草间弥生

个人经历

1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。

青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。

1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。”

1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。

1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。

草间弥生作品

1960年代参加了许多反战运动。

1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。

1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。

1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。

1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン?アーバー映画祭）的银奖。

1973年，返回日本。

1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯）

1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本

第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）

1993年，代表日本参加威尼斯双年展。

1998年，参加了台北双年展。

1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。

2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米）

草间弥生及其圆点世界

2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。

2002年，出版自传《无限的网》。

2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学骑士勋章（Chevalier de l'ordre des arts et des lettres）今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”

作品特色

草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术（en:Art Brut）、普普艺术和抽象表现主义等。但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”（obsessive artist）。从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。

草间弥生及其作品

草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品（还有裸体的助理）。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（Infinity nets），代表了她的生命。

此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与时装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。

草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克教堂的燃烧》（1985年）、《天地之间》（1988年）、《拱形吊灯》（1989年）、《樱冢的双重自杀》（1989年）、《如此之忧》（诗集，1989年）、《鳕鱼角的天使》（1990年）、《中央公园的毛地黄》（1991年）、《沼地迷失》（1992年）、《纽约故事》（1993年）、《蚂蚁的精神病院》（1993年）、《堇的强迫》（1998年）、《1969年的纽约》（1998年）

其他评论

草间弥生——这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。

重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。

于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。

《来和我说话》是草间弥生最喜欢的一首歌，也许她忘记了在年轻在纽约玻璃残缺的房间里度过的冬天，虽然有20年的精神病史，虽然是当今最著名的前卫艺术家，但她仍然喜欢一个人在家，端坐在自己标志式的圆点做成的沙发上，

面无表情弹着钢琴哼唱：

拆掉幻想的大门

在沉痛的花朵中

现在从未终结

在通往天堂的路上

我的心沉陷于温柔

向天空呼喊

它蓝色的影子变得透明

拥抱虚幻的阴影

云升

眼泪的声音淹没玫瑰的色彩

我变成石头

不是在永恒的时间里

而是在蒸发的瞬间

人物故事

圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本坏品位的代表人物，年逾80岁，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，并和安迪·沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家见证了当代艺术史。在接受《外滩画报》专访，谈及那些风云人物时，她说：“我觉得没有人比我有才华。我一直把所有的时间都用在艺术上，并且把我最原始的意念和想法全部用到了代表草间弥生的作品上。”

这个夏天，英国伦敦泰晤士河边的树木将被红色背景下的白色波尔卡圆点包裹了起来；9月，在伦敦Hayward 画廊，巨大的雕塑则将把画廊空间的里里外外布置得艳丽时尚；巨大的、重复的、红白相间的圆点，在伦敦的角落蔓延。但凡熟悉当代艺术的人，马上就能想起这些标志性圆点属于那个身着相似图案服装的“日本怪婆婆”。

这就是世界著名的圆点女王、日本超级艺术天后、话题女王——草间弥生。据统计，在日本，年轻人穿着的服饰中，带有圆点图案的服饰约占30%左右。草间弥生10岁左右就开始运用非对称的袖半身红半身白的毛衣装饰自己。至今为止，她的服装全部由自己设计的。圆点和她的精神病一样，成为艺术家身上最深的印记。

40年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪·沃霍尔匹敌。30多年前，她回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993年，她独自代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际艺术的地位。

今年6月底，英国《泰晤士报》公布20世纪最伟大的200名艺术家的调查结果。毕加索、塞尚名列第一、第二，中国艺术家无人入选。日本有4位艺术家上榜，分别为村上隆、草间弥生、杉木博司和野口勇。相比村上隆等日本艺术家，80岁的“怪婆婆”草间弥生比他们提前了整整三四十年。

精神疗养院的艺术工作者

每天早晨，新宿精神疗养院，在助手的搀扶下，80岁的草间弥生缓缓外出。1973年从纽约回到东京，这样的生活，她过了30多年。

白天，她到附近的工作室“上班”，晚上又回到疗养院。她极少外出，也很少会见客人，不逛百货商店，不会使用电脑和手机，过着与世隔绝的日子。此次接受《外滩画报》采访，也是在助手的协助下完成的。

