（Ragtime） 拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初 是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束...... 2、爵士乐的发源地 新奥尔良（New Orleans） 爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良...... 二、早期爵士乐（19世纪末～20世纪30年代中期） 1、新奥尔良爵士乐 一般认为，新奥尔良爵士乐出现在19世纪90年代。但是历史上的第一张爵士 唱片问世于1917年，是由"正宗迪克西兰爵士乐队"（Original Dixieland Jazz Band）在新奥尔良录制的...... 2、芝加哥爵士乐 三、摇摆乐 20世纪30年代，一种由大乐队（Big Band）演奏的带有黑人风格，并极具舞蹈性的爵士乐--摇摆乐（Swing，例7）开始在纽约发展起来...... 四、比博普 ......比博普的旋律很不连贯，有时却又连续不断地往外迸射；节奏是支离破碎的；拍子是含

中西方音乐的区别与联系

论中西方古典音乐的区别与联系 摘要：中国东方文化与西方文化有显著差异，中西方人的思维方式也截然不同，故孕育出来的音乐固然有显著差异。然而，随着时代的发展，文化的交融，中西方音乐的联系又是不容忽视的。本文将从中西方古典音乐的音韵，作品目的，特点，演奏方式等等多个方面叙述东西方音乐的异同。而对中国古典音乐将作重点论述。 关键字：中国音乐，西方音乐，异同，演奏方式，乐曲特点。 1.中西方的差异 1.1音列 中国古典音乐是基于五声音阶体系的。中国音乐起源早，在上古时期，先民们就已经开始制作乐器。中国不是没有七音，从出土的文物可以知道，在商朝时期，中国已经出现了七声音阶，但是，人们的审美取向使得中国古典基本上只是用五声音阶。五声阶名宫、商、角、徵、羽（加变徵，变宫为七音）在周朝已经确立，对应于现代七音体系里分别是Do Re Mi Sol La，并且成为了中国民族音乐的基础。 对于西方古典音乐，现在所指的主要是从16世纪末开始往后到19世纪末在西方主要是欧洲流行的音乐。西方音乐在音列上是7音体系即现代通用唱名的Do Re Mi Fa Sol La Si。 中国古典音乐之所以要基于宫商角徵羽五音，也是受到中国传统文化的影响。在古书里，五音为正声，万代不易，且与五行金木水火土五行之道有密切联系，且在人体上还对应于人的五脏。同时，中国音乐强调“中和之美”，重在和谐、自然，不追求强烈，古人重视音乐的重要性，认为音乐可以陶冶人的性情，而五音是中正之音，可平衡人的身心，故五音是中国音乐最重要的特点之一。 1.2乐曲特点 1.2.1中西方音乐都经历有从独奏到合奏、由单声部到和声的发展过程，但是在中国古典音乐中，独奏的地位更高，和西方音乐相比，对和声的重视程度则低得多。 在中国，音乐往往是陶冶人的性情，修养身心的手段之一，往往采取个人独奏方式，注重的是对个人情感的表达，相对主观。古琴就是一个典例，其在中国古典音乐上有重要地位，是中国古代文人和名门闺秀修身所要掌握的个人技能琴棋书画之一。另外，而合奏则往往出现在宫廷等达官贵人的大型娱乐演出中，相对影响范围不很广。 而西方音乐从单声部发展到重奏，再发展到合奏后，和声的地位从此不可撼动。西方音乐注重的是美学及功能性，重视对他人的感染力，相对较为客观。而合奏则以其宏大的气势和丰富的乐声满足了这一需求。 因此有人形容西方音乐像一堵厚重的墙壁，上面轮廓如同旋律，砖石如同墙体。即使轮廓平直只要有和声也是墙。而中国音乐则不同，好像用线条画出的中国画，如果没有轮廓（旋律）则不成其为音乐，但和声是可有可无的。所以从未接触中国音乐的西方人听中国音乐“如同飘在空中的线”，而从未接触西方音乐的中国人则觉得西方音乐如同“混杂的噪声”。

