对山水画创作的一点感悟

对山水画创作的一点感悟——吴喜全

回过头来看，我在20多年绘画创作的生涯中，对养育我的北方黑土文化一直心存感激。它才是我艺术创作的根基和土壤，我在画面里就是以魂为山，以心为水，为通向艺术的最高境界，找到了一条大山大水永恒本质的心灵通道。

在我多年的创作实践中，我也借鉴过西方文化的一些特点，不断对源源流长的传统文化进行深入探索，对自己的作品风格确立了发展方向，在表现的领域里不断拓宽自己的思路，在陈旧的内容里，提炼出新的意境，寻找在历史绘画中没有得到成熟的表现手法，随着时代生活的变化和发展，自然物象中，又时时有新的变化，在以大自然山水为依据，在不断实践中获得了启示和创造性的灵感，强调山水画不依据内容而独立存在的意义。

我潜心研究中国山水画的这些年里，一直喜欢沉静，把冰雪的神奇用心融进北国的茫茫林海，把北方人鲜明的个性，用淡泊清雅的情调构于作品中，用章法构图、形象造型衬托背景，点燃了一直萌动的创作灵感和执着的追求，但很多时候我更喜欢把传统的技法和现代绘画的意识结合起来，把塞北清新幽远的世界植入我的心中，去追求那平凡自然的北国画卷，就会把新奇、纯朴、高远的意境充分展现在作品里。

我创作的感受是，从大自然到艺术创造这个过程，都需要画家艰苦实践，这种时间就是画家头脑中进行的精神活动所产生物质结果的一次再现，也就是通过笔、墨、纸、砚把你心中的美好画面表现在宣纸上，这就是人们常说的，对自然万物、眼有所见、心有所悟的意境，巧妙地描绘成画卷。我对清人郑板桥总结画竹的过程所写得一首小诗感受颇深，这首小诗生动准确地揭示出作为画家创作生活的艰辛，小诗是这样写的，“四十余年画竹枝，日间习笔夜间思，冗繁削近留清瘦，画到生时为熟时”，郑板桥画竹一画就是四十年，可见用功之深，才能画到胸有成竹，同时更说明作为一代大师的艰难。我们看到板桥的竹，每枝每叶都没多余，每一笔每一横都尽显其精神，可见“神韵悠悠”对作品和画家都有极其重要的意义，它是画家制造的意境与有形无形之中，有限于无限，以瞬间昭示永恒。“画到生时为熟时”的“生”，不是生疏的生，而是新生的“生”，而是要想把作品画出一种新的境界来，是需要全身心地付出辛勤和汗水的，我们通过这首小诗看到板桥对画竹的感受，是多么的深刻，画家的笔墨、结构、符号化得造型都是画家的心灵语言，创作作品的过程就是精神物化的过程，只有让你作品的画面上充满力、气、神，你的作品才能让欣赏者感受到你的思想，画家的心灵与欣赏者的心灵互为感应才能撞出耀眼的火花，自然恬淡和清逸高远的意境，才能穿越时间与空间的流动，这流动就是作品的灵魂，这灵魂才是神韵所能表示出艺术作品的最高境界。

所以画家一定要善于饱含性灵和人格力量，还得有哲学内涵，让你的作品展示出心灵之光和自然地精气之美，唤起人们对美的追求，牵出远离尘埃的渴望，让人们崇尚自然的回归，这才是一种突破和创造，这也是我一生的追求目标。《追忆的梦》是我一幅参展作品，这是我长期探索求新的一个尝试，创作必须将技法、理论和心境，读懂读透，才能把自己滋养透彻，烦躁浮华是不可能创作出传世的作品的，作为一个画家起点要高，境界要高，还必须有自己的个性语言，这才是绘画人的聪明之举。

美丽富饶的北方，四季分明，有着千百年的文化沉积，那山、那水、那雪都给这里居住的古老民族赋予智慧和力量。作为文化的传播者，我得骨子里自然有东北人的脾性，这美丽动人的东北大山水，早已经在我的心中变成了美丽的神奇画卷。作为画家能为自己结缘于这片创作根基的土壤而振奋，我能用我的笔墨把心中的山水草木展示给人们是我一生时间的目标和对艺术完美境界的追求。可能我一生也必会达到艺术完美的境界，但我会孜孜不倦地对绘画艺术创作永远探索下去，这就是我人生旅途中最大的快乐，我更希望这条道路铺满鲜花和充满阳光。

浅谈中国山水画的发展历程

浅谈中国山水画的发展历程 关键词：山水画历程 摘要：山水画的艺术发展历程人们自古以来就有着亲近自然、追逐山水的欲望。“高山流水，小桥人家”是古代人们所追逐的，便出现的山水诗；古人描绘山水，便出现了山水画；古人创造山水，便出现了中国古典园林。中国山水画与中国古典园林的起源和发展有着密切联系，两者的创作一脉相成。在漫长的发展过程中相互作用，逐渐形成了一种独特的风格和审美情趣。 一.起源（石器时代、殷、周、秦汉） 山水画是中国画中的特有的画种之一，说到中国山水画起源得先从中国绘画说起。早在旧石器时代，制陶工艺的出现使得绘画在陶器的装饰上得以表现；在新石器时代，彩陶上的装饰图案代表新石器时代绘画的最高水平；原始岩画是中国绘画最早的遗存，原始岩画包含着人类的智慧和本性，反映了原始先民的朴素理想、信仰和生活；而到了秦汉，实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山系平陆早园汉墓壁画《山水图》。 最早见于文字记载的园林形式是“囿”，园林里面的主要建筑物是“台”。中国古典园林的雏型产生于囿与台的结合，在奴隶社会后期的殷末周初。囿台主要是满足上层社会阶级，他们用囿台狩猎、游玩、观察天象和气候以及祭祀。而在秦汉园林则以山水宫苑的形式出现，离宫别馆与山水环境结合，范围大到方圆数百里。其中最为有名的是“阿房宫”，它首先在苑囿中建立朝宫，实现了皇家园林里的游赏、居住、朝政等活动的兼容，促使了具有宫苑式的“园”的形成。中国园林从汉起称“苑”。其中以上林苑最为著名，它是中国历史上最大的一座皇家园林。同时在汉文帝时期还出现了私家园林，《西京杂记》就记述了这个时期茂陵富人袁广汉所筑私园情况：“东西四里，南北五里，激流水注内。构石为山，高十余丈，连绵数里。”以山水为建筑要素亦在私家园林中建设。