不到10岁时，草间弥生患有神经性视听障碍，经常出现幻听、幻视。她所看到的世界，蒙着一个巨大的网，于是她不停地画画，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来——精神疾病与艺术创作几乎伴她一生。

“有一天，我坐在椅子上看着红色桌布上的纹理、花色，并开始寻找我的周围是不是还有同样的纹理，从窗户、墙壁、天花板到房间的每一个角落，包括我的身体。在寻找过程中，感觉自己被逐渐侵蚀、陨灭，时间与空间不停地旋转着，自我变得微不足道。就在那一刹那间，我意识到这并非只是一种幻觉，也是现实生活的一种存在，我被这真实的幻觉给吓坏了，我对红色桌布和上面的纹理产生了强烈的恐惧……我夺路而逃，台阶却在我脚下散落，我从台阶上摔了下来，手和脚踝都跌伤了……”

在疗养院附近的工作室里，她完成了包括巨型南瓜在内的数千件作品。同时，她还发表了十几本小说和诗集。最近，草间弥生终于在疗养院隔壁买下一栋楼。她说，那是自己一生中最大的一笔花销，但至关重要，“我在那里画画，并进行雕塑作品的设计。那是我的工作，也是我的全部。”

1973年，草间弥生从纽约回到日本之后便远离了公众视野。很少有人了解她的生活，唯一的线索就是长期接受精神治疗。去年，以草间弥生工作室为背景的纪录片上映，这是首次公开她的私密档案，大受欢迎。镜头中的草间弥生，身材矮小、略微驼背，穿着她自己设计的圆点衣服，戴着颜色艳丽的假发，还化着浓妆。

在工作室里，草间弥生会换上宽松的工作服，并开始至少8小时的工作。疗养院把这位80岁的老人照料得很好。草间弥生身体非常健康，但画画已经不是那么得心应手，经常需要助手们帮助。在助手们完成耗时而累人的铺色工作之后，她用自己特有的圆点表达不同的幻觉和梦境。

在精神疗养院里，草间弥生有一间私人卧室。即便在深夜，从工作室回来之后，她仍然可以在这里工作。写小说，写诗，画设计图或一些小画。在工作日，她会拨通经纪人的电话，絮叨地描述着自己前一天的状况，某件作品最新的进展，甚至是自己最喜欢的甜点——她比较贪恋甜食。即便是精神状况很好的时候，草间弥生还是经常会忘记自己说过什么，或者会重复已经说过的话，对方已经完全习惯了这种的方式，以至于通话时间有点长。

对于40多年前曾经让自己大红大紫的报纸，草间弥生一直都在关注。她每天都会认真地看报纸，往往是从政治部分开始，这是保持了几十年的习惯。“在日本生活很难，除了在精神疗养院。”多年前的一次采访中，草间弥生如是说。草间弥生曾经患有精神分裂症，躺在床上会觉得天花板在旋转，强烈到感觉眩晕，控制不住自己，接着就会很沮丧、很焦急。如今，当她独处时，依然有着相同的困扰。事实上，早在几十年前，就有人提出，草间弥生是在利用自己的精神问题炒作。时至今日，人们对于她的精神状况依然不得而知，唯一确定的是，她依然住在精神疗养院里。

10年前，台北画廊博览会曾邀请草间弥生作为艺术明星亮相。她在经纪人的陪同下应允前往，并将一个几米高，占地几十平方的《南瓜》带到现场。这是她离中国粉丝最近的一次。由于语言不通，在博览会现场和酒会上的草间弥生木讷寡言，开幕致辞也由经纪人代为完成。有媒体指出，经纪人、助理等人像棉

花一样填充在草间弥生这个易碎的玻璃制品周围，帮她打点一切事务。草间弥生则用大多数的时间在精神疗养院里休息、创作，游走于艺术家和精神病患者两种身份之间。

“草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞，窥知了造物者的某个手势或背影，她从此寄居这面墙上，在两个世界间来回顾盼。”蔡康永的一篇名为《自愿住进精神疗养院的艺术家草间弥生》博文中这样比喻道。

引领前卫半个世纪

草间弥生在美国的十几年，正值波普艺术的兴盛期。多年以后，当评论家们重新梳理她的创作历程时，把草间弥生式的疯狂，归位于复杂的社会环境：“那是一个‘嬉皮士’横行的时代，草间弥生很快就意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战，吸食毒品，追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护，崇尚性解放。很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有和出名。”