中西方古典音乐的审美差异

浅谈中西方古典音乐的审美差异 宗白华认为：“音乐深深地表现人类心灵最深最隐秘的情调与律动。音乐对于人心的和谐、行为的节奏，极有影响。”可见，音乐是人们生活中不可或缺的存在。作为意识形态差别巨大的中西方对音乐的审美必然也有不同之处。下面我们以中西方的古典音乐为例，探讨二者对音乐的审美差异。 首先我们来看中国古典音乐的发展脉络。中国的音乐源头可追溯到远古时期。这一时期被称为舞乐时期，是五声音阶。在黄帝时期就出现了箫和笛，被用于人们的祭祀、舞乐等，这都是具有文献可考的。到了周朝，音乐已经具有系统的理论以及传统。周朝六艺中的雅乐为中国的雅乐时期奠定了基础，雅乐具有节奏缓慢、曲调简单的特点。到后来由于外部文化入侵以及战乱的原因，周代的音乐传统礼仪音乐被打断，直到汉朝建立想恢复古代礼仪时不得不把当时的民歌作为创作曲子的来源，以期能复原古代礼仪。至厅宋朝，音乐在说唱音乐、歌舞音乐以及乐器方面都有了进一步的发展，并且宋朝由前代的绝句诗发展出了长短句。元代的元杂剧，由诗转为词，词转为曲是其一大特色。杂剧基本是同现代西方歌剧的四幕剧一样的四折而组成。明代因大量的人口迁移以及资本主义萌芽，出现了南戏。清朝有皮簧、秦腔以民歌等音乐。被称为俚曲或通俗之曲的民间说唱形式已出现。从上面的发展历程来看，中国古典音乐最初是用于祭祀礼仪等庄严肃穆的场合，而后由于政治文化经济的变迁慢慢的从上到至下，从宫廷到民间，渐渐的走向了大众。 接下来我们来看西方古典音乐的发展脉络。古典音乐划分为狭义的古典音乐和广义的古典音乐。现在我们所说的便是广义的古典音乐。西方古典音乐的发展可大致分为四个时期：第一时期一一巴洛克时期，这一时期可称为欧洲音乐迅速发展的时期。许多重要的声乐、器乐以及音乐体裁如歌剧、协奏曲等都已产生。这一时期的代表人物有德国音乐之父巴赫、意大利的维瓦尔第等。第二时期一一古典主义时期，这一时期器乐已经完全独立。德国出现曼海姆乐派，首先确立了交响乐四个乐章的结构形式，为其后出现的维也纳古典乐派奠定了基础。这一时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等。第三时期一一浪漫主义和民族乐派时期，这一时期的主旋律是浪漫主义，而民族乐派又是浪漫主义中最具代表性的乐派。民族乐派的形成与东欧、北欧的民主运动空前高涨有关。代表人物有西柳贝斯、斯美塔那等。第四时期一一印象派时期，印象主义产生于欧洲十九世纪末，首先是在绘画中出现，然后才在音乐上被借用。这一时期作曲家们大胆的向浪漫主义的形式和风格提出挑战，印象派追求精致而优美的音乐语言。这一时期的代表人物有有德彪西、拉威尔等。

西方古典音乐的发展阶段

代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料；掌握演奏者的再创作，必须要了解世界上著名的指挥家、演奏家、著名乐团的基本情况和风格，如：指挥家卡拉扬、伯恩思坦、阿巴多、小择震尔等，著名乐团、柏林爱乐乐团、维也纳爱乐乐团等，他们的指挥与演奏风格。有选择性地购置录音带、CD，要选择著名唱片公司、著名指挥家和乐团的作品，而且多了解他们再创作过程背景和个性。欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的