浅谈山水画创作

浅谈山水画创作 摘要： 要画一幅山水画，首先要构思画面的内容，在进行构图布局，然后把要表现的内容合理恰当的安排在画面当中。运用一定的笔法、笔墨，按造作画的规律与步骤进行创作。 关键词： 布局构图皴擦点染树木 山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位，它凝聚着这中华民族丰富的智慧和感情，也体现着东方艺术崇高的审美思想。把描绘大自然的画称为“山水画”，而不叫做“风景画”，是具有其他独立含义的。“河山”“江山”“山河”是“祖国”的同义词，因此山水画可以说是爱国主义精神在中国艺术中的具体反映。 山水画借描写自然景物以表达作者情感，借景抒情，从一开始便明确了主客观辩证统一的创作道路。“寄情寓意”“缘物寄情”，意与景汇，景与情通，情景交融而产生“意境”，这便是山水画的灵魂。 写形传神，山水画神形兼备，是中国山水画艺术创造的最高则，也是一条基本规律。写形是传神的手段，传神是写形的目的。 “搜尽奇峰打草稿”“宇宙在乎手”“造物在乎我”，这都要求在长期观察、研究自然规律的基础上，做到“胸有丘壑”“胸有万象”。苏东坡说： “必须得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其见。”这样在作画时才能任意挥洒，顷泻而出。 山水画比较重视自然物象的本质和常态，偏重物象的固有色，以简单对复杂，把自然界的色彩做单纯典型化的处理，以大块典型画的色块相互映衬取得物象间的对比和协调，从而获得富于装饰趣味的独特效果。 一、布局、构图

出于对山水画的兴趣与了解，最终确立写意山水为毕业创作题材。写意山水讲究意境，而意境又是根据整幅画的布局构图即山石、树木、房屋、舟桥、人物等，安排笔墨的运用来表现。整幅画由近景、中景、远景三个部分组成。在确立了整幅画的布局之后，开始安排细节的部分。山水画的构图要讲究一定的规律和法则。所要描绘的内容需要经过概括、取舍、适当夸张艺术加工手法、采用适当的构图方式，把所要表现描绘的物象巧妙的安排在整个画面当中。 画面当中的留白部分不是因为留白而留白，它是为了整个画面的布局构成。房舍安排在中景，作为整幅画的描绘场景。房舍之后就是作为远景的高山。远景与中景是利用云雾连接的。 画面构成就要考虑其绘画语言。绘画作品的内容最终要通过一定的绘画语言，才能表现使它成为可视的感性形象。山水画的绘画运用语言也是运用点、线、面、色等视觉造型语言。 笔墨技法对山水画的意境营造起着重要的作用。画面中的山石树木点景均有其完整的程式。 例如山石的皴法就包括披麻皴、斧劈皴等多种皴法。其次，树木的位置安排，要考虑其前后虚实，还有各种不同树木的搭配使画面更和谐整体。画面中的山石、树木、房舍通过用笔用墨来表现塑造的。这就要涉及画面墨色的运用。古人云： “有笔有墨，笔墨二字，人多不晓，画岂无笔墨哉？但有轮廓而无皴法，及谓之无笔；有皴法而无轻重、向背、明暗、即谓之无墨。”“以墨为主”“以墨为彩”是中国山水画的独到之处。因为表现的对象比较复杂，要求画面能有“大”“多”“深”“厚”的感觉，通过勾、皴、擦、点、染，层层递加。 二、笔法、墨色运用 1．勾 山水画不是一遍就可以完成的，需要层层递进，反复多遍才可完成。在第一遍干后，再递加第二遍，否则渗化在一起，易臃肿浮胀。第二遍是第一遍的

中国古代山水画鉴赏论文

中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含

水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，

2015陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发展

2015陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发 展 中国画自古就分为人物、山水、花鸟三大科，中国山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但当时尚未从人物画中完全分离。在隋唐时期开始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。接下来中公资深讲师就带领大家一起来梳理一下中国山水画的发展历程。 一、起源——秦汉时期 秦汉时期实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山西平陆枣园汉墓壁画《山水图》。 二、起兴——魏晋南北朝 魏晋南北朝时期，由于长期乱战，社会动荡不安，使得社会普遍流行着消极悲观的情绪，名士们纷纷寄情山水以逃避现实，大量的山水诗、田园画的出现促使山水画的生成。从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来，他的人物画《洛神赋图》卷中的部分配景山水中可以看到峰、石、云、水、树的表现，领略到当时山水画的大致形貌。此时的山水画理论也已经基本成熟，而且讨论了空间的表现，奠定了中国山水画的理论基础。第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。 在南北朝后期山水画逐渐发展成独立画科，并出现了戴逵、宗炳、萧绎等以山水画著名的画家。宗炳所著《画山水序》，是最早的山水画理论文章。 三、全盛——隋唐 隋唐结束了战乱状态，进入中国历史上的全盛时期。山水画在南北朝时所显现的独立趋势，入隋以后渐渐明朗。初、盛唐之际，山水画已脱离人物故事而成独立的画科，到盛唐时，出现了画法工致、赋色浓丽和笔迹豪放、水墨减淡等不同流派，山水画由此启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。 山水画的发展，首先表现在隋唐兴建的大量宫廷和台阁上，他们在设计依山傍水的建筑时，先要绘画大量山水背景，从而促使了山水画的进步。这时期出现了展子虔、李思训、王维、张璪等一大批山水画大师。现存最早的山水画作品，是隋代展子虔的《游春图》，反映