草间弥生在纽约的经历将日本人的名字写入西方波普艺术史，1962年，草间弥生与安迪·沃霍尔等一起参加在绿色画廊的群展。绿色画廊同年本打算为她举行个人展览，但因缺乏资金不得不放弃。当Olden Burg的个展在绿色画廊开幕时，包含于草间弥生无限重复的男性生殖器相似的软雕塑。他的妻子诉说了草间弥生对某些作品的影响。“ 很抱歉我们采纳了您的创意。”她说。

几乎是在相同的时间段，安迪·沃霍尔就像经营一个模仿品的批发店一般不断吸收周围的一切元素。在草间弥生“千船会”展览的开幕式上，沃霍尔带着极震惊的表情对其完美表现大加称赞。如果草间弥生不是因为精神疾病离开纽约，她会是安迪·沃霍尔艺术地位的最有力竞争者，但精神疾病恰恰又是草间弥生几十年创作的主导。

国内评论家陆蓉之把草间弥生和小野洋子比作20世纪国际艺坛最闪耀的女明星。小野洋子与列侬的世纪之恋以及与欧美艺坛核心势力的接触，都使得她在流行文化中的知名度远远大于草间弥生。“但就具有标志特性的独特艺术风格以及开创性来说，草间弥生的复活源自她的艺术本身。”陆蓉之这样说。

“在小野洋子遇到列侬之前，她的作品就已经很棒了。但从某种意义而言，列侬使得她更受关注。草间弥生的经历虽然传奇，却没有一个类似列侬的角色，这可能是她并非尽人皆知的原因之一。”独立策展人方振宁这样评价：“不容忽视的是，她既是日本当代艺术的先锋，在纽约期间，更影响了美国的波普艺术。”

曾经邀请草间弥生参加台北画廊博览会的洪平涛回忆：“那次，草间弥生的几十件绘画或小件雕塑被抢购一空，遗憾的是那个巨大的南瓜在两三个月后都没有卖出。因为在台北找不到合适的仓库，我们把南瓜运到了乡下，包裹得严严实实，放在田里，好像一个碉堡，直到最后被运回日本。”这一巨型南瓜当时的价格不超过50万元，而今天已经涨了数十倍。10年间。每每提及此事，洪平涛都觉得惋惜。

1966年，草间弥生“非法”参加威尼斯双年展。她未经同意就带着作品《那克索斯的花园》(Narcissus Garden) 出现在绿园中央的意大利馆前面，1500个金色镜球( 内部是塑胶制) 构成的装置，醒目突出，她本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示：一个金球价格2美元，强调艺术品可以像热狗一样叫卖。在被双年展组委会请出去之后，她穿着猩红色的紧身衣摊开双臂躺在镜球中间，风头超过所有参展艺术家。

1993年，草间弥生独自代表日本参加威尼斯双年展，日本政府专门为她设

立主题馆，以此向这位前卫女王致敬，草间弥生在本国以及国际艺术地位重新得以确立。几十年精神疗养院的生活打磨掉了草间弥生的叛逆，她的作品回归架上绘画和雕塑，布满圆点南瓜系列作品成为经典。同时，草间弥生还把她的圆点铺到设计类产品上，为兰蔻设计的化妆包和为AU设计的手机都在热卖，昔日纽约轰轰烈烈的“前卫女王”至今依然引领时尚。