想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。 欧洲古典音乐家生平故事（一） (2010-12-23 21:40:33) 转载▼ 分类：东西方音乐 标签： 文化 巴赫（1685—1750） 请记住，三百多年来波澜壮阔的欧洲近代音乐的奠基人，他的名字叫巴赫。约翰?塞巴斯提安?巴赫（Johan Sebastian Bach）于1685 年3 月31日出生在德国图林根的爱森那赫。这是一个富有音乐传统的城市，据说城门上还镌刻着“音乐常在我们的市镇照耀”这样的铭文。巴赫的家庭是一个受人尊敬的音乐家族。他们长期生活在这一带，辈辈相传，以音乐为生，三百年间，有50 多名音乐家见于记载，及至约?塞?巴赫，已是第五代传人。父亲是小巴赫的第一任老师。7 岁起，他就在教堂附属的拉丁语学校上学，因成绩出众，深得老师喜爱。其时，他还经常参加学校的各种演出活动，以补贴学费。10 岁时，父母去世，他遂由哥哥抚养，并担负他的音乐教育。巴赫对哥哥的教学日渐不满，总向哥哥提出种种问题，哥哥常因学力不逮无法作复而恼羞成怒。哥哥藏有前辈著名大师们的作品手抄谱，巴赫很想借来一阅，但屡遭拒绝。巴赫知道乐谱的藏处，每经于此，都不忍离去，情急之中，终于想出了办法。每当夜深人静，趁家人都已入睡，他便悄悄起身取出乐谱，在淡淡的月光下偷偷抄写。半年之后，全部乐谱抄录殆尽。然而，不想就在此时，东窗事发，终于败露。哥哥于气愤之中，不顾手足之情，把巴赫辛辛苦苦半年抄录的乐谱悉数撕毁。巴赫年岁虽小，但生性顽强，为了学习，不怕任何困难。听说汉堡有位著名的管风琴大师技巧相当高超，巴赫心向往之。无奈路途遥远，身无分文，他只好携带干粮，只身徒步前往。凭草垛栖身，饮河水消渴，一路风尘坎坷，巴赫全都置之度外。一次往返180 里，归来时已是双足生满血泡。然而，能观摩大师演奏，聆听大师教诲，小巴赫每次出发之前，从不犹豫。1702 年，巴赫从学校毕业。以其优异成绩，完全可以免试深造，但生计无着，只能就业于阿恩斯塔特城教堂弹奏管风琴。供职后，为提高琴艺，他常常通宵达旦，发奋练习，每逢假日，仍徒步前往汉堡，从老师学习。在鲁贝克教堂任职的布克斯特胡德，是当时北德最杰出的作曲家和管风琴大师，巴赫对他仰慕已久，早盼着一睹大师风采。正巧巴赫获得了为期一个月的休假，他不顾往返640 多里的路程，又一次背起行囊，风餐露宿，徒步走向鲁贝克。布克斯特胡德的作品与演奏，令巴赫大为倾倒。他如饥似渴地向前辈大师讨教，竟流连忘返误了归期。巴赫返回阿恩斯塔特时，已是四个月之后。上司们素来与他有隙，

中西方音乐的区别与联系知识分享

中西方音乐的区别与 联系

论中西方古典音乐的区别与联系 摘要：中国东方文化与西方文化有显著差异，中西方人的思维方式也截然不同，故孕育出来的音乐固然有显著差异。然而，随着时代的发展，文化的交融，中西方音乐的联系又是不容忽视的。本文将从中西方古典音乐的音韵，作品目的，特点，演奏方式等等多个方面叙述东西方音乐的异同。而对中国古典音乐将作重点论述。 关键字：中国音乐，西方音乐，异同，演奏方式，乐曲特点。 1.中西方的差异 1.1音列 中国古典音乐是基于五声音阶体系的。中国音乐起源早，在上古时期，先民们就已经开始制作乐器。中国不是没有七音，从出土的文物可以知道，在商朝时期，中国已经出现了七声音阶，但是，人们的审美取向使得中国古典基本上只是用五声音阶。五声阶名宫、商、角、徵、羽（加变徵，变宫为七音）在周朝已经确立，对应于现代七音体系里分别是Do Re Mi Sol La，并且成为了中国民族音乐的基础。 对于西方古典音乐，现在所指的主要是从16世纪末开始往后到19世纪末在西方主要是欧洲流行的音乐。西方音乐在音列上是7音体系即现代通用唱名的Do Re Mi Fa Sol La Si。 中国古典音乐之所以要基于宫商角徵羽五音，也是受到中国传统文化的影响。在古书里，五音为正声，万代不易，且与五行金木水火土五行之道有密切联