山水画创作技法

山水画创作技法 构图的基本步骤 传统的“六法”用笔中讲“经营位置”，其 实就是讲绘画布局的章法，即构图。所谓绘画中 的“位置”应该用心去“经营”，要根据对象的 结构和格局，苦心加以组织和布置：在创作的时 候，要注意表现对象的特点和神韵，落笔要肯定， 一下笔就抓住物象的特征，主题要鲜明。 先用墨线勾画出景物的大感觉，构图注意重 心(见图1)。先落墨点出小山丘，一般起笔落墨 为有浓淡的湿墨，接下来干笔走线条向外扩张， 线条由简到繁、由疏到密；最后加点、擦、皴。 注意点擦时变化要多，以中锋点、散锋点、侧锋擦，营造出山村郊外的苍野和自然(见图2)，主题不断的深入，使画面更加丰富多彩。

传统绘画的程序是皴、擦、 渲染，最后上色。渲染是统一画 面的后一道工序，待墨线干后， 再用湿墨染出山石图像的明暗 (见图3)，注意要保留一些光亮 的地方，即留白。处理画面的留 白要讲究虚实对比。 上色可根据画面的需要和你想要表现的题材与内容。一幅画可以是水墨淡彩，也可以是浓墨重彩。同一幅作品可以给人两种感觉，这要取决于你在设色时选择了哪一种表现方式。水墨淡彩给人“雅致”的感觉，而浓墨重彩则给人以厚重和强烈的视觉冲击力。 山石结构与皴法 骨法用笔是传统“六法”中最基本的技法之一，是 关于绘画用笔的问题，也是运用“线”表现对象形体的 重要技法，骨力、骨气，形似皆于本意，而归乎用笔。 因此，“骨”便是指“线”的力度与变化，以及整幅画 的“骨架”。 中国画表现山石的基本技法就是皴、擦、渲染。先 皴石的外形轮廓以及轮廓以内山石的不平纹理。所谓皴， 就是山石结构的纹理线条；擦是指在山石轮廓线旁擦出

如何欣赏古代山水画教案

第三阶段 如何欣赏古代山水画教案 红光中学美术教师周剑梅 课型：中国山水画鉴赏课。 教学目的：在中国的山水画里,东方文化的体现优为深刻.有中华武术的阳刚之美,也有高山流水的韵律之美,更充实着华夏人的朴实无华,勤劳勇敢,热爱和平,追求和谐的大度之美. 我们的国画远源流长,博大精深,承载着丰富的文化和思想。 欣赏山水画,只注意笔法,墨法,章法及色彩,还远远不够.当然这是基础,必须从这里入手.山水画描绘的是大自然的山山水水.云树石木,它的形式美,色彩美,甚至充满着节奏美,旋律美.其结构是开放的,自由的,无拘无束的, 这正是其博大,充满生机活力的原因.中国山水画 讲究写意,讲究气韵生动,讲究意境,讲究气势,讲究天人合一.和谐共处.大山圣水赋予人灵气,智慧和博大的胸怀。 教学重点：有针对性的对学生的知识结构，审美缺憾进行梳理和调整。 教学难点：让学生学会比较、学会思考、学会评价，学会将新旧知识串成串，融会贯通； 教学过程： 一、组织教学： 二、引入新课： 1、师提问：经过前两次的中国古代山水画相关常识的学习，谁能说说怎样欣赏中国山水画？ 学生分组讨论，并以组为单位派一代表阐述讨论意见。 本课内容为通过对典型的中国古代山水画名作的评析，了解中国古代山水画的欣赏方法。 ⑴中国古代山水画的性质和它在中国古代绘画中的重要地位： 上两节课我们已经了解到，中国古代绘画习惯按传统分成人物、山水、花鸟三个画科。 中国古代山水画的主要描写对象是自然风景。它不但表现了丰富多彩的自然美，而且体现了中国古代人民的自然观与社会审美意识，甚至从侧面间接地反映了社会生活。 中国山水画作为一个独立的画科比人物画晚，但它在中国绘画史上得到了突出的发展，并且在长期的发展中，形成了多种画法和艺术风格。主要的有：青绿山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。 （2）其次，中国古代山水画在空间的处理上，采用“以大观斜、“小中见大”的手法。 就是把山水画家自己看作是一个巨人，面对自然，就象人观盆景状。这样，千里江山也可尽收眼底，或用长卷的形式表现，如《千里江山图》，长达11米。或以中国画特有的高远、平远、深远的构图方法，画十分繁复的山岭，如《溪山行旅图》、《早春图》、《青卞隐居图》等，其空间处理突出地体现了中国山水画独特的构图方法。中国古代山水画创造的这种独特的处理空间关系的艺术手法，既体现了中国画家独特的观察自然的方法，同时也蕴含着中国民族的审美胸襟，体现了中国人的自然观。 （放映录象） （3）此外，中国山水画在长期的发展中，形成了许多行之有效的表现程式。 如表现各种山石就有各种皴法，什么披麻皴、雨点皴、荷叶皴等。在这些表现程式的应用上，主张灵活运用，不断有所发展。在山水画的笔墨技法上，也更为丰富多变，如笔法中包含上述的山石的多种皴法和点苔法等；墨法中湿者为“染”，干者为“擦”，还有“破墨”、“积墨”等等。可见，中国古代山水画也同样形成了自己独特的艺术传统和体系。 （放映录象）