草间弥生

花朵、圆点、南瓜，没人看见草疯长 草间弥生1929 年生于日本长野县松本市一户富裕家庭，家族经营种子生意一百多年。“当时温室还很稀有，但我们家就有6间，常常会有学校带学生来参观。我家算是资产阶级，会赞助当地画家，可是一旦我想要成为画家，那又另当别论。” 10岁那年，她用铅笔画了一个安静、忧郁的小女孩，这是她的童年写照。 “我很小的时候，经常带着素描本跑去家里的采种场玩。那里有一大片槿花，我会坐在花圃里胡思乱想。某一天，一朵朵槿花像人一样摆出不同表情开始和我说话，它们的声音越来越大，大到我的耳朵开始痛。” 为了抵抗幻觉带来的惊恐，她拿起了画笔，画了许多张牙舞爪类似花朵的植物，后来做得越来越庞大。植物主题在她的创作中延续，反映的就是她对童年的回忆。 然而，她的精神疾病和对绘画的兴趣，遭到母亲的无视和嘲讽。在母亲看来，草间弥生所谓的幻觉都是胡说八道，画画更不是富家女应该做的事，她毁掉了草间弥生的画布，罚她和工人一起干活，还经常把她关起来打骂。“母亲常跟我说，没生你就好了，还打到我几乎失聪。我经常离家出走，晚上站在街头希望过往的车辆结束我的生命，我曾企图卧轨自杀，但那时的我太小太轻，风太大，我的身子飘了起来。” 草间弥生的父亲是入赘到她母亲家的，他的放荡生活导致妻子歇斯底里。“每次父亲出去找情人，母亲都叫我去跟踪，我在冬天的寒风中流鼻水，一边发抖一边走，由于年纪小，我一下就被父亲甩掉了，结果回到家，母亲又对我大发雷霆。在这惨淡的家庭里生活，只有画画能让我清醒。” 1941年，积年累月的战争扩大演变至太平洋战争阶段，大约这时候，草间弥生患上了神经性视听障碍，她经常出现幻觉，看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网，“身边出现薄纱一样的灰色帐幕将我盖住”。强烈的恐怖感让她的精神接近

LV品牌传播策略分析(朱柔芸)

路易·威登品牌传播策略分析 一、路易·威登品牌简介 路易威登创立于1854年，现隶属于法国专产高级奢华用品的Moet Hennessy Louis Vuitton集团。LVMH集团在销售额、市值、影响力等方面，都处于世界第一的位置。而LV作为LVMH的头两位字母，其影响力以及在人们心中的地位不言而喻。 LV作为旅行用品最精致的象征，一百五十年都是以崇尚精致、品质、舒适的“旅行哲学”，作为设计的出发基础。如今的路易·威登这一品牌已经不仅限于设计和出售高档皮具和箱包，而是成为涉足时装、饰物、皮鞋、箱包、珠宝、手表、传媒、名酒等领域的巨型潮流指标。 “字母组合帆布”是路易·威登的第一张面孔，也是它永恒的镜像。路易·威登的儿子乔治用父亲姓名中的简写L及V配合花朵图案，设计出到今天仍蜚声国际的交织字母印上粗帆布（Monogram Canvas）的样式。从设计最初到现在，伴随着丰富的传奇色彩和典雅的设计毅然成为时尚之经典。 二、路易·威登品牌在中国 目前LV在中国大陆地区已经开设9家旗舰店和35家专卖店。据高盛银行的报告，今年我国奢侈品消费高达65亿美元，连续3年全球增长率第一，销售量第一，而其中很大一块属于 LV。LV在中国的28个城市拥有35家门店，其销售额已占到全球销售额的近4 成。 从2007年起，LV在中国的开店速度明显加快，其新增店面大多分布于二三线城市，如长沙、西安、青岛、厦门、无锡、温州、南宁、昆明等。据麦肯锡的一份调查显示，到2015年，中国75％的富人将生活在二三线城市及一些非沿海城市。中国未来5年内愿意消费奢侈品的人会从4000万增至16000万人，主要集中在二三线城市。不过，与一线城市消费者相比，二三线城市的消费者有一些不同的消费特性。因此，路易威登根据“渠道下沉，迅速坐拥二三线，守望四五线城市”的大策略，对这些城市进行单独的市场调查，针对这些城市不同的消费者特性，相对应地展开营销。

波谱艺术

波普艺术 百科名片 波普艺术 是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。主要 目录[隐藏] 发展历史 波普艺术的特点 代表作家 中国波普艺术代表作品： 《波普艺术》 发展历史 波普艺术的特点 代表作家 中国波普艺术代表作品： 《波普艺术》 [编辑本段] 发展历史 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当 代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的 冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这 一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠 特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波

普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。 美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的 艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。 集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。 [编辑本段] 波普艺术的特点 英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。 波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。 波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。 波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。 波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。 [编辑本段] 代表作家 安迪·沃霍尔（Andy Warhol）