系，且在人体上还对应于人的五脏。同时，中国音乐强调“中和之美”，重在和谐、自然，不追求强烈，古人重视音乐的重要性，认为音乐可以陶冶人的性情，而五音是中正之音，可平衡人的身心，故五音是中国音乐最重要的特点之一。 1.2乐曲特点 1.2.1中西方音乐都经历有从独奏到合奏、由单声部到和声的发展过程，但是在中国古典音乐中，独奏的地位更高，和西方音乐相比，对和声的重视程度则低得多。 在中国，音乐往往是陶冶人的性情，修养身心的手段之一，往往采取个人独奏方式，注重的是对个人情感的表达，相对主观。古琴就是一个典例，其在中国古典音乐上有重要地位，是中国古代文人和名门闺秀修身所要掌握的个人技能琴棋书画之一。另外，而合奏则往往出现在宫廷等达官贵人的大型娱乐演出中，相对影响范围不很广。 而西方音乐从单声部发展到重奏，再发展到合奏后，和声的地位从此不可撼动。西方音乐注重的是美学及功能性，重视对他人的感染力，相对较为客观。而合奏则以其宏大的气势和丰富的乐声满足了这一需求。 因此有人形容西方音乐像一堵厚重的墙壁，上面轮廓如同旋律，砖石如同墙体。即使轮廓平直只要有和声也是墙。而中国音乐则不同，好像用线条画出的中国画，如果没有轮廓（旋律）则不成其为音乐，但和声是可有可无的。所以从未接触中国音乐的西方人听中国音乐“如同飘在空中的线”，而从未接触西方音乐的中国人则觉得西方音乐如同“混杂的噪声”。

西方古典音乐和中国传统音乐的区别

西方古典音乐 和中国传统音乐的差异

目录： 1.西方古典音乐 1.1西方古典音乐的定义 1.2古典音乐的感受 2.中国民族音乐 2.1中国民族音乐的定义 3.中国传统音乐和西方古典音 乐的差异

1.西方古典音乐 1.1西方古典音乐的定义 古典音乐是一个含义广泛的术语，广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今、并在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这是相对于非西方音乐而言的。另外，西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播，和大多数民间音乐口传心授的模式不同。 亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的，因为这些音乐经得起时间的考验，能够引起不同时代听众的共鸣，故认为应当称之为“经典”（classic）的音乐。 但如果细究古典一词，本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品（古代+经典），但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典”（classic）的不同。 古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这就是狭义的古典音乐。 从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、德尔，乃至更早的音乐（含天主教即罗马公教，东正教，基督新教），

西方古典音乐赏析

西方古典音乐赏析 西方古典音乐赏析：贝多芬的《月光》 贝多芬的《月光》钢琴奏鸣曲写于1801年。那一年贝多芬在信 中承认他对耳疾的恐忧。他在一封信中还写道：“我现在正过着一 种稍微愉快的生活，这种改变是一个爱我，也为我所爱的可爱的， 迷人的女孩带来的……不幸的是，她不是我这个阶级的人，而且目 前我还不能结婚。 信中所说的“可爱的，迷人的女孩”就是十七岁的朱丽叶塔，她是贝多芬的钢琴学生。她可能还是贝多芬作品第十八号之一弦乐四 重奏中慢板乐章灵感的来源。 这首奏鸣曲之所以被称为“月光曲”，是由于德国诗人路德维希.莱尔什塔勃将此曲第一乐章比作“犹如在瑞士琉森湖月光闪烁的湖 面上摇荡的小舟一般”而来的。关于此曲还有一个动人的传说，当 贝多芬给一对盲人兄妹演奏钢琴时，风将蜡烛吹灭了。当时月光静 静地洒落在这个贫困的小屋里，洒在钢琴上和三个人的身上。有感 此情此景，贝多芬即兴创作了“月光”奏鸣曲。无论如何，“月光”个名称使这首奏鸣曲成为家喻户晓的名曲。 西方古典音乐赏析：《幻想奏鸣曲》 《月光》原名《升C小调钢琴奏鸣曲》，又名《幻想奏鸣曲》、《幻想朔拿大》，创作于1801年，接近于吴旺维创作的成熟期。这 部作品有三个乐章：第一乐章，那支叹息的主题融入了他的耳聋疾患，忧郁的思绪。而第二乐章表现了那种回忆的甜梦，也像憧憬未 来的蓝图。第三乐章激动的急板。而这部作品最美丽的，便是第一 乐章，让人想起月光。 这首钢琴曲之所以被称为《月光》，是由于德国诗人路德维希·莱尔斯塔勃听了以后说：“听了这首作品的第一乐章，使我想 起了瑞士的琉森湖，以及湖面上水波荡漾的皎洁月光。”以后，出