中国山水画创作的方法与技巧

中国山水画创作的方法与技巧 “外师造化，中得心源” “外师选化，中得心源”，是唐代水墨山水的张燥提出来的。据说，张操有一次在荆州官吏陆伴家作客，轩外森森牵竹引起了他的创 作激情，就主动要求主人取绢素，当场作画。张操在众多宾客的围观中，旁若无人，挥笔直扫，“若流电激空，惊飓戾天，毫飞墨喷，摔 掌如裂”，不多时就完成了一幅奇异的山水画，画面上有苍松怪石， 有激水流云，十分生动感人。有一次他的朋友毕宏，向他请教创作经验，他回答了八个字：“外师造化，中得心源”。“造化”，指的是 大自然，“心源”是指画家思想感情。说画家在创作过程中，要把客 观对象与主观思想感情结合起来，首先是从大自然中吸取创作原料， 忠实于所描绘的对象，但做这个步还不够，还需要在头脑中加工制作，并融入自己的激情。“外师造化，中得心源”八个字，揭示了一个准 确的创作过程，千百年来，成为指导绘画创作的法则。 张操的创作经验是十分宝贵的。学习山水画创作，一是要深入到 大自然中去，以真山真水为创作素材，不能闭门造车，把别人的作品 作为创作的依据，关起门来搞“搬山运动”，那不是成材之路。二是 要把自然形象加工制作为艺术形象，不能当“照相机”，在照相技术 非常发达的今日，绘画之所以没有被照相所代替，正因为它包含着画 家的主观精神。画作来源于现实，但高于现实。人们说“西湖风景美 如画”，说明风景虽美，但毕竟不如画家笔下的风景美。一幅绘画， 如果没有溶入画家的思想感情，就不是好作品。 “意在笔先” 早在唐代，一些书画家已理解到准确的创作过程，应该是“意在 笔先”。书法家卫夫人《笔阵图》中说：“意后笔前者败，意前笔后 者胜”。美术评论家张彦远更明确指出：“笔墨形似，皆本于立意归 乎用笔”。于是“意在笔先”就成为指导画家实行创作的准则。五代 山水画大家荆浩说：“凡画山水，意在笔先”。元代四大家之一的黄

2019-2020-阅读答案：中国的山水画……(含答案解析)-word范文 (3页)

本文部分内容来自网络整理，本司不为其真实性负责，如有异议或侵权请及时联系，本司将立即删除！ == 本文为word格式，下载后可方便编辑和修改！ == 阅读答案：中国的山水画……（含答案解析） 阅读下面的文字，完成1—3题。 中国的山水画作为文人对自己生存环境——大自然的观照，深深的打上了意识 形态的烙印，蕴含着深厚的文化哲学内涵。山水画虽然以自然景物为描绘对象，但在中国山水画的水墨写意中，两度（平面）空间、多点透视及线的表现特点 又不是客观真实的再现，这充分体现了中国山水画“以形媚道”和“天人合一”的两大特征。西方人一直对中国画家早就能够完整地表现出山水百思不解。山 水画的出现的前提包括非拟人的自然哲学，在古希腊的地中海地区，洛克利歇 斯的《神圣的自然》就是这一哲学的最基本的文字表述。那时的古希腊地中海 地区出现了一种有创见的、有发展前途的西方山水艺术。它远远先于远东地区 的山水画，但后来的基督教改变了这一切。西方山水画艺术被扼杀、中断了， 直到文化复兴运动后，一些思想家和艺术家表现出对自然的热爱，山水画才得 以重新发展。然而在中国，自然哲学一直把人和自然看作是无法分割的整体， 这种“天人合一”的观察自然的方式，为山水画提供了创作前提。中国山水画 在“以形媚道”的创作思想指导下，以似与不似、虚虚实实的创作方法把自然 和人格之美结合起来，通过对自然界的山川、草木、宇宙、大地的赞美来表现 出人的理想心态及人格。 传统的儒家思想作为中华民族文化中占据主导地位的哲学思想，渗透在中国人 生活的方方面面，也同样影响着历代画家的审美世界观。在山水画史上，许多 画家在创作中刻意表现人与自然的依存关系，并对人类心意与自然物性的对应 进行了细致入微的分析。 老庄理论认为，最高的智慧不是站在客体之外去认识把握客观规律，而是需要 尽可能地融入客体之内去体会、理解，使主、客体完全融合。道家的这种哲学 精神，转化成了中国艺术的主要精神。作画时，不局限于同一时空的写实，而 是凭记忆按照心想去表现景物，力求达到“以神遇，而不以目视，官知止而神 欲行”的自由境界，这一过程实际上是对道的感悟、体验、转述、传达与表现。这种以道为本体存在，在空间意识上建构一个永恒的“质有而趣灵”的空间艺 术表现，惟有山水画特殊的散点透视法才可以表达。道家对自然的直观一直是 中国山水画家的神秘的一面，直至后来披上了禅宗的外衣。 禅宗是佛教中惟一推动山水画发展的部分。禅的实质是“释迦其表，老庄其实”；但是禅对人生及宇宙的直觉体验，“顿悟”其中的奥妙玄机，比道家略 高一筹。禅的神秘的哲学精神是将儒、道、佛、印度教的思想有机地融合在一

美术鉴赏论文浅谈中国山水画

浅谈中国山水画 【摘要】中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。 游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能像山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、人的性情。 【关键词】山水画中国底蕴文化古典 一、中国山水画的起源 中国山水画的起源可追溯到三国时代，顾恺之的《画云台山记》中所叙述的《云台山图》证实了我国不但有山水画，而且起源于三国。顾恺之，字长康，江苏无锡人，精于人像、佛像、禽兽、山水等，博学多才，艺术造诣很高，素有才绝、画绝、痴绝之称，他的《论画》极大的促进了隋代以后我国山水画的发展，而后而后宗炳的《画山水序》王微的《叙画》，进一步的证实了我国的山水画的由来，且证实了山水画的素材来源于真山真水的写生，绝非人为臆造。

---《洛神赋图》之一，东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹) 二、中国山水画的独立 隋朝的时候，由于政教的关系，因此绘画受到重视。隋朝绘画扔以人物或神仙故事为主，但山水画已发 展成独立的画科。展子 虔与董伯仁齐名，与东 晋顾恺之、南朝陆探微 及南朝梁张僧繇并称 前唐四大画家。展子虔历经北齐、北周与隋朝，曾在隋朝任朝散大夫，后任帐内都督。画过佛教画《法华经变》，风俗画《长安车马人物图》，但均没有传世。其山水画《游春图》，用勾勒刷法，著大青绿。空间透视安排合理，注意远近关系和山树人物的比例，能够于《游春图》-展子虔