草间弥生

【摘要】圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本坏品位的代表人物，年逾80 岁，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，并和安迪.沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家见证了当代艺术史。 关键词：草间弥生当代艺术精神病艺术家 草间弥生（1929年3月22日－）被称为日本现存的经典艺术家，出生于日本长野县松本市，在1956年移居美国纽约市，并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作，现居住在日本东京。她曾与当代卓越的艺术家如安迪·沃荷（Andy Warhol）、克勒斯·欧登柏格（Claes Oldenburg）、贾斯培·琼斯（Jasper Johns）一起联展 一、一无所有 “如果你一定要问我从什么时候开始艺术创作的，我可以告诉你，那是在很小很小的时候。我的一生，我活着的每一个日子，都与艺术相关。要是人可以有来世，我还想再做艺术家。无论生与死，艺术对于我来说就是一切。” 在接受媒体采访时，草间弥生一遍又一遍地表述着艺术对于她的重要性，艺术是她一生中唯一抓住的东西。 1929 年，草间弥生出生在日本长野县松本市的一个富裕家庭，家族经营种子生意一百多年。 不到10 岁时，草间弥生就患有神经性视听障碍，经常出现幻听、幻视。她所看到的世界，蒙着一个巨大的网，于是她不停地画画，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来——精神疾病与艺术创作几乎伴她一生。 在10 岁时，草间弥生画了一幅铅笔画，一个小女孩阴郁而安静，没有一丝笑容，这恰恰是她童年的写照。 母亲将家族生意经营得有声有色，却对女儿的精神疾病一无所知。在她看来，草间弥生所谓的幻觉都是在胡说八道，而画画更不是富家女应该做的事情，她更希望自己的孩子成为“收藏艺术品的人”。母亲毁掉草间弥生的画布，罚她和工人们一起干活，经常把她关起来。“每天打我，还踢我屁股”，强烈的恐怖感让草间弥生的精神接近崩溃。 童年的记忆虽不尽美好，却极大地激发了她的创造力。草间弥生不但“发

草间弥生简介

《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看著红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转著，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。” 1955年，与美国女画家格鲁吉亚·欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。 1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。 1960年代参加了许多反战运动。 1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。 1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。 1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿著金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。 1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン?アーバー映画祭）的银奖。1973年，返回本。 1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯） 1980年代之后1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374） 1993年，代表日本参加威尼斯双年展。 1998年，参加了台北双

草间弥生——我的一个梦

草间弥生——我的一个梦-美术论文 草间弥生——我的一个梦 戴兰 Museum of Contemporary Art Shanghai stages AsianTour of “Kusama Yayoi—A Dream I Dreamed” sinceDecember 15, 2013. This exhibition is the woman artistacute;sfirst-ever large-scale solo exhibition in China, which isthe only stop in China. More than 100 artworks, createdby Yayoi Kusama, grandly make debut, including imagevideos, paintings, screen printing works, iconic sculptureof giant pumpkin and large-sized devices. 上海当代艺术馆于2013年12月15日带来“草间弥生——我的一个梦”亚洲巡展,这个展览是艺术家在中国的首次大型个展,也是在中国的唯一一站,展出草间弥生一百多件作品,包括她的影像视频、绘画、丝网印刷作品、标志性的巨型南瓜雕塑、大尺幅的装置等等。 本次展览以全面且多元的方式呈现草间弥生六十年来惊人的艺术脉络,从早期自日本至纽约时”无限的网”系列,到艺术家最为人熟知的圆点图案作品,艺术家以新的媒材制作大型装置,创造出一个全新的异象世界,反映出被誉为前卫艺术女王的草间弥生独树一格的艺术魅力。 草间弥生将幻觉转化为惊人的创作语言,艺术成为她的慰藉。她的作品反映对自我身份的认同，是一种持续且严谨的研究方法，也是她对艺术、对生命永无止境的追求。虽然阐述的议题是如此严肃,她作品中缤纷的色彩、重复堆砌的图案、祈许爱与和平的意念,却能轻易地拉近观看者与作品间的距离,故即便是不熟