版商根据这段话，加上了《月光》的标题，关于作曲家在月光下即 兴演奏的种种传说便流行起来。其实触动贝多芬创作的不是皎洁如 水的月光，而是贝多芬与朱丽叶·圭查蒂(1784—1856)第一次恋爱 失败后的痛苦心情。 朱丽叶塔·圭查蒂是伯爵的女儿，比贝多芬小14岁，两人真诚 相爱，因门第的鸿沟，又迫使两人分手。贝多芬在遭受这一沉重打 击之后，把由封建等级制度造成的内心痛苦和强烈悲愤全部倾泻在 这首感情激切、炽热的钢琴曲中。所以，这首曲子是献给她的。 对于这个作品的解释，也许俄国艺术批评家斯塔索夫(1824—1906)的见解是比较合理的。他在回忆了听李斯特在彼得堡的演奏后，认为这首奏鸣曲是一出完整的悲剧，第一乐章是暝想的柔情和有时 充满阴暗预感的精神状态。他在听安东·鲁宾斯坦的演奏时也有类 似的印象：“……从远处、远处，好像从望不见的灵魂深处忽然升 起静穆的声音。有一些声音是忧郁的，充满了无限的愁思;另一些是 沉思的，纷至沓来的回忆，阴暗的预兆……” 绕着《月光》，有一段误传的轶事。上半世纪，一位德国音乐评论家发表文章，说贝多芬的《升C小调钢琴奏鸣曲》使他联想起 “瑞士琉森湖上水波荡漾的月光”。于是精明的出版商即以“月光曲”为标题杜撰了一个动人的“故事”：“一天晚上，贝多芬在维 也纳郊外散步，忽然听到琴声，而且是他的作品。他寻声走到一幢 旧房窗前，发现是一位盲姑娘在演奏。他进屋后才知道她非常喜欢 贝多芬的音乐。作曲家非常感动，在月色辉映下，他写下了这首月 光曲……”。 这个故事纯属虚构。其实贝多芬写作这部作品时，正值1801年，当时他的耳聋疾患日渐严重，失恋的创痛尚未平复，在痛苦的心境中，他写出了这首钢琴奏鸣曲。几乎没有一首名曲像这首奏鸣曲一样，因“月光”这一俗称而名满天下、家喻户晓。《月光》这一名 的由来众说纷纭，但最多的是源于德国诗人路德维希·雷尔施塔布(1799-1860)形容这首乐曲的第一乐章为“如在瑞士琉森湖那月光闪 耀的湖面上一只摇荡的小舟一样”。这部作品，贝多芬自己称为 “好像一首幻想曲一样的”(QuasiunaFantasia)。

欣赏欧洲古典音乐的方法

欣赏欧洲古典音乐的方法 欧洲古典音乐的欣赏方法 官能欣赏 最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的震撼力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。 情感欣赏 情感欣赏是进一步的古典音乐欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞(快三)表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。 理智欣赏

欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会 价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须 了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣 赏者自身的理解。 欧洲古典音乐的发展阶段 第一时期巴洛克时期 这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，主要作品《十二平均律》、《托卡塔及赋格》;亨德尔也称清唱剧大师，主要作品 《水上音乐》、《皇家烟火》等;意大利的维瓦尔弟，主要作品《四季》等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。 第二时期古典主义时期 代表人物，有海顿、莫扎特、贝多芬等，这三人一起被后人称为“维也纳三杰”。这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。而在这一时期贝多芬是最著名的代表。他在音乐上的成就非常之大; 是古典乐派的终结者和浪漫乐派的开拓者。主要的代表著有主要作 品有交响曲九部(以第三《英雄》、第五《命运交响曲》、第六《田 园交响曲》、第九《欢乐颂》最为著名)，此外还有《月光奏鸣曲》、《悲怆奏鸣曲》、歌剧《费黛里奥》等大量作品。 第三个时期浪漫主义和民族乐派 代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，特征主要是作曲 形式多样化，有了一定改革，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。 第四个时期近代主义乐派 代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的 作品较难理解，其方法必须多次反复欣赏，多阅读相关资料;掌握演 奏者的再创作，必须要了解世界上著名的指挥家、演奏家、著名乐