咫尺之中，具备千里之趣。这证明了隋朝的山水画已经彻底解决“人大于山，水不容泛”的空间处理问题，成为卷轴山水画兴起的代表作。 二、中国山水画的成熟 唐代是我国历史上最强盛的时期，随着政治、经济、军事、教育、体育、音乐、外交……的发展，山水画教育开始设科，学画的人越来越多，王维、李思训、李明道、吴道子、阎立木、张萱、张燥邓等是最有名望的画家。大诗人王维曾任尚书右承、安史之乱后隐居于陕西蓝田辋川。其材艺双全能诗能画。诗歌以山水见长名扬史册，绘画尤长水墨，他的《雪溪图》、《孟浩然马上吟诗图》、《雪山图》、《辋川图》等。被宋代苏轼赞为：“诗中有画，画中有诗。”成为后世文人追求的最高境界。李思训出身于唐宗，他不仅是当代最有名的大画家，而且是屡建奇功的右武卫大将军。他受展子虔的影响，从形式上推动了山水画的主体，继承了六朝和隋代的山水画的技法。他的艺术实践使唐代的山水画得到了发展，也感染了许多精专山水画家。其子李昭道就是一位举足轻重的人物。他父子的青绿山水画同水

写意山水创作分析

写意山水创作分析 摘要：写意山水是中国画的代表，但是纵观当代的写意山水画创作却差强人意，在当代写意山水画的创作之中，写意精神严重缺失。造成这种局面绝非一日之寒，而是在时代的变革之中各种社会综合因素作用的结果。因此，要想解决这个问题也绝不可能一蹴而就，需要各方共同努力。但是发现了问题就要解决这个问题，目前此问题也日益受到画界的广泛关注与重视。因此，分析与研究写意山水画中写意精神的缺失，同时呼唤写意精神的回归具有非常重要的意义。 关键词：个人创作；写意山水；现状 写意精神是中国画创作之中最为重要的因素，其在中国画的艺术之路上有着悠久的历史渊源，这也正是中国之所以被称为中国画的一个重要原因，它是中国画最为独特的精神。但是，在我国现代的中国画创作领域中，写意精神已经长期处于一种被忽略的状态，甚至是严重的缺失。 1 写意山水画概述 写意两个字有着它自身的含义，写指的是用笔，意指的是造境。并不是一提写意，就让我们想到狂涂乱画，当然，也不是文人的一时遣兴，在书房之中用笔来随意写一写的意思。它指的是用比较简练的笔法来描绘大自然中的一切，写意山水画大部分是画在生宣之上，纵笔挥洒自如，墨彩飞扬，

它与工笔画相比，对景物神韵的描述更胜一筹，也能更好地、更为直接地抒发作者所要表达的感情。 在写意山水画中，就是用笔和墨来进行创作。对于笔墨本山来说，一个点、一条线、一团墨并不能说明它代表了什么，只有用其作为一种造型的手段，才能够在画作中成为具体而丰满的形象。山水画是通过笔墨来塑造景物的形象，同时还表现在画家在笔墨构成形式的探索与创造上。 2 目前写意山水画的创作现状 2.1 创新不断，但忽略了对中国笔墨的精妙把握 纵观我国当今的中国画创作，有一些作品虽然画家也是在精心绘制，但是这些作品却忽略了写意精神的高扬，对于中国笔墨的那种精妙把握逐渐忽略。这也就出现了所谓的意不足而写也不讲的问题。正是由于西方平面设计以及在色彩构成等在中国的迅速发展，在中国的写意山水界也可开始追求大方大圆的对比以及平面形式的情形。对于很多画家来说，追求新意的画作似乎更加有利可图，于是他们的主要精力便放在了创新形式的发明创造上，而忽视了对于中国传统文化的认识以及思考，片面地去追求那些新、怪的特征，更是有一些画家一味地去追求所谓的新，而将写意山水画的精髓，也就是笔墨的精妙运用抛到了九霄云外，这不能不说是中国写意山水画界的悲哀。 2.2 整体浮躁，写意精神严重缺失

中国古代山水画

中国古代山水画 导入： 过度：闲暇之余我们都喜欢亲近自然，外出旅游。美丽的自然风景能带给我们心旷神怡，轻松自然之感。 提问：同学们都去过哪些中国的名山大川呢？ 学生：黄山、泰山、、、、、五桂山（教师可幽默回答，当然五桂山、大尖山也算是我们中山的名山） 提问：我们常说的“三山五岳”是指什么？ 学生：（略）相传古代的“三山”是指蓬莱、方丈、瀛洲。现指安徽黄山、江西庐山、浙江雁荡山。（《史记·秦始皇本纪》载：“齐人徐福等上书，言海中有三神山，名曰蓬莱、方丈、瀛洲”）、（徐霞客（明代伟大的地理学家和旅行家和探险家）曾两次游黄山，留下了“五岳归来不看山，黄山归来不看岳”的感叹。）“五岳”是指东岳泰山之雄（山东）、西岳华山之险（陕西）、南岳衡山之秀（湖南）、北岳恒山之奇（山西）、中岳嵩山之峻（河南）。（孔子“登泰山而小天下”。唐代诗人杜甫“会当临绝顶，一览众山小”的诗句。“重于泰山”、“有眼不识泰山”等） 提问：我们现代人表达对大自然的喜爱之情，一般都会用相机把美丽的风景记录下来。那么在中国古代，人们又用什么方式来表达对自然的喜爱之情呢？ 学生：诗歌、绘画是常用的方式。（李白《望庐山瀑布》日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川。飞流直下三千尺，疑是银河落九天。） 出示课题《中国古代山水画》 一．中国古代山水画的发展概况及脉络 提问：什么是山水画呢？ 学生：（略）山水画是中国画的一种,以描写山川自然景色为主体的绘画。（中国画按题材可分人物、山水、花鸟，三大科；技法可分工笔和写意。中国画是用毛笔、墨、彩作画于绢、宣纸、帛上，这种画种被称为“中国画”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。） 提问：中国古代山水画最早出现在什么时期呢？距今1500多年大概是什么时代。 学生：（略）魏晋、南北朝时期 魏晋南北朝时期（重点讲） 讲解：魏晋、南北朝时期，中国古代山水画就已经开始萌芽，但仍附属于人物画；（图例《洛神赋图》东晋顾恺之绢本设色（传是宋代摹本) 纵27.1cm 横572.8cm 这幅画现在有四个摹本，分别藏于辽宁省博物馆、故宫博物院、美国弗利尔艺术博物馆等处。）