圆点女王 草间弥生

圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本坏品位的代表人物，年逾80岁，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，并和安迪·沃霍尔、小野洋子等先锋艺术家见证了当代艺术史。 这就是世界著名的圆点女王、日本超级艺术天后、话题女王——草间弥生。据统计，在日本，年轻人穿着的服饰中，带有圆点图案的服饰约占30%左右。草间弥生10岁左右就开始运用非对称的袖半身红半身白的毛衣装饰自己。至今为止，她的服装全部由自己设计的。圆点和她的精神病一样，成为艺术家身上最深的印记。40年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪·沃霍尔匹敌。30多年前，她回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993年，她独自代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际艺术的地位。 英国《泰晤士报》公布20世纪最伟大的200名艺术家的调查结果。毕加索、塞尚名列第一、第二，中国艺术家无人入选。日本有4位艺术家上榜，分别为村上隆、草间弥生、杉本博司和野口勇。相比村上隆等日本艺术家，80岁的“怪婆婆”草间弥生比他们提前了整整三四十年。 今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。” 草间弥生及其作品 草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品（还有裸体的助理）。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（Infinity nets），代表了她的生命。 此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与时装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。 1929年，草间弥生出生在日本长野县松本市的一个富裕家庭，家族经营种子生意一百多年。 在10岁时，母亲毁掉草间弥生的画布，罚她和工人们一起干活，经常把她关起来。“每天打我，还踢我屁股”，强烈的恐怖感让草间弥生的精神接近崩溃。 童年的记忆虽不尽美好，却极大地激发了她的创造力。草间弥生不但“发明”了那些张牙舞爪的类似花卉的植物，还把它们做得越来越庞大。花和植物成为草间弥生创作的主题，并已经在洛杉矶展出了“午夜怒放之花”系列，正是因为她对童年的回忆。 1955年，26岁的草间弥生在旧书店发现了美国女画家乔治亚·欧姬芙的作品。在一位懂英文的堂兄的帮助下，她写信给乔志亚·欧姬芙寻求帮助。“虽然我在远方，虽然我在艺术的道路上才刚刚起步，我还是恳请你为我指路……”深受感动的女画家回信给草间弥生，表示愿意在美国推荐她的作品。 1957年，草间弥生拿到了去美国的签证，离开之前，母亲给了草间弥生100万日元，告诉她永远不要踏入家门。临走时，她在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对母亲的愤怒。 “在美国人眼中，日本女人就好像温室里的花朵，草间弥生打破了这样的看法，她强悍而具有创造性。”纽约评论家Gordon Brown在1960 年代接受采访时有这样的表述。 美国艺术家约瑟夫·柯内尔的出现给草间弥生的人生增添浪漫色彩。柯内尔是近代美国著名艺术家、雕塑家和实验电影先锋人物。“第一次见到他时，他穿着一件奇怪的外套，我被吓坏了，以为自己见到的是一个幽灵。” “ 他每天写信给我，打无数个电话给我，在电话中呼唤我，以至于有人问我，电话是不是坏掉了。我说，不是的，是因为他一直在和我通话。”草间弥生后来回忆，柯内尔有一天，竟然给她写了14封信。自上世纪60年代认识后，两人一直相伴，直至1972年约瑟夫·柯内尔去世。 爱人的去世给草间弥生沉重的打击，她的精神问题越来越严重。1973年，约瑟夫·柯内尔去世的第二年，草间弥生从纽约回到东京，离开艺术家与评论家，逃出媒体视野，独自一人在精神疗养院生活。

12个关键词解读“怪婆婆”草间弥生

12个关键词解读“怪婆婆”草间弥生 圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆……再多的标签也不足以囊括草间弥生复杂而多变的 一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本“坏品位”的代表人物，在40多年前成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪?沃霍尔匹敌。30多年前，她回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993年，她独自代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际艺术界的地位。2012年6月底，英国《泰晤士报》公布20世纪最伟大的200名艺术家的调查结果，毕加索、塞尚名列第一、第二，日本有四位艺术家上榜，分别为村上隆、草间弥生、杉木博司和野口勇。相比村上隆等日本艺术家，草间弥生的艺术比他们超前了三四十年。 童年 草间弥生1929年出生在一个经营种子生意的富裕家庭，父亲是上门女婿，生性放荡，经常在外面拈花惹草，母亲个性强悍，近乎歇斯底里。两人不断爆发激烈的争吵，家无宁日。家庭关系的扭曲使得草间弥生自幼孤僻敏感，她曾形容自己为“特异儿童和不良少女”。一张草间弥生10岁时的黑白照片上，她气质安静、神色阴郁，手执花束，硕大的花盘