西方音乐史之古典音乐的概述

Classical此词和与之相关的词classic（最优秀的，经典的），classicism(古典主义、古典风格)，classicistic（古典主义的、古典风格的）等，用来指源自不同文化、品种繁多的音乐。词源是拉丁语classicus（最高阶层的公民，后来转指水平最高的作家），通过法语classique演化成英语classical和德语klassik。在最早的一种定义里（R.科特格雷夫；《英一法语言辞典》，1611年）将classique翻译为：“classical（经典的），formall（传统的），Orderlie（合乎规格），in due（整齐匀称）或 fitranke（排列适当的）；还有approved（可靠的），authenticall（被公认的），chief（主要的），Principall（首要的）。”在这里特保留其中两部分的意思并注释为：（1）形式严谨、训练有素，（2）优秀的典范；另外补充两点：（3）与古希腊或古拉丁语有关（《法兰西学院辞典》，1694），（4）与浪漫派的（romantic）相对立，后者被认为是“病态的，不合乎规则的”（歌德,十九世纪初期）。第二种解释在不同的几种释义中流行时间最长，传播范围最广。例如福克尔（Forkel）就曾在1802年按这种最普遍的释义使用“klassisch”一词来介绍J.S.巴赫主要的键盘作品（1808年译成英文时用的正是”classical”一词）。通常称颂诸如若斯坎的经文歌，帕莱斯特里纳的弥撒曲，库普兰的组曲，科雷利的协奏曲，亨德尔的清唱剧，舒伯特的艺术歌曲等作品的完美，往往同样也用这个词来形容。 文艺复兴后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来。十八世纪末期在法国、意大利、德国音乐之间存在着的互相渗透的现象，曾为热衷于研究“奏鸣曲式”的奥妙和企图给“古典派风格”下一个定义的某些学者所忽视。甚至在还缺乏基本的风格上的研究的情况下，到十八世纪将要结束的时候，音乐上高度的统一趋势已遍及欧洲，这一点是显而易见的：这是一种有利于承认存在“古典”阶段，即使还不是“时期”的论据。当时那不勒斯、巴黎和柏林三地音乐的表述法，其类似点远远超过非类似点，这种形势在早五十年是不存在的，当时的评论家看到的只能是民族的差别。世界性的风格在所有的通都大邑得到了培育而产生，通过印刷和复制。极大规模地传播到西方文明世界的每个角落。创造这种不同民族共同使用的混合语（Lingu franca）无需依赖维也纳“古典派风格”；更确切地说，它的共同来源（即风格统一的真正核心）似乎应该在于意大利歌剧那种不容争议的统治一切的影响。登特（Dent）竟然到达这样的程度，他声称：“古典传统其实恰恰就是意大利传统” “古典主义”是一个相当不明确的词，它有几种不同而又相关的含义。一种不很恰当的法是将它指流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。 古典音乐是指十八世纪下半叶至十九世纪初，形成于维也纳的一种乐派，亦称“维也纳古典乐派”。以“交响乐之父”海顿（1732－1809）、“音乐天才”莫扎特（1756－1791）、“乐圣”贝多芬（1770－1827）为代表。其特点是：理智和情感的高度统一；深刻的思想内容与完美的艺术形式的高度统一。创作技法上，继承欧洲传统的复调与主调音乐的成就，并确立了近代鸣奏曲曲式的结构以及交响曲、协奏曲、各类室内乐的体裁和形式，对西洋音乐的发展有深远影响。 所谓“古典的”，准确地说，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们回顾往昔，而且企图借鉴那个时代的文化精华。在文艺复兴时期，人们已经这么做了，巴洛克初期亦然，但一直到十八世纪中叶才真正开始重新发现“古典”。特别是考古的发现，展现了一幅简朴、宏伟、宁静、有力、优雅的画面，这在新发掘出来的古希腊和南部意大利的神庙中十分典型。例如，1748年庞贝的发现，其中的遗物被画家临摹和雕刻家模制以广泛流传，理论家们研究它们构成的原则。历史学家和美学家们（其中最著名的为德国人温克尔曼）将它们称为“古典”并作为他们这一时代的典范，有