颜景龙《中国山水画的意境美》阅读练习及答案

中国山水画的意境美 颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时，更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时，时常被其内含的艺术魅力所吸引，被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无，空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝漂浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远、简淡的意境。空灵之美一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中的有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。 ③中国山水画的外象之美不仅表现在画作本身，也包括画作以外的无限性，即“画外有画”。正如美学大师宗白华所说：“中国绘画所表现的精神是深沉静默地与这无限的自然、无限的太空浑然融化，体合为一。”山水画是一种哲理的最高境界，它追求的不是繁芜的世界，而是自然与人文的完美统一，是一种摆脱世俗的精神。从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等人的山水画中，我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求。 ④中国山水画的诗意之美，也是中国绘画历来所提倡的。不论《春山烟雨》还是《春浦帆归》，只看画题，就会觉得诗意盎然。诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。真正山水画中的诗境，体现在画的构思、章法、形象、色彩的诗化，诗情与画意交融。宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗、画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。比如他的作品《江山雪霁图卷》，画面上虽然没有像许多画家一样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。 ⑤中国山水画中所具有的那种空灵美、外象美、诗意美的意境既是画家创造的终点，又是观者再创造的起点，是画家与观者之间沟通的桥梁。当代中国山水画创作者，只有放开眼界，敞开胸怀，徜徉于大自然之中领受山川、风云、水石、林木际会之妙，铸就独特的艺术灵魂，方能构筑胸中意象，孕育笔墨语言，创作出有意境的作品，真正做到“代山川而言”。（有删改） 14．请简要概述全文的论述层次。 15．第②段画线句使用了什么论证方法？有何作用？

陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发展

陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发展 中国画自古就分为人物、山水、花鸟三大科，中国山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但当时尚未从人物画中完全分离。在隋唐时期开始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。接下来中公资深讲师就带领大家一起来梳理一下中国山水画的发展历程。 一、起源——秦汉时期 秦汉时期实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山西平陆枣园汉墓壁画《山水图》。 二、起兴——魏晋南北朝 魏晋南北朝时期，由于长期乱战，社会动荡不安，使得社会普遍流行着消极悲观的情绪，名士们纷纷寄情山水以逃避现实，大量的山水诗、田园画的出现促使山水画的生成。从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来，他的人物画《洛神赋图》卷中的部分配景山水中可以看到峰、石、云、水、树的表现，领略到当时山水画的大致形貌。此时的山水画理论也已经基本成熟，而且讨论了空间的表现，奠定了中国山水画的理论基础。第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。 在南北朝后期山水画逐渐发展成独立画科，并出现了戴逵、宗炳、萧绎等以山水画著名的画家。宗炳所著《画山水序》，是最早的山水画理论文章。 三、全盛——隋唐 隋唐结束了战乱状态，进入中国历史上的全盛时期。山水画在南北朝时所显现的独立趋势，入隋以后渐渐明朗。初、盛唐之际，山水画已脱离人物故事而成独立的画科，到盛唐时，出现了画法工致、赋色浓丽和笔迹豪放、水墨减淡等不同流派，山水画由此启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。 山水画的发展，首先表现在隋唐兴建的大量宫廷和台阁上，他们在设计依山傍水的建筑时，先要绘画大量山水背景，从而促使了山水画的进步。这时期出现了展子虔、李思训、王维、张璪等一大批山水画大师。现存最早的山水画作品，是隋代展子虔的《游春图》，反映了隋代或初唐青绿山水画的面目，开创了青绿山水画的端绪，并且初步探讨了“咫尺千里”的透视观。《游春图》以青绿勾填法描写山川、人物，尚无皴法，树木直接用粉点染，体现出朴拙而真切地描绘自然景色的能力，展示出山水画已由六朝以来的萌芽状态而趋向成熟，山水画就是从这里开始正式走上了蓬勃发展的道路。 唐代的山水画具有划时代意义，具体表现为青绿和水墨两种不同风格的建立。一派是青绿山水，“大小李将军”——以李思训及其儿子李昭道为代表。二李的画法是以墨笔勾勒轮

《中国山水画》教案1

《中国山水画》教案 教学目标： 1、了解中国山水画的知识和基本技法。 2、通过指导练习和临摹、创作活动，使学生能够按照正确的方法步骤进行中国山水画的创作。 3、通过学习，激发学生热爱家乡、热爱大自然的情感，对中国山水画产生兴趣。 教学重点与难点： 重点：了解中国山水画的基本特性和技法，掌握水彩静物的干画法和湿画法。 难点：中国山水画的表现技法及运用。 课前准备： 教师：多媒体课件、范画、静物、中国山水画绘画工具。 学生：教材、水彩绘画工具。 教学过程： 1、欣赏。 （1）展示课件中各个画种的图片，如：中国画、水彩、油画。 （2）教师选择其中一幅画，介绍中国山水画的概念、特点及起源。 （3）展示一些水彩作品，向学生提问，如：同学们能觉察出这些中国山水画都有哪些特点。 2、讲解。 （1）欣赏两幅中国山水画的作品，让学生通过直观的感受对中国山水画形成感性的认识。（2）思考练习。设置一道配图选择题：从油画、中国山水画、中国画中选择出中国山水画。 3、分析。 （1）给学生欣赏几幅融合了部分水彩技法的作品，提出：这些画是怎么画出来的？ （2）学生分组讨论，教师引导学生观察，讨论结束。 4、示范。 （1）教师运用准备好的水彩工具材料，示范创作步骤。 （2）让学生欣赏范作，体会中国山水画的创作过程。 5、实践。 （1）同学生用已准备好的水彩绘画材料，对中国山水画技法进行实践练习。 （2）评价。教师对学生的作业进行评价，也可以之间相互评价。 6、拓展。