将她围绕起来，仿佛要将她吞没。草间弥生和世界独特的关系从那时便开始了，只有借助不停地画画，她才能暂时逃离周遭世界投射在她内心的压抑、惊慌和可怖。当时母亲坚决反对草间弥生画画，希望女儿将来成为一名商人而不是艺术家。她发疯般地踢翻她的调色盘，毁掉她的画布，甚至打她耳光，罚她和工人一起干活，还经常把她关起来。恐惧感和叛逆情绪让草间弥生迸发出更强大的绘画激情，她发誓决不放弃自己喜爱的艺术，继续以绘画来表现自己所体验到的孤独世界的幻觉。母亲见草间弥生不思改悔，就想让她早日出嫁，以断了她成为画家的念想。姐姐也不断拿来各种富家子弟的照片让她挑选，乡里人也前来说媒。但草间弥生丝毫不为所动，一门心思地做着自己的画家梦。1957年，草间弥生拿到了去美国的签证，离开之前，母亲给了她100万日元，告诉她永远不要再踏入家门。临走时，草间弥生在家外的河堤上毁掉了数千件作品，表达对自己的愤怒。 精神病 草间弥生在10 岁前后患上综合性视听失调症，开始被大量幻觉所困扰。幻听、幻视的恐怖不时袭击着她的精神世界，她甚至企图自杀。“有一天，我坐在堇菜花丛中，突然间，我发现一朵朵堇菜有着人类一样个性的脸，我听见这些花在向我倾诉。这些倾诉的声音不断变响，以至于我的耳朵疼痛起来……我还有过这样的体验：夕阳西下、天色变暗时，

从色彩和符号角度试析草间弥生的作品

从色彩和符号角度试析草间弥生的作品 □彭东航 摘要：草间弥生是一位在20世纪乃至21世纪都备受关注的艺术家。她运用大量的波点创作出极具视觉冲击力的作品。她的作品范围很广，包括油画、软雕塑、装置等，无不反映着她的内心世界。草间弥生的作品除了无限“增殖”的圆点之外，最引人瞩目的就是醒目的色彩。该文作者认为，她作品中选用的每一种色彩，都是对自己内心世界的真实写照，有焦虑，有不安，还有对世界的热爱。爱娃 海勒的《色彩的性格》一书主要分析色彩背后所蕴含的各种意义，通过对各种颜色的层层分析，使读者了解色彩心理、色彩象征等方面的知识。康丁斯基的著作《点线面》分析绘画中最基本元素的深刻内涵。该文拟结合《色彩的性格》和《点线面》的理论，尝试从色彩和符号的角度分析草间弥生的一些经典作品。 关键词：草间弥生圆点色彩色彩性格 一、草间弥生的生平 1929年，草间弥生出生于日本长野县松本市。她的家族是拥有百年历史的苗圃批发 商，家族渊源使她从小就对各种各样的植物有着浓厚的兴趣。从小就梦想当艺术家的草间 弥生一直受到母亲管教问题及保守家庭观念的困扰。“二战”结束后，草间弥生得偿所愿，进 入京都学习胶彩画，但不久就对胶彩画的种种束缚感到厌烦。后来，草间弥生从杂志上接 触到西方立体派和超现实主义，并由此开始探索反传统的抽象语言。1957年，草间弥生在 乔治亚 奥基弗的帮助下来到美国，逐渐在美国站稳脚跟。 草间弥生的作品甚至影响过著名波普艺术家安迪 沃霍尔。尽管草间弥生拥有很高的 国际地位，但她的知名度不如同时代的其他艺术家。20世纪90年代末，草间弥生渐渐产生 影响力，活跃在世界各大展览上，成为举世瞩目的日本女艺术家和在世的著名女性艺术家 之一。 草间弥生作为日本现代艺术领域的独特存在，曾被归入很多流派，如女权主义、超现实 主义、抽象表现主义、极少主义和波普艺术等，但其实草间弥生的艺术很难被界定到任何一 个流派中。关于流派的分歧，反而从侧面证明了她的世界影响力。我国评论家陆蓉之则将 草间弥生和小野洋子比作20世纪国际艺坛最闪耀的女明星。 二、草间弥生作品中的符号——圆（点） 圆点为什么能成为草间弥生创作的源泉？有观点认为：“一方面，她从自然物原始图腾 的圆受到启发。另一方面，出于女性自然的感受能力，圆，温润、丰满、柔和，不像其它形状 那样有些许金属感。她信手拈来，天衣无缝地用到自己的作品里。”①笔者认为这种说法只 是将草间弥生的圆点“诗意化”了。其实她真正的创作过程并没有那么美好，相反地，非常 痛苦。 其实，综合草间弥生本人的描述以及相关学者的研究不难发现，用圆点创作其实与她 的经历有关。草间弥生幼年患有神经性视听障碍疾病，她眼中的世界就像隔着一层带有圆 点的网。她的母亲曾对她说，只要能把眼前的圆点全部画出来，病就能痊愈。这也是草间 弥生不断地画圆点的原因。就是这样无限的、网般的圆点成为她的标志性艺术，也确立了44