（1）了解中国山水画的其他技法，如：撒盐法、压印法等。（2）希望学生们在中国山水画表现技法中找到更多的乐趣。 感谢您的阅读，祝您生活愉快。

学习山水画的三个步骤

学习山水画的三个步骤 山水画的学习应该包括三个重要步骤，缺一不可。那就是学习传统、对景写生和精心创作。学习山水画，首先要临摹古人的优秀作品。临摹的目的是什么？无疑是学习古人精湛的绘画技巧：如笔墨技巧、章法技巧以及勾皴点染的基本技法。这是一个寂寞的过程也是一个长期的过程。板凳要坐十年冷，文章不写一句空。 掌握了山水画的基本技巧就应该到大自然中对景写生，大自然是一本丰厚的教科书。李可染先生曾说过：学习山水画要研究两本书，一本是传统，一本就是大自然。可见到大自然中去，观察生活、提炼生活是山水画家必不可少的必修课。因为临摹只是解决了笔墨与技巧的问题，而只有写生才能学会如何把自然界的真实山水景致提炼概括成画面上山水形象。五代画家荆浩“写松数万本，始得其真”。白雪石、李可染等大家更是足迹遍及祖国的大江南北，名山大川。这种能力的培养决非一朝一夕的工夫。冰冻三尺，非一日之寒。当你具备了以上两种能力就可以进行创作了。山水画的创作就是画家把自己的主观审美情趣和大自然真实山水完美结合形成山水画作品的过程。创作时要按照自己的审美情趣对所搜集来的素材进行从新加工，包括取舍、变形、提炼、概括等，只有这样才能形成极具艺术感染力的典型形象。所以对景写生并不能完全等同于创作，因为那只是搜集素材的过程。对景写生就象律师搜集证据，精心创作则象律师在法庭上的应诉，应诉要比搜集证据复杂的多。如果一个山水画家不能完成创作这一步，就只能局限于临摹他人的作品或机械地描摹自然。今天是一个追求享受的时代，能忍受寂寞，甘于清贫走完这三个步骤的人越来越少。尤其对于后两个步骤，更是这样。写生毕竟是去物质生活相对落后的山野之地，创作那更是艰辛的脑力劳动，于是很多人就停留在了第一个步骤：临摹。今天能看到许多山水画作品其实就是古人作品的复制或位移后的复制。反正古人已经去见马克思了，不会从地底下出来指责你侵犯了他的知识产权。这样的作品从美术作品的角度来说它缺乏时代感，同时也无法形成自己独特的艺术风格，所以显得死气沉沉、千人一面。科学求同，艺术求异，这样的作品显然是缺乏艺术生命力的。

中国山水画创作的方法与技巧

中国山水画创作的方法与技巧 时间:2015-02-09 16:17来源:我爱画画网作者:乐而言点击:619次山水画是中国画的其中一种，同时也是占有非常重要的地位的。而很多学生都遇到一个问题，就是不知道如何创作山水画，其实我们每个人创作时所采用的方式方法都是会有所不同的，我们不必硬是要一致。现在我来看一下山水画创作的基本方法有哪些? 山水画创作的方法与技巧 “外师造化，中得心源” “外师选化，中得心源”，是唐代水墨山水的创始者张燥提出来的。据说，张操有一次在荆州官吏陆伴家作客，轩外森森牵竹引起了他的创作激情，就主动要求主人取绢素，当场作画。张操在众多宾客的围观中，旁若无人，挥笔直扫，“若流电激空，惊飓戾天，毫飞墨喷，摔掌如裂”，不多时就完成了一幅奇异的山水画，画面上有苍松怪石，有激水流云，十分生动感人。有一次他的朋友毕宏，向他请教创作经验，他回答了八个字：“外师造化，中得心源”。“造化”，指的是大自然，“心源”是指画家思想感情。说画家在创作过程中，要把客观对象与主观思想感情结合起来，首先是从大自然中吸取创作原料，忠实于所描绘的对象，但做这一步还不够，还需要在头脑中加工制作，并融入自己的激情。“外师造化，中得心源”八个字，揭示了一个正确的创作过程，千百年来，成为指导绘画创作的法则。 张操的创作经验是十分宝贵的。学习山水画创作，一是要深入到大自然中去，以真山真水为创作素材，不能闭门造车，把别人的作品作为创作的唯一依据，关起门来搞“搬山运动”，那不是成材之路。二是要把自然形象加工制作为艺术形象，不能当“照相机”，在照相技术非常发达的今日，绘画之所以没有被照相所代替，正因为它包含着画家的主观精神。画作来源于现实，但高于现实。人们说“西湖风景美如画”，说明风景虽美，但毕竟不如画家笔下的风景美。一幅绘

中国山水画与中国古典的起源和发展

中国山水画与中国古典的起源和发展 简介：中国山水画与中国园林被誉为“姊妹艺术”。通过分析从殷周秦汉、魏晋南北朝、隋唐、宋、元明清时期的社会发展的五个典型的阶段两者的兴衰的历史和相互作用，总结出中国山水画与中国古典园林发展的共通之处以及前者对后者 的影响和作用。 关键字：中国古典园林中国山水画发展 人们自古以来就有着亲近自然、追逐山水的欲望。“高山流水，小桥人家”是古代人们所追逐的，便出现的山水诗；古人描绘山水，便出现了山水画；古人创造山水，便出现了中国古典园林。中国山水画与中国古典园林的起源和发展有着密切联系，两者的创作一脉相成。在漫长的发展过程中相互作用，逐渐形成了 一种独特的风格和审美情趣。 1.起源（石器时代、殷、周、秦汉） 山水画是中国画中的特有的画种之一，说到中国山水画起源得先从中国绘画说起。早在旧石器时代，制陶工艺的出现使得绘画在陶器的装饰上得以表现；在新石器时代，彩陶上的装饰图案代表新石器时代绘画的最高水平；原始岩画是中国绘画最早的遗存，原始岩画包含着人类的智慧和本性，反映了原始先民的朴素理想、信仰和生活；而到了秦汉，实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山系平陆早园汉墓壁画《山水图》。 最早见于文字记载的园林形式是“囿”，园林里面的主要建筑物是“台”。中国古典园林的雏型产生于囿与台的结合，在奴隶社会后期的殷末周初。囿台主要是满足上层社会阶级，他们用囿台狩猎、游玩、观察天象和气候以及祭祀。而在秦汉园林则以山水宫苑的形式出现，离宫别馆与山水环境结合，范围大到方圆数百里。其中最为有名的是“阿房宫”，它首先在苑囿中建立朝宫，实现了皇家园林里的游赏、居住、朝政等活动的兼容，促使了具有宫苑式的“园”的形成。中国园林从汉起称“苑”。其中以上林苑最为著名，它是中国历史上最大的一座皇家园林。同时在汉文帝时期还出现了私家园林，《西京杂记》就记述了这个时期茂陵富人袁广汉所筑私园情况：“东西四里，南北五里，激流水注内。构石为山，高十余丈，连绵数里。”以山水为建筑要素亦在私家园林中建设。 综上所述，中国绘画起源于人们的生产活动，原始画和原始囿台都是先民的智慧和汗水的结晶，而秦汉时期的统一促进了园林和中国绘画的发展，山水宫苑的出现也说明园林已经有意识的与自然山水结合，私家园林的出现说明当时园林 已开始普及。 2.发展 2.1转折（魏晋南北朝）

浅谈中国山水画欣赏

浅谈中国山水画欣赏 （江西南昌 330103） [中图分类号]j212 [文献标识码]a [文章编 号]1009-9646（2012）6-0035-02 中国山水画简称“山水”。是以山川自然景观为主要描写对象的中国画；是中国传统绘画最重要的一种形式，为第一大画科，是最能体现中国文化与艺术精神的一种艺术形式。 中国山水画的欣赏是一个复杂的综合过程，是一个人的文化艺术素养与生活阅历的集中体现。而且欣赏山水画的角度也很多，可以从笔墨、构图、形神、哲学、意境等方面进行欣赏，下面我们从欣赏山水画的几个要点来分别阐述。 一、中国山水画的笔墨欣赏 用笔与用墨，是学习山水画首先要解决的的问题，是最能体现画家功底的问题，因此也是我们欣赏山水画的一个重要方面。 明代沈颢说：“笔与墨最难相遭，具境而皴之，清蚀在笔，有皴而势之，隐现在墨。”中国画的墨法和笔法是不能分的，墨是以笔来表现的，墨法之妙，全在笔出。如果没有墨，笔法就无从体现。山水画以墨色为基本色，墨法包括用墨浓淡的程度和墨色黑白深浅的变化。墨分五色，即指：焦、浓、重、淡、清五种浓淡不同的色度。其实运用的时候，实在不止五色。墨色也具有色之变化的趣味，须有干有湿，有浓有淡。墨法也就是山水画的一种用色法，山水画

用色时强调要“色不碍墨”。唐代王维说：“夫画道之中，水墨最为上，肇自然之性，成造化之功，或咫尺之图，写百千里之景，东南西北，宛尔目前，春夏秋冬，生于笔下。”南此可见，笔墨是山水画的重要表征，山水画通过笔墨既立形也表情达意。 中国画笔墨是重要的审美要素之一，用笔用墨是自然融注在绘画当中的，一幅好的绘画不光题材，内容，造型，构图等要好，用笔用墨的功夫也是极其重要的，若笔墨不佳，则此画必不佳，但笔墨是为绘画服务的，不能为了笔墨而笔墨，不顾一切的追求笔墨只会脱离实际，从而成为玩能笔墨的形式主义。笔墨的问题，历来论述较多，用笔讲究点，勾，皴，擦之法和下笔的轻重，疾徐，偏正，曲直，侧笔，圆笔，中锋偏锋，逆锋等。用墨讲究淡墨，浓墨，泼墨，积墨，焦墨以及破墨飞墨诸法，此外还有“五墨”、“六彩”之说。用笔与用墨的变化既是不同绘画的需求，也是不同画家的修养与绘画风格的体现，最高的境界应是心手合一，笔随心运，水墨淋漓，自然天成，而不是矫情做作，故弄玄虚。对山水画笔墨的欣赏，需要一定的专业知识，也是山水画欣赏重要的一个方面。 二、中国山水画的章法欣赏 章法就是画面的布局，即构图法，顾恺之称作置陈布势，谢赫称作经营位置。 山水画的构图法，在长时间的实践中形成了“三远法”，西洋画一般采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动

中国山水画教学设计

中国山水画（2课时） 第1 课时：树木画法 课型：综合课 教学方法：欣赏、讲解、示范与练习相结合。 教学目标 知识与能力：学生具有对常见数木生长、生理特点的认识。 过程与方法：通过树木画法的教学，增加学生对中国画山水的了解，提高学生对中国画山水树木画法的技法与欣赏水平。 情感态度与价值观：为以后学习山水画打下基础。 教学重点与难点 重点：树木的结构和中国画画树的特有的表现手法。 难点：树木的穿枝插叶。 教具与学具准备 教具： 中国画山水画二至三幅。 树木结构图一幅。 树枝、树叶分类挂图各一幅。 学具：国画工具——笔、墨、纸、砚。 教学步骤 课前，在教室前面展示出山水画二至三幅。 1导言： 先欣赏挂在墙上的几幅山水画，由此引入新课，并介绍树木是山水画中的重要组成部分，作为祖国的传统艺术，我们要十分珍爱并发扬光大。 2树木的结构： 树木的种类繁多，形状也千差万别，但每株树都是由枝、干、根、叶构成，它们的生长规律是：主干粗、枝干细，枝干越分越细。 3树干、树枝的画法： 画树的顺序是：先立干，后分枝，最后点叶。 古人有“树分四枝”之说。意思是指画树要四面出枝，才能表现出一棵树的立体感。再则，画树枝要注意取舍、概括，以达到简化，同时在画面的树干时，多用浓墨，画后面的枝干时，多用淡墨来表现，使其具有远近关系和层次。古人经过长期的观察、提炼，把各种树木的种类和各种树枝的生长规律和形态概括为两种基本形态。 即：“鹿角法”和“蟹爪法”。 鹿角法： 枝条上挺如鹿角状，两枝交接处的内角多为锐角，也有成钝角的，但不宜取直角，因直角太呆板。 蟹爪法： 枝条下屈，如蟹爪。（枣、柿等树，大体属于这一类。） 4树叶的画法： 树叶的表现法虽很多，但基本上可分为两大类。即：点染法和双勾法。 点染法： 胡椒法：为密集的圆形小点。最好用微秃的毛笔画，落笔时笔锋直擢纸面，有节奏地点下去。注意墨色的浓淡变化。