草间弥生 演讲稿

草间弥生演讲稿 演讲稿 大家都知道公共艺术是象征着整个城市的精神和发展的脚步，但也有很多公共艺术也是一个艺术家内心的独白和他们情感的表达。 今天我为大家介绍的是通过点来表现自己独特性格的艺术家。说到点，大家也许第一时间想到的则是日本的艺术家——草间弥生。我对于对草间弥生的印象就是一个字怪～奇怪的穿着，奇怪的不符合她这个年纪的发色，奇怪的创意。但就是这一切的奇怪彰显着她所有的独特，才让人看到的第一眼就深深的记住了她。 但是她的怪我认为并非与生俱来，而是与她的成长经历有关。接下来是她的成长经历。1929年3月22日草间弥生出生于日本长野县松本市，毕业于日本长野县松本女子学校。在10岁时，草间弥生画了一幅铅笔画，一个小女孩阴郁而安静，没有一丝笑容，这恰恰是她童年的写照。母亲将家族生意经营得有声有色，却对女儿的精神疾病一无所知。在她看来，草间弥生所谓的幻觉都是在胡说八道，而画画更不是富家女应该做的事情，她更希望自己的孩子成为“收藏艺术品的人”。母亲毁掉草间弥生的画布，罚她和工人们一起干活，经常把她关起来。“每天打我，还踢我屁股”，强烈的恐怖感让草间弥生的精神接近崩溃。童年的记忆虽不尽美好，却极大地激发了她的创造力。草间弥生不但“发明”了那些张牙舞爪的类似花卉的植物，还把它们做得 越来越庞大。花和植物成为草间弥生创作的主题，并已经在洛杉矶展出了“午夜怒放之花”系列，正是因为她对童年的回忆。 下面是她一系列的作品。最能代表她的我想就是这波点南瓜了。 但最后让她成名的却是1966年，作品《无限的爱》(Love Forever)，使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品。她的作品《那

草间弥生

个人经历 1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。 青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。 1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。” 1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。 1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。 草间弥生作品 1960年代参加了许多反战运动。 1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。 1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。 1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。 1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン?アーバー映画祭）的银奖。 1973年，返回日本。 1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯） 1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本

KUSAMA草间弥生 的经历

草间弥生 一、基本资料 中文名：草间弥生 日文原文：草間彌生 平假名：くさまやよい 罗马字：Yayoi Kusama 性别：女 出生年月：1929年3月22日，现年85岁，白羊座。 血型: ? 国籍和籍贯：日本、日本长野县松本市 职业：艺术家[百度百科]、设计师、作家 所属单位：？ 毕业院校：京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）、主修日本画[地址：？] 兴趣爱好：？ 家人：？ 二、 主要经历： 1929年，3月22日，出生。 1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆。 青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在 的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。 ?1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。 ?1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的 时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。”

1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，并开始准备到美国。 1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。 1960年代参加了许多反战运动。 1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。 1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。 1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼 斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。 1973年，返回日本。 1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯）1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）1993年，代表日本参加威尼斯双年展。 1998年，参加了台北双年展。 1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。 2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米）。 2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。 2002年，出版自传《无限的网